Fascinante

La fuente de la vida (The fountain)

Película de Darren Aronofsky que sigue la estela de sus anteriores trabajos, es decir... es inclasificable.
Narra tres historias paralelas, protagonizadas por la misma pareja de personajes en tres tiempos distintos, y ambas historias se van mezclando y entrelazando para formar un collage sobre la vida y el sentido de la muerte. Puede parecer lioso, y lo es, y mucho. La narración ni mucho menos esta ordenada, saltamos hacia delante y atrás en las tres historias, y además las tres -en especial una- tienen un factor onírico o espiritual que hacen imposible resumirla.
Porque es imposible hablar de la trama de esta película más allá de la lucha de un hombre por salvar a su mujer de la muerte, y de la recreación de esta de esa propia batalla a través de un libro. Luego, por medio de mitología maya, el director trata de hacernos llegar su reflexión sobre conceptos como la resurreción o la belleza de la muerte tras una vida completa.
La dirección es excelente hasta los últimos diez minutos. Actores, guión, narración, ritmo... todo funciona a la perfección dentro de su increible pretenciosidad y ambición -objetivos de los que no sale mal parada-, sin embargo, al final de la pélicula se puede decir que el director se pierde en su símbolismo y ante la imposibilidad de cerrar esta por el guión, lo hace mediante imágenes. El final es una explosión de imágenes e ideas dificilmente explicables e interpretables, algo completamente subjetivo.
No obstante, hasta entonces, y no es mérito pequeño, la película funciona a la perfección, como un gigantesco laberinto que se va expandiendo a cada minuto que pasa, pero del que también tenemos a cada instante una visión más global que nos ayuda a entenderlo mejor.
Es una película compleja, como todas las que abordan un tema como es la muerte sin más miramientos. Pero aún así... su narrativa enravesada, sus diversos hilos, su increible dirección artistica, su grandiosa música, sus actores en estado de gracia, sus preguntas formuladas en el momento adecudado... hacen que los defectos sean pequeños y que uno salga del cine con la sensación de haber visto una buena película, y lo que es más importante, con la sensación de haber pensado mientras lo ha hecho.
No es, ni mucho menos, una película fácil o recomendable para todo el mundo. Pero, al menos para mi... ha sido fascinante.

Caer para volver a levantarse (II)

Darker than Black

Esta entrada enlaza con la de ayer, donde hablaba del pequeño "bajón" que supone Lucky Star dentro de la trayectoria del estudio Kyoto. Bones es otro estudio, seguramente más prestigioso aún que Kyoto pues lleva más de un lustro sirviendonos auténticas maravillas como: Scrapped Princess, Wolf´s rain, rapxephon, full metal alchemist, eureka 7 y ouran host club. Durante la pasada temporada, no obstante, sufrieron un pequeño pinchazo con la serie Ayakashi Ayashi, un proyecto bastante ambicioso cuya duración fue reducida de 52 a 26 episodios por la falta de audiencia. No obstante, los miembros del estudio Bones han dado muestra muchas veces de conocer perfectamente como triunfar en esta industria, y ese pequeño borrón no hace si no otorgarles más experiencia y una pequeña cura de humildad que les hará afrontar con más decisición sus próximos proyectos.
Darker than Black es el primer proyecto de Bones para recuperar ese prestigio (aunque resulta obvio que la producción ya estaba muy avanzada cuando sufrieron ese pequeño varapalo). ¿Sera un buen anime a la altura del nombre del estudio? Todo parece indicar que sí.
Bones, en primer lugar, siempre se ha distinguido por una animación excelente. Quizás no tenga demasiados excesos y en las series largas sufra algunos altibajos... pero es una buena animación. Una paleta de colores viva y siempre adecuada para personajes y escenas, una rotulación marcada pero precisa, una animación propiamente dicha siempre fluida y unos juegos de cámaras y encuadres que cuando es necesario rozan el virtuosismo técnico. Mi única queja sería que la mayoría de sus series tienen un diseño de personajes parecido, pero no es tan flagrante como en otras ocasiones y creo que se debe más que nada al estilo de su animación. En resumen, en el aspecto técnico, como siempre, Bones se muestra impecable.
Luego tenemos el argumento. Ubicada en un Japón actual ficticio y paralelo al nuestro, nos encontramos con una sociedad que vive bajo la sombra de los extraterrestres y en la que algunos hombres tienen habilidades sobrenaturales. Hay crímenes y conspiraciones, y todo ello conforma un thriller de ciencia ficción con bastante acción y algunos toques del género policiaco. Argumentalmente es compleja, y queda mucho por desarrollar y explicar, pero el punto de partida es innegablemente sugerente y atractivo. Y lo mismo se puede decir de los protagonistas, de los que poco sabemos más allá de sus acciones y sus personalidad -perfectamente definidas con unas pocas pinceladas-.
Queda mucho por contar, queda por ver si saben manejar la historia o se les irá de las manos debido a su presumible "complejidad". Queda por ver si el ritmo es tan acertado como en los primeros tres episodios, si la planificación de escenas y el ritmo siguen siendo tan coherentes y consecuentes, si los poderes tanto de los villanos como de los protagonistas no caen en una espiral de absurdez y siguen siendo un complemento y no el motor de la serie, queda por comprobar como comenzaran a interactuar entre si los protagonistas de las distintas facciones cuando se encuentren y como se desarrollaran después los personajes. Queda mucho por ver y comprobar. Pero al menos los tres primeros episodios son modélicos.

