Iba a comentar esta película con "The lovely bones"...

Pero creo que el juego cutre de palabras con "Jackson" no compensaría el insulto a la película de nuestro buen hobbit neozelandes. Así pues con bastante desgana, pero con originalidad destructiva, mi crítica de:
En una palabra diría que es una inmundicia. Con pocas más recalcaría su desprecio a la mitología griega, lo estúpido de su planteamiento, las trampas de su guión y lo surreal de su desarrollo, las cutres escenas de acción, lo precipitado de todos los acontecimientos, la ilógica de la historia y el villano, el aborrecible protagonista, la aún más aborrecible "tia buena" que le acompaña y que va de dura y fría, y el todavía aún más aborrecible amigo negro del protagonista.
No conozco los libros, y probablemente no esten mal, o al menos no tan mal como esta película que es un auténtico insulto a la inteligencia.
Una imagen de la cultura popular de internet ilustra a la perfección la cara que un espectador tiene mientras "disfruta" de este engendro-horror-abominación de atentado fílmico contra la humanidad.

Conociendo (ya bastante) a Terry Pratchett

20 son ya las novelas de Mundodisco que he leído con las tres que componen esta entrega. Es un universo muy dubitativo y creo que en muchas ocasiones Pratchett se empeña en hacer que funcionen ideas que -particularmente- no terminan de gustarme, pero es también innegable que el autor británico ha adquirido un gran control de su obra y estas tres novelas -junto con la anterior- nos muestran todas las posibilidades y la innegable madurez de ese mundo que vaga por el espacio a lomos de una tortuga gigante.

Mascarada

Nueva novela de las brujas, esta vez ambientada en el mundo de la ópera y parodiando todos los tópicos de este género. La novela presenta definitivamente a Agnes Nitt como la tercera del aquelarre de brujas de Lancre, aunque todo el protagonismo se lo llevan -como siempre- Yaya Ceravieja y una Tata Ogg que no hace si no crecer a cada libro que pasa.
La novela abandona Lancre para ubicarse en la ópera de Anhk-Morpork, e incorpora elementos característicos de esta ciudad como un pequeño cameo de Nobby y Detritus... pero no termina de ser redonda. La novela es una novela de "brujas" con todas las de la ley, eso significa que tiene una primera mitad sobervia pero que divaga demasiado al final con Yaya y su "cabezologia". La novela avanza con respecto a su predecesoras debido al peso que Tata gana en la trama y el como se ha ido convirtiendo a través de los años más en un contrapeso de Yaya que en su comparsa.

Pies de barro

Quizás, la mejor novela de Mundodisco que he leído hasta el momento. Las novelas de la Guardia siempre están por encima del resto, pero esta resulta inspirada hasta para lo habitual en las aventuras de Vimes y su tropa multiétnica.
El género detectivesco es el que mejor sienta a Pratchett y aquí vuelve a demostrarlo, con una historia de asesinatos, complots y policías en la que puede desarrollar subtramas como la heráldica, la lucha de clases, o la misma definición de la vida.
Impresiona como, a pesar de haber ampliado considerablemente la plantilla de la Guardia, el escritor consigue que todo se focalize en Vimes, Zanahoria, Nooby y Colon, y como sus cuatro historias funcionan individual y colectivamente y los desarrollan a los cuatro. Impresiona como crecen personajes como Anqua, el propio Patricio o el gran Detritus. Impresiona ver novedades como el agente Visita o el agente Culopequeño. E impresiona ver como Pratchett lo enlaza todo y consigue que unas partes muy grandes formen juntas una historia muy grande.
Es divertida como pocas, pero es también inteligente e intrigante, y es emotiva e incluso épica. Mundodisco es siempre una buena opción de lectura, pero cuando el Comandante Lord Samuel Vimes asume el control sencillamente se convierte en una lectura increible.