Caer para volver a levantarse (I)

Lucky Star era, sin duda alguna, uno de los animes más esperados de esta temporada primaveral en la que nos encontramos. Los motivos son obvios, Kyoto Animation nos ha regalado cuatro obras maetras durante los últimos años como son: Air, Full Metal Panic: the second raid, Suzumiya Haruhi y Kanon. Kyoto era sinónimo no sólo de una excelente animación, si no además de un gusto excelente y de una labor cuidada en aspectos tan vitales como dirección, guión o diseño de personajes. Sencillamente, Kyoto, era un estudio que trabajaba poco pero lo hacía muy bien.

Lucky Star viene, en cierta manera, a romper esa racha de obras maestras. No es un mal anime, eso lo digo desde un principio, pero el género es tremendamente complicado y no logra salir ileso. Lucky Star es una serie de 4-koma, es decir tiras cómicas de cuatro viñetas con humor inteligente, adulto y -en este caso- bastante autoparódico al tener como protagonista a una joven otaku. Es un formato cerrado y tremendamente complejo a la hora de adaptar al anime por cuestiones tan elementales como que los chistes suelen ser independientes y no cohesionados en la mayoria de ocasiones, y eso nos acarrea graves problemas a la hora de colocar veinte minutos de ellos seguidos, que exista ritmo entre ellos y que además no sean aclimáticos.
Azumanga Daioh, seguramente el anime de referencia para todo este tipo de adaptaciones, ni siquiera lo conseguía siempre, pues -aunque era brillante- en muchas ocasiones teníamos la sensación de que se nos contaba casi un spin-off de la serie y no esta en sí.
La serie que nos ocupa no consigue sobrevivir a esos problemas, pero además ni siquiera trata de disimularlos pues se mete directamente en ellos tratando de que su calidad los supla. Pero no es así. Uno no puede comenzar una serie con un dialogo -no demasiado cómico- sobre como comerse un dulce a no ser que se llame Jerry Seinfeld. No puedes saltar de una situación a otra como quieras, pues produce cansancio en el espectador, y no puedes saturar el anime con quinientas líneas de diálogo por la misma razón (y aquí además, aunque sea obvio que no ha sido realizado para nosotros, los espectadores occidentales nos perdemos entre tanta referencia a la cultura japonesa). Y no puedes hacer girar toda una serie en torno al frikismo de la protagonista, pues es un rasgo cómico carente de la fuerza necesaria para sostener la serie en torno a ella.
Lucky Star, en resumen, no es un mal anime, tiene una buena animación, unos correctos diseños de personajes, unos diálogos trabajados y con buenos puntazos de humor. Pero, al menos en mi humilde opinión, se estrella en un muro que es muy difícil escalar.

Otra entrada más para One Piece

One Piece 454

La semana pasada fueron las alas de Robin y el esperado retorno de Brook, en esta le toca el turno a este último para mostrar su forma de atacar y... por supuesto, al gran Cutty Flam, alias Franky.
Porque lo de Brook y su espada, lo de su ataque similar al de Ryoma y el hecho de que la esperpéntica imagen de un esqueleto pervertido con afro canturreando sea el preludio del apocalipsis no me parece lo más llamativo del episodio. Es importante, lo más importante del capítulo, sin duda, pero no me parece lo más llamativo. Si es un acierto o no el tiempo lo dira, aunque confio en Oda y no me cabe la menor duda de que el caos absoluto y delirante que es esta saga estará sin duda muy bien planificado en su mente.
Lo que más me ha sorprendido de este capítulo son los nuchakus de Franky. Y si lo ha hecho no es por otra razón que por la increible naturalidad con la que Oda los presenta. Franky es un personaje muy cómico, eso es innegable, pero además es una mala bestia luchando y un auténtico macarra. Su estilo de lucha es una mezcla del de Luffy y Usopp, pero Oda consigue diferenciarlo y hacerlo distinto. Y ahora nos presenta un arma que el tiempo dira si es definitiva o si dura para un par de capítulos, pero aún así resulta espectacular como de la nada se inventa unos nunchakus de columnas y comienza a repartir con ellos. Esa capacidad de atacar tan "a lo bestia", sorprendiendo a los enemigos y al propio espectador por la violencia bestial que presenta es sencillamente digna de quitarse el sombrero... pero sobre todo porque lo consigue sacando al mismo tiempo una sonrisa de los labios del lector. Grande Oda, grande.

Mirando hacia el pasado

Gamma Ray - Heading for tomorrow

1990 fue quizás el año más importante en la historia de Helloween. El grupo alemán se encontraba en todo su apogeo tras el éxito de los dos "Keeper", pero dentro todo eran peleas y Weikath y Hansen eran demasiado "gallitos" para compartir estrellato. Hansen abandonó la formación y formó su propio grupo: Gamma ray.
"Heading for tomorrow" fue su primer disco. Seguramente la madurez y explosión del grupo no llegó hasta su cuarto disco "Land of the free", pero este primer disco ya apuntaba muy buenas maneras.

Hansen era antes el mejor compositor de Helloween, y su genio se mantiene intacto en este disco, donde quizás sólo se le pueda recriminar que tuviera mucha prisa por sacarlo y que no es un disco tan redondo como podía haberlo sido. Canciones como "Lust for life", "Heaven can wait" o "Heaven for tomorrow" son auténticas maravillas (la última, quizás algo pretenciosa al ser una canción de 14 minutos), mientras que otras como "Free time" o "Space eater" si bien son buenas son bastante convencionales y se olvidan más rápido.
"Heading for tomorrow" no es el mejor disco de Gamma Ray, pero si un buen disco de heavy-metal que tiene varias grandes canciones en su interior y que muestra el potencial de un grupo que, ahora mismo, es uno de los más representativos del panorama metálico alemán.

Un hogar al que regresar

El gran Lebowsky

Hace tiempo leí una crítica que se refería a esta película como un refugio al que volver de vez en cuando cuando uno se sintiera desanimado, y creo que es una definición bastante acertada. "El gran Lebowsky" no es seguramente la mejor película de los Coen (demosle a "Fargo" este título aunque sólo sea por tradición), pero es una de sus películas más entrañables. Las películas de este par de genios siempre se han caracterizado por unos guiones exquisitos y repletos de matices, humor y mala leche, y además de unos personajes francamente memorables e inimaginables en otras películas.
Lebowsky es, seguramente, el mayor exponente de la excentricidad de sus personajes. Se trata de una película protagonizada por auténticos párias y marginados. Gente extravagante que van desde el pasotismo impagable del protagonista -el impagable "Nota" al que Jeff Bridges encarna magistralmente, al pobre Donnie del que todo el mundo pasa y que interpreta Steve Buscemi como sólo él podría hacerlo. Porque esta película es eso, independientemente de la trama, todo se sustenta en una galería de personajes secundarios casi esperpénticos que compiten en rarezas que en verdad no son tales. Pero los personajes son tan buenos, el guión que los une tan cuidado y estudiado, que resulta imposible no encariñarse con ellos y no soltar una o dos carcajadas ante frases como "Esto no es Vietnam, son bolos. Aquí hay reglas".
Sencillamente una película para recordar y para volver a ella de vez en cuando.