Papa Puerco

Igual que la Guardia me parece lo mejor de Mundodisco, la Muerte me ha parecido siempre una grandísima idea que Pratchett no ha terminado de conseguir que funcione. El el Pratchett de estas novelas un autor que intenta afrontar temas serios y las novelas de nuestro entrañable esqueleto de dos metros diez y guadaña siempre conllevan reflexiones sobre la vida, la muerte, la existencia y otros temas universales. Es algo común a la mayoría de las novelas de la serie, pero normalmente adquieren un caracter sutil y secundario.
En este caso la Muerte se viste de Papa Puerco en una idea que supongo que el escritor británico tendría después de ver "Pesadilla antes de Navidad". La Muerte como Papa Noel es impagable y compone decenas de escenas inevitablemente cómicas, pero también acarrea buenas reflexiones sobre la hipocresía de las fiestas navideñas y los buenos deseos que todos -sobre todo los grandes almacenes- enarbolamos en esas fechas.
La Muerte es un personaje que inevitablemente roba todas las escenas en las que participa, pero su rol es casi secundario en este libro y son Susan y los magos de la Universidad Invisible los que tienen que solventar los problemas. Sus partes no resultan tan inspiradas como las su huesudo compañero de páginas y reflejan lo que esta novela es: una buena idea con momentos brillantes, pero una novela también que no termina de funcionar completamente.

Icarian

Nyxquest: kindred spirits

Para mi segundo análisis de esa pequeña gran plataforma de videojuegos que es Wiiware he elegido esta obra de unos pocos madrileños. Un juego evidentemente modesto, pero que demuestra que con talento y buen hacer se pueden superar muchas limitaciones.
Nyxquest tiene bastantes similitudes con "Lost Winds", es un plataformas tranquilo donde el puntero de Wii nos proporciona ciertas habilidades especiales que nos permiten superar los puzles que los escenarios son. No obstante, me parece un juego notablemente superior a la primera aventura de Toki.
"Nyxquest" es un plataformas 2D de la vieja escuela. Con nuestra protagonista hemos de ir avanzando por un camino normalmente bastante predefinido, esquivando el mortal suelo y los enemigos que nos asaltaran. Nyx dispone de alas y podemos realizar cinco saltos, así como planear. Estas habilidades de vuelo y un "sprint" serán todas nuestras armas hasta que Zeus y otros dioses nos regalen alguna que otra habilidad que controlaremos con el puntero del Wiimote.
El juego comienza "fácil". Con unas primeras fases relativamente sencillas donde apenas hay que esquivar unos pocos enemigos y donde todo se reduce a avanzar solventando algún pequeño puzle que normalmente se basa en detener o mover algún objeto mediante las habilidades telequinéticas la protagonista. Pero después aprenderemos a manejar vientos, fuegos y rayos; los escenarios comenzaran a derrumbarse conforme avancemos, los enemigos se multiplicaran, habremos de escondernos de enemigos invencibles e incluso caeran sobre nosotros lluvias de meteoritos. La curva de dificultad del juego esta muy bien medida y me parece terriblemente admirable como han conseguido sacarle juego a las relativamente pocas habilidades de la protagonista. El diseño del juego es impecable y la dificultad aumenta sin que nos demos cuenta debido a lo bien pensados que están los niveles. Sólo los checkpoints evitan que los últimos niveles nos recuerden aquella endiablada dificultad de los juegos de los 80.
Tecnicamente nos encontramos con un control correcto pero sin alardes y un aspecto visual de quitarse el sombre. Resulta sorprendente como con las limitaciones de Wiiware han conseguido un juego tan resultón. Los diseños son simples, pero la gama de colores y estilo artístico heredados y adaptados del arte griego le sientan a la perfección y lo hacen muy agradable a la perfección. Es un juego simple, pero muy atractivo.
Como es habítual en Wiiware, es un juego corto. Pero las 5 horas y media que me ha costado terminar la aventura y las otras 3 o 4 que se me han ido en entontrar todas las reliquias sagradas (algunas de ellas bastante complejas) y completar la fase que estas desbloquean, se me han hecho muy entretenidas. Particularmente me parece que vale los 10€ que cuesta, aunque aquí tambien tengo que decir que me ha salido gratis a efectos prácticos gracias a los "Embajadores de conexiones".
Un pequeño juego que no inventa nada, pero que respeta al jugador con una variedad y un trabajo de diseño notables. Muy recomendable. "Over the Top" es un estudio a seguir.