Sorprendentemente espectacular

One Piece 453

Un nuevo capítulo de esta serie, y una nueva lección de Oda demostrando que la etiqueta de heredero de Toriyama no tiene sentido en él y que hace mucho que su manga de piratas supero a la mítica Dragon Ball.
Esta saga de Thriller Bark es una ida de olla espectacular, un homenaje a las películas de terror y un pequeño oasis tras la épica de los últimos 100 capítulos para que Oda de cancha suelta a su sentido del humor y deshorbitada imaginación. Pero lo sorprendente es que, ni aún siendo una saga mucho menos intensa que la anterior, baja el nivel de calidad.
Esta saga es, sencillamente y en el mejor sentido de la palabra, el caos. Tenemos a la banda protagonista separada en diversos grupos, a legiones de zombis esperpénticos por todos lados, a zombis con las personalidades de los protagonistas, a arañas-gigantes, a fantasmas, a un hombre-leon pervertido perseguido por una jabalí en celo ¿?, a un doctor franquenstein, a todo un shichibukai esperando para la batalla final, e incluso a un esqueleto bardo con afro. Todo ello de golpe. Thriller Bark no tiene una estructura tan lineal como Arabasta o Enies Lobby, los piratas se han metido de repente en un castillo de zombis y van corriendo de un lado para otro mientras intentan resolver el misterio y los zombis les persiguen.
Y Oda naturalmente va intercambiando hilos de narración dejandolo todo en lo más interesante y aprovechando al máximo las ventajas del formato bolletin (y consiguiendo sobrevivir siempre a sus peligros). Los primeros capitulos eran de presentación, pero estos ya son adrenalina en estado puro y el ritmo de la serie vuelve a ser increiblemente elevado.
Pero lo sorprendente es que, en toda esta locura, el autor nos regala pequeñas maravillas como la nueva aplicación de los poderes de Robin: alas de manos. Resulta sorprendente. Otros mangas de este estilo caen en las clásicas espirales de poder, pero One Piece, además de la comedia, se vale de las "akuma no mi" para que las luchas sean siempre equilibaradas e imprevisibles. Y ahora Robin muestra una habilidad que a nadie se le había ocurrido y que esta lejos del "lo mismo pero más fuerte" al que nos acostumbran mangas como Bleach o Naruto. Poco importa si es imposible volar con manos (recordemos que ya de por si lo de hacer aparecer manos de la nada no es algo muy plausible) si a cambio nos muestra una imagen tan extrañamente poética como Nico Robin emergiendo como un angel entre un mar de zombies.

el dinero no importa cuando hay guión

Little miss Sunshine

Esta es una película extraña, pues en su trailer se intuye que tendrá más comedia de la que realmente ofrece. Porque es una película amarga, sobre una familia de fracasados que practicamente se odían entre ellos y que recorren juntos más de mil kilómetros para llevar a la hija a un concurso de belleza que es evidente que no ganará. Y la familia esta compuesta por un padre fracasado, un abuelo drogadicto, un hijo que no habla, una niña feliz, un tio gay y suicida y una mujer que trata de sobrevivir entre todos ellos. Esta familia -y la ruinosa furgoneta en la que viajan- da lugar a muchas coñas, y a diálogos memorables, pero sobre todo a una crítica feroz a la sociedad actual y a la falta de valores de ella. No obstante, lo hermoso de esta película es que todas las desgracias que les ocurren, todo lo que les hace tocar fondo a cada uno de ellos, sirve también para unirlos en un hermoso final y hacer que todos se den cuenta de lo realmente importante. Como las películas de Capra, Little miss Sunshine parte de un punto de partida amargo y parece que camina hacia un desenlace triste para al final mostrar un pequeño rayo de esperanza.
El guión, como ya he dicho antes, es magnífico, con momentos muy duros, otros muy tiernos, otros graciosos y otros sencillamente profundos. Los actores estan muy bien. La fotografía es buena. La banda sonora adecuada. La dirección, tradicional y sobria como lo requiere el tipo de película.