De vuelta a nuestro entrañable quirófano

Trauma center: new blood

Second opinion fue uno de los primeros juegos que disfruté en mi Wii y esta es una secuela que, si bien cambia protagonistas y escenario, podemos considerar claramente continuista. La saga nació en DS y, aunque considero que estan bien adaptados, no dejo de creer que su mecánica de juego es más natural con el stylus que con el wiimote; creo que no sera hasta la tercera entrega (este más que apetecible Trauma Team) cuando veamos todo el potencial de esta franquicia en Wii.
En esta entrega volvemos a colocarnos en la piel de un cirujano para realizar un buen número de operaciones y enfrentarnos después a un peligroso patógeno que en esta ocasión recibe el nombre de Estigma. En esta ocasion podemos elegir entre dos médicos, cada uno de ellos equipado con un "toque curativo" distinto, y también podemos realizar operaciones en cooperativo y ver nuestra clasificación como cirujanos en un ranking mundial. Son estas las principales novedades de un videojuego que ofrece más de lo mismo de lo que ofreció su predecesor. Las herramientras de las que nos valemos no han cambiado más allá de la posibilidad de movernos por un escenario más grande que el inicialmente delimitado por la pantalla. Las operaciones no obstante abarcan un abanico más amplio que el de su predecesor, y además pasada la mitad del juego seguimos encontrando operaciones "normales" y no todo se basa en acabar con bichitos que se mueve muy rápido. Jugablemente, este juego pule todos los defectos del original, aunque naturalmente tambien carece de la capacidad de sorpresa de aquel.
El número de operaciones es bastante elevado, y disponemos de misiones extras que nos haran enfrentarnos de nuevo a GUILT. Además, el modo de operar de cada doctor tiene matices que hacen más rejugable el juego. El ranking mundial, el cooperativo y tres niveles de dificultad bastante ajugstados y exigentes le dan a este juego una vida bastante más larga de lo que podría pensarse en un principio. Es, no olvidemos, un juego de puzles. La historia es un mero recurso para enlazar una secuencia con otra y esta evidentemente cargada de tópoicos y todo tipo de surreales situaciones que nos llevaran desde Alaska a ser médicos de guerra, pasando por un inconcebible programa de televisión en el que cirujanos se baten en duelo (¿?).
Tecnicamente presenta un aspecto "manga" un pelín más estilizado y serio que el del original con unos colores más apagados, pero sigue huyendo de un realismo que no haría si no convertir el juego en algo bastante asqueroso y morboso. A pesar de que el juego transcurre normalmente dentro del cuerpo del paciente, sigue siendo un juego agradable de ver. Unicamente le echaría en cara que el control podría ser mejorable, y asombrosamente criticaré aquí el nunchaku que hace que ocasionalmente no seleccione la herramienta que quiero. El Wiimote funciona a la perfección, aunque se exige una precisión bastante grande y algo tan simple como el pulso o los nervios pueden hacernos errar (aunque eso verdaderamente también podría ser considerado una virtud desde cierta óptica).
El juego es más de lo mismo, un "trauma center" con su dificultad habitual y sus adictivos puzles en forma de operaciones. Me sigue pareciendo que este juego funciona mejor en DS, pero es un buen y entretenido juego que creo que disfrutaran todos aquellos a los que gustó la primera entrega.

Canción de logias y espíritus: Nuestra es la furia

One Piece 575 - "Furia silenciosa"

El 574 fué el capítulo más emotivo de la historia de este manga, dice mucho de Oda que este capítulo sea completamente distinto pero que a la vez encaje como un guante con el anterior. Las palabras son viento. En este capítulo Oda demuestra que es algo más que un grandísimo dibujante y otro grandísimo guionista, demuestra que es ante todo un grandísimo contador de historias. Las palabras son viento. El guión no es otra cosa que el plasmar en palabras los pensamientos de cada personaje para así hacer comprender al lector o espectador sus motivaciones y sus razonamientos. El guión es es la base que sostiene las acciones, pero a veces no es necesario, a veces las acciones de cada personaje hablan por si mismas. Este episodio es una excelente muestra de ello.

La muerte de Ace hacía preveer varias cosas. La primera era que, como en cualquier hijo mediocre de Dragon Ball, la muerte de un personaje importante desembocara en un nuevo nivel de super-saiyan. No ha sido así, Luffy sencillamente ha sido derrotado por completo. Todos sus sacrificios y esfuerzos han sido en vano. Aokiji, Kizaru y Akainu le han infligido cada uno de ellos una derrota, a cada cual más dolorosa. Luffy puede ser poderoso, pero esta muy lejos de la cima en la que tanto él como Ace se han encontrado fatidicamente. Aún siendo factible y comprensible un puñetado lleno de haki a un almirante, Oda no ha querido forzar tanto el guión. Resulta increible que, en un manga donde las habilidades de las frutas del demonio distorsionan la escala de poderes Oda respete estas. Pero Luffy ha sido completamente derrotado y con él todos los piratas que no pueden dejar de llorar aunque sepan que la única sonrisa de victoria que se ha mostrado entre tanta sangre ha sido la de Ace al morir. Pero esta es la historia que Oda nos esta contando.

El estil gráfico de Oda sigue sorprendiendome a cada capítulo del manga. El sufrimiento extremo, el shock de Luffy es impresionante, pero incluso pequeñas escenas como las lágrimas de Jimbei demuestran un dominio de la perspectiva increibles. Pero de las lágrimas de Jimbei pasamos al magma de Akainu y su movimiento "líquido" que no puedo evitar que me recuerde incluso al mítico T1000 de Terminator 2. Y con el ataque de Akainu pasamos de "la muerte de Ace" a "las consecuencias de la muerte de Ace". Y esto significa que ha llegado el tiempo de EL HOMBRE, EL SEÑOR, EL CAPITAN, EL EMPERADOR Y EL REY. Luffy es un guijarro que, arrojado a la corriente de la historia, crea ondas de mayor o menor tamaño. Es el protagonista pero de momento no es más que uno más en camino de ser alguién más. Barbablanca no es un guijarro, es una presa que controla el cauce del rio.

Suya es la furia y suyos son los hechos, Barbablanca no necesita palabras y su mirada al cadáver sonriente de Ace dice más que cualquier grito genérico de un shonnen. Implacable como el más terrible ejecutor, ni siquiera el "arañazo" de Akainu le detiene. Se bromeaba mucho sobre Edward D Newgate y su fama de hombre más fuerte del mundo, en este capítulo Oda lo ha demostrado y además lo ha hecho coincidir con algo que todos esperabamos: ver a un almirante sangrante. Akainu no me cae mal, de hecho me gusta -me prece un grandísimo villano-, y por eso mismo me ha encanado su derrota e incluso su resistencia. En dos páginas Oda nos ha brindado tres grandísimos puñetazos que harían tambalearse al mundo. Lo bueno si es breve dos veces bueno. Este combate de titantes, por su intensidad, emotividad, fuerza y brevedad es uno de los mejores enfrentamientos que recuerdo en un shonnen.

Y este combate marca también el principio del fin. La isla ha quedado dividida en una majestuosa exhibición de fuerza y sentimiento de Barbablanca y de dibujo de Oda. Parece claro que los piratas están a un lado y los marines a otros, y un Barbablanca esta con los marines. "Kamikaze" significa "viento divino", parece un termino que se quedará corto en comparación con lo que plantea EL HOMBRE pues es más un hurracán que un viento, y desde luego es bastante más que un simpl Dios. Los piratas parecen batirse en retirada, queriendo salvar a Luffy como semilla del propio Ace mientras Barbablanca se prepara para que el fin de su era allane la siguiente. Se plantean varias incógnitas: ¿donde esta Boa? ¿que hará Cocodrile antes del fin de Barbablanca? ¿dejaran Aokiji y Kizaru que Luffy y el resto huyan? ¿veremos alguna sorpresa por parte de Buggy? Hay muchas incognitas, pero después del bombazo que fue la muerte de Ace Oda explota los cimientos con la llegada de Teach.

Siempre he mostrado mi adoración por Marshall D Teach, una versión bastarda de Luffy que comparte sus ideales pero cuyas ambiciones son mucho más retorcidas. Teach no deja de ser un hijo de Barbablanca. Es un personaje tan oscuro que es luminoso, y ese diálogo que ha duró casí trescientos capítulos y que empezó en Jaya y terminó en Impel Down me parece uno de los momentos más lúcidos de la serie. No obstante, nunca vi a Barbanegra como el "final boss" de la serie. One Piece ha sido siempre una serie distinta y siempre he creido que el último enemigo a batir no sería otro que Shanks, y que Teach sería el enemigo final de Ace... algo que evidentemente es ya bastante improvable. Pero en este capítulo Teach ha dado un puñetazo sobre la mesa y ha presentado a una tripulación casi el doble de extensa, personajes extraños, bizarros y simbólicamente grandes que parecen predestinados a un enfrentamiento decisivo con los sombrero de paja. Sin embargo no quiero pensar en lo que pasará dentro de 600 capítulos, pues seguramente de aquí a que alcancemos ese punto habremos visto más giros de guión y se nos habrán presentado decenas de grandes personajes, quiero pensar en lo que pasará en los siguientes capítulos. Que Sengoku acepte de buenas que Barbanegra haya desaparecido durante toda la batalla y que regrese con lo que parecen presos legendarios de Impel Donw no parece factible, y Barbanegra puede ser impulsivo pero no es estúpido y lo sabe perfectamente. Barbanegra aspira a lo más alto. Pero que ahora él y su tripulación pretendan acabar con toda la Marina me parece parece demaiado ambicioso incluso para él, pues por muy poderosos que sean sus acompañantes enfrente no tendría a otros que a Sengoku, Garp, Akainu, Kizaru, Aokiji, DonFlamingo, Kuma, Mihawk, Moria, Boa, Sentoumaru, un buen número de pacifistas y otro buen numero de vicealmirantes y marines como Smoker. Y por encima de todo tiene enfrente a un Barbablanca que parece decidido a morir libre y riendo, y eso es muy peligroso.