Kimi ga nozomu Eien

No es fácil comentar este anime, pues pertenece a ese escaso número de series que trascienden de valer para entretener durante unas horas y que se hacen con un hueco en el corazón del espectador. Kimi ga nozomu Eien -de aquí en adelante Eien- es en su corazón un shojo, pero como todos los grandes animes creo que es erroneo etiquetarlo porque, independientemente de cual sea su punto de partida, a su final no se llega si no es con mucha maestría.

No comentare apenas nada de la serie a nivel técnico. Tiene una animación correcta y unos diseños normales, como decenas de animes de esta ambientación como "Love Hina". A nivel de cromatismo, planificación de angulos o demás aspectos técnicos no encontramos ninguna filigrana. Toda su fuerza reside en el guión -increible si tenemos en cuenta que parte de un juego hentai- y en la excelente dirección que dispone de un ritmo y una planificación de escenas excelentes. En este aspecto Eien parte de las premisas de la narrativa más clásica -lo cual supone una contradicción con un género tan visual como el anime-, lo importante es lo que cuentas, no como lo haces. Lo importante es Eien es la historia, el drama, la tragedia.
Se trata esta de una historia de triángulo amoroso, pero al contrario que en la mayoria de series de este tipo aquí no hay lugar para las risas o la amistad, apenas lo hay para el amor, lo único que sacan los tres protagonistas de esta relación es sufrir. Ahí es donde radica su calidad y al mismo tiempo su belleza. Eien es un anime muy duro en lo que a las acciones de los personajes se refiere, y eso mismo se transmite al espectador.
Comencemos por el principio, pues una de las grandes virtudes de la serie es precisamente la capacidad que tiene para sorprender a raiz de lo que parece y lo que finalmente es. Eien comienza como una serie cualquiera de coleguialas. Vemos a un chico -Takayuki- al que le gusta una chica -Mitsuki-, pero a su vez él le gusta a la mejor amiga de esta -Haruka-, al final comienza a salir con esta para no quedar mal con la chica que realmente le gusta. Este es el comienzo de cualquier anime "de bragas", pero en Eien hay varios elementos que lo diferencian de este insustancial género. Para comenzar, conforme pasa el tiempo comienzan a cambiar los sentimientos de Takayuki por su Haruka, pero al mismo tiempo nos damos cuenta de que Mitsuki también estaba enamorada de él (pero no podía hacer nada porque su mejor amiga le había dicho que le gustaba). Hasta aquí todo normal. Pero al final del segundo episodio Mitsuki retiene a Takayuki para hablar con él a pesar de que Haruka le estaba esperando, y sucede la tragedia porque entonces Haruka es atropellada por un coche y entra en coma.
Tres años después del accidente Haruka despierta del coma, Mitsuki y Takayuki estan saliendo juntos, pero este último accede a salir con Haruka ya que esta no recuerda nada de lo que ha pasado.
Es aquí donde empieza verdaderamente la serie. Una lucha entre tres personajes donde cada uno quiere a los otros dos pero se desprecia a si mismo.
En Eien no hay buenos ni malos, no hay tampoco moralina alguna o mensaje posible. Se trata simplemente de una historia de amor donde los tres protagonistas se hacen daño los unos a los otros.
Nos encontramos con un protagonista masculino que no puede evitar pensar que el accidente de Haruka fue por su culpa, porque él sabe muy bien que verdaderamente sentía algo por Mitsuki entonces, Takayuki fingira ser su novio para intentar ayudarla y librarse del sentimiento de culpa. No obstante, el verdadero fin de Takayuki es sufrir, es lo que verdaderamente quiere, pues es lo que piensa que merece. No sólo se siente culpable por el coma de Haruka, si no que esta propia sensación de culpa ha destrozado su relación con Mitsuki.
Mitsuki es otro personaje muy rico. Su sensación de culpa, de traición hacia su amiga es tan grande que apenas se atreve a verla, pero sus sentimientos son contradictorios pues en el fondo la odia. Hakura y su accidente destrozaron a Takayuki, de quien ella esta enamorada y quien todavía no se ha repuesto.
Y Hakura es el último gran puntal de la historia. Una joven que lo ha perdido todo y que poco a poco se da cuenta de que también ha destrozado la vida de todos aquellos que queria. Su historia es quizás la más triste, pero se queda fuera de la serie pues podríamos decir que su verdadero calvario comienza al final.
Estos tres personajes componen un triángulo amoroso del que sólo obtienen dolor, y que en cada episodio va a peor pues todos tratan al principio de encontrar una salida "agradable" que es imposible. Así, Takayuki practicamente margina a Mitsuki para centrarse en Haruka, pero esto no hace si no amargarle más. Mitsuki trata de recuperarle sabiendo que lo esta perdiendo, y Haruka comienza a darse cuenta poco a poco de lo que ha pasado. Y alrededor de ellos un interesante elenco de secundarios que nos sirven para ver con una perspectiva terriblemente sincera a los protagonistas: Akane, la hermana de Haruka, intenta reprimir sus sentimientos por Takayuki odiando a Mitsuki, pero al final explota pues odia a su hermana por destrozar al joven. El amigo de Takayuki, eternamente enamorado de Mitsuki, no puede evitar acostarse con ella cuando esta se ha convertido en una ruina humana que recurre al alcohol para liberarse de sus problemas, pero al mismo tiempo es el que hace salir a Takayuki de su trance y le hace ver que "por intentar ser bueno con todos, lo único que hace es hacerles daño".
Vemos pues, todo tipo de infidelidades y crisis provocadas por sufrimiento y que no hacen si no agravar la situación. Eien es antes que nada, una serie terriblemente intensa. Dura y amarga como el amor no correspondido que retrata. Una serie de personajes normales inmersos en una gran tragedia y retratados perfectamente.