Gran capítulo que no hace si no confirmar que nos encontramos, seguramente, ante la mejor saga de la serie.

¡Prohibido redactar reseñas embarazosas!

Aria: the animation

Hace ya un año que reseñé el manga de "Aqua", y en breve tengo previsto reseñar el manga propiamente dicho de "Aria". Es un buen momento para contemplar de otra forma Neo-Venecia y ver animadas a Akari, Aika, Alice y el resto de los particulares personajes que pueblan el romántico futuro soñado por Kozue Amano.
Esta primera temporada de Aria no puedo juzgarla con independencia del manga original, pues para bien o para mal intenta plasmar la obra original con todas las consecuencias que ello conlleva. Esta historia de Ondinas es un "slice of life" pasivo incluso para lo habítual del género; el manga ya era una oda a la tranquilidad, una suceción de paisajes de ensueño que invitaban a la simple contemplación, una narración del día a día de un grupo de chicas que son capaces de encontrar magia y belleza en todos los pequeños actos de su vida. La serie animada intenta conseguir el mismo efecto. Akari y sus amigas nos presentan los preciosos paisajes de esa Venecia futurista en la que viven y tratan de alegrarnos el día y transmitirnos un mensaje optimista mientras vemos como se suceden los días de su vida y como transforman lo que en priori son anodinos momentos en preciosos recuerdos. No veremos en esta serie a Akari, Alice y Aika compitiendo en apasionantes carreras a través de los callejones de la ciudad, tampoco veremos a Akira cayéndose de culo y enseñando las bragas, Athena no desactivará bombas nucleares y Alicia no sorteará en su góndola terribles maremotos. Sencillamente veremos a unas amigas vivir.
Como adaptación, veo más virtudes que defectos. Heredamos los defectos de la obra original, como para mi gusto es la presencia excesiva de los gatos, que nunca me han hecho demasiado gracia (aunque cierto es que no llegamos a ver al gran gato negro). Algunos episodios funcionan mejor que otros, pero creo que la selección de episodios que han seleccionado es bastante buena. Basicamente cada episodio parece servir para presentar a un personaje nuevo, y lo considero un acierto pues Akari, Aika y Alicia no tienen fuerza suficiente para sostener ellas solas una docena de episodios. Athena y Akira aportan una variedad y un humor muy saludables a la serie, y además la selección de episodios propicia que personajes como Akatsuki o Woody también sean presentados colateralmente. El único problema que tiene la serie en este aspecto radica en los episodios originales, donde los guionistas inventan unas tramas que si bien no desentonan con el espíritu original de la serie no alcanzan el nivel de los originales, y luego además acaban degenerando en algo muy raro.
Visualmente la serie pierde, pero creo que es algo inevitable, la pluma de Amano dibuja unos paisajes preciosos y cargados de miles de detalles que el anime no es capaz de plasmar con el mismo nivel. Ganamos en movimiento, y ganamnos en una banda sonora tranquila y bonita que encaja a la perfección con las imágenes que vemos. El casting del doblaje sorprende un poco al principio, pero pronto uno se acostumbra a él y encuentra unas voces y unas interpretaciones muy fieles a la obra original.
Una serie recomendable que recoge el estilo y el espíritu de la obra original. Un anime tranquilo para ver pausadamente y disfrutar de su calidez.

Lo que nos impide caer

Para este momento mítico he elegido una escena puntual. En un manga compuesto por decenas de miles de viñetas, hay una que siempre me ha parecido que destaca por encima de todas ellas.