La serie tiene defectos, por supuesto, alguna que otra concesión al género de los H-game de los que procede en forma de criadas y enfermeras y algún que otro chiste malo, y un engendró de OVAs secuela llamado "Akane Maniax" que es sencillamente infumable. Pero da igual, todo se perdona, pues hay muy pocos animes que sean capaces de provocar sensaciones tan intensas, reales y profundas como esta obra maestra llamada Kimi ga nozomu Eien.

¿Espartanos? ¡Bah, piltrafillas!

Claymore

En una Europa medieval, los Yoma son una especie de demonios que parasitan/devoran a los humanos. Contra ellos solo ofrece resistencia una organización secreta que se vale para derrotarlos de "claymores", mujeres que son medio humanas - medio Yoma.
Este es el argumento de una serie que ofrece mucha sangre, mucha violencia, muchos desmenbramientos y -por suerte- cero fanservice. Las protagonistas son mujeres, pero esto no es Berserk y no hay nada de sexo, y se agradece, y por no haber no hay ni humor. Claymore es un manga muy serio y muy triste.
El dibujo es bastante bueno y realista, aunque debido al propio diseño de las Claymores todas se parecen bastante (todas tienen el mismo color de pelo y de ojos), y las escenas de lucha estan bien retratadas con pocas viñetas. En este aspecto esta muy lejos del primer referente que se me ocurriría (Berserk), los combates no son tan detallados y el dibujo es mucho peor, pero en cierta manera es algo bueno pues no es tan agobiante y el ritmo es mucho más rápido y ágil.
La historia parte de una premisa bastante tópica, pero en los seis tomos que he leído ya se expande de una manera muy sugerente, mostrando tramas y conflictos entre los personajes bastante interesantes.
Claymore es un manga de luchas medievales con elementos fantásticos, pero ofrece unos personajes bastante atractivos y una buena técnica narrativa. No me parece que sea la mejor serie que haya leido nunca, eso es obvio, pero se lee bien y enganchá, y tiene cuerda para rato y es una de esas series que va a más.

go go! ichigo go!

Ichigo Mashimaro

Serie pequeña y agradable que podemos enmarcar dentro del "slice of live", el pequeño género de animes que va sencillamente sobre la vida, narrando las peripecias de unos personajes a los que verdaderamente no les sucede nada.
En este caso las protagonistas son cinco niñas de unos 8-10 años y la hermana mayor de una de ellas. La serie nos retrata como esas niñas van descubriendo el mundo, y el interés es ver esa pequeña evolución y despertar en el visor esa extraña sensación de melancolía al ver a unos personajes llenos de inocencia. La comedia tiene un peso importante en la historia y hace que la historia -que es practicamente inexistente- se siga con facilidad y con una pequeña sonrisa en la boca. Los personajes estan bien definidos y caracterizados, y las relaciones que se dan entre ellos también son naturales y lógicas.
La narración es pausada y bastante clásica. El diseño de personajes y escenarios bastante tradicional, aunque quizás se note demasiado que se han centrado en el diseño de las cuatro niñas para diferenciarlas del resto. A nivel de música se trata de un anime discreto, los temas no destacan y se recurre poco a ellos (aunque el opening es bastante bueno). El guión es bueno, con ternura y melancolía en todos los episodios, pero además con mucho humor a cargo de Miu o de las torponas Ana y Matsuri.
Ichigo Mashimaro no es una serie redonda. Le falta algo más de mala leche, un poco más de personalidad en los personajes para que estos fueran inolvidables y -por que no decirlo- duración (si la serie tuviera 12 episodios más y le hubieran dado un argumento sobre el que pivotara la serie entera, mejoraría bastante). En resumen, no es Azumanga Daioh, pero es sin duda alguna un excelente anime.

¿Es necesaria una tercera temporada?

Ha finalizado la segunda temporada de Prison Break. La impresión final es extraña. La serie mantiene la tensión tanto -o quizás más- como la primera temporada, los giros de guión se suceden a aún más velocidad, los personajes siguen siendo muy buenos... pero la serie esta fuera de lugar.

Prison Break, en sus orígenes, narraba como un hombre se metía en la cárcel para ayudar a su hermano a salir de ella, esta segunda parte se encuentra algo perdida a nivel de argumento al transcurrir fuera de la cárcel. La seríe seguía enganchando, pero le faltaba un hilo conductor que moviera toda la temporada. Todo pasa demasiado rápido, el ritmo es frenético y enlaza "minisagas" de como mucho 3 capítulos una detrás de otra, y esto tiene el efecto negativo de sobrecargar la serie y hacer que acabe siendo mareante.
La serie, repito, esta muy bien, tanto como la primera temporada, pero al final de la temporada se nota como si la historia estuviera algo sobreexplotada y como si la historia no diera más de sí. Es algo extraño y contradictorio, el final de la serie es tan intenso y se resuelven tantas cosas a tanta velocidad que el efecto es demasiado pesado para el espectador. En este aspecto muchos seguidores tenemos la sensación de que la serie se ha perdido, y de que quizás no debería haber pasado de la primera temporada.
Pero ahora todo queda preparado para una tercera temporada que se puede presuponer bestial teniendo en cuenta el final de esta segunda. La espera hasta octubre será muy larga.

Eyeshield 21 - Tomo 2

Segundo tomo de este shonnen de futbol americano. La serie tiene muy buena reputación y este segundo tomo no hace si no confirmar las excelentes impresiones que me causó el primer tomo.
El primer tomo era una introducción del grupo protagonista y del propio futbol americano. Este segundo es la consolidación y la evolución. En el primer tomo teníamos a un protagonista que comenzaba a descubrir el deporte y a disfrutar de él, y todo ello rodeado con multitud de elementos cómicos. En este segundo, no.
El rival del primer partido eran unos mindunguis que sólo servían para enmarcar un Touch Down de Sena y mostrarle a este la "gloria" del deporte. Era una historia muy optimista -nadie se metería a un deporte que solo le trajera malas sensaciones-. En este tomo no. Hay más drama. El siguiente equipo al que se enfrentan es mucho más fuerte y está llamado a ser el némesis de los "devil bats". Sigue habiendo muchas coñas porque esto es un comic juvenil, pero Sena comienza a ver que el deporte no es tan fácil, que es muy duro y que exige sacrificios, y eso mismo es lo que hace que lo que había sido un pasatiempo en el primer tomo comience a transformarse en una pasión.
La evolución del protagonista esta bastante bien hecha para lo que suelen ser los mangas deportivos -y además tiene un reflejo en uno de los enemigos-. El futbol americano se complica algo y se introducen más estrategias y posiciones, aunque no es demasiado pesado. Los personajes siguen siendo tan frescos como siempre, y los "rivales" son también muy carismáticos.
En definitiva, "Eyeshield 21" aún no me parece la gran serie que muchos dicen que es, pero va por muy buen camino.