MOMENTOS MÍTICOS - 2 - La mano de Kamogawa

Este es para mi, el momento en el que "Hajime no Ippo" pasa de ser una serie muy grande a algo más, es el momento en el que el más o menos realista planteamiento de la serie se toma un pequeño descanso para que el simbolismo y el lirismo le proporcionen una pequeña pincelada de magia. Cuando uno lee por primera vez ese grandísimo combate de boxeo que es la Batalla de los Halcones pasa una página detrás de otra con una gran velocidad para ver cual será el desenlace de tan emocionantes capítulos, pero llegada esta página el combate se olvida y el lector echa la cabeza hacia atrás y sencillamente deja de leer unos instantes, esta página tiene demasiada magia como para que sea imposible no recrearse en ella durante varios segundos. Instantes después veremos una escena similar con todos los compañeros del gimnasio, y el combate contra Eagle tiene un final genial, e Ippo nos ha dejado algunos grandes momentos a lo largo de la serie, pero este es sin duda, al menos para mi es, el momento más mágico de la serie.
Hajime no Ippo es una serie deportiva, pero no cae en las fantasmadas habituales del género y compone un retrato serio de la dura vida de un grupo de boxeadores. Es una serie muy honrada y digna, quizás anacrónicamente simple en estos tiempos que corren ya. Casi novecientos capítulos la contemplan ya y el dibujo de Morikawa ha evolucionado mucho a lo largo de los más de veinte años que lleva publicándose, pero en su corazón esta sigue siendo una serie ochentera. Es una historia de compañerismo y afán de superación. Una historia plagada de humor y con ligeros toques de románticismo, pero es ante todo una serie de hombres que aman boxear. El boxeo constituye una parte muy importante del propio George Morikawa y ese amor por el deporte lo transmite a su obra y sus personajes.
Los combates de boxeo son donde esta serie muestra todo su potencial. Los hay mejores y los hay peores, y los hay simplemente mágicos. Los enfrentamientos de Ippo contra Sendo son sobervios. "Venganza" es un combate para el recuerdo y erige a Eiji Date como quizás el más puro boxeador de la serie. Y tanto en su enfrentamiento contra Ippo como en la carnicería que protagoniza con Mashiba, los combates de Sawamura son un disfrute absoluto. Pero si tengo que quedarme con unos combates en esta serie... me quedo con los de Takamura. El gran hombretón es el reflejo que todos quieren imitar, pero si su fuerza natural lo convierte en un gigante es su entrenamiento el que le da pies de acero. Socarrón y prepotente, histriónico y aparentemente bromista, Takamura es el personaje que más ama el boxeo de toda la serie. Para él el boxeo lo es todo. Y durante toda la serie le vemos como una figura indestructible y lejana, pero cuando llega su gran momento Morikawa acerca la lupa hasta él y conocemos sus dudas y sus temores, sus sueños y sus aspiraciones, su familia carnal y su verdadera familia, su desgracia y su felicidad.
La "Batalla de los Halcones" es quizás uno de los mejores momentos que he leído en un manga. El ritmo es altísimo, con cambios en el sentido de la batalla frecuentemente. El grafismo de Morikawa es sublime ya aquí. Brian Hawk constituye un gran villano. El lector se siente uno más en la historia, pues nunca un combate en esta serie había tenido más espectadores y habían estado estos más involucrados sentimientalmente en él. Es un combate plagado de grandísimos momentos, y Takamura era un personaje que había sido divertido hasta entonces pero es aquí cuando crece de verdad como personaje. Es un combate en el que vemos a un Dios bajar de su pedestal, ensuciarse, sangrar... sufrir, para subir después mucho más alto.
Pero en ese gran espectaculo que es esta batalla me quedo con esta escena. La escena en la que Takamura se da cuenta de que no puede caer porque hay demasiados que le sostienen. Y el primero de todos ellos es Kamogawa, el entrenador que le ha hecho sufrir en vida más que nadie, el hombre que le ha enseñado a boxear y que hará después que pueda vencer a Eagle casi ciego e inconsciente, el hombre que le conoce mejor que nadie, el hombre que le salvo la vida. El verdadero hogar de Takamura es el ring, su verdadera familia son sus compañeros, y su verdadero padre es Kamogawa. No puedo evitar sentir algo de pena en esta relación, pues Takamura es tan monstruosamente fuerte que el viejo entrenador no se siente verdaderamente responsable de sus triunfos, y es una pena porque Takamura le debe a él todos sus títulos e incluso una victoria muchos más importante: sentirse alguién.

El próximo momento mítico me llevara de retorno al hogar de los marcianitos verdes con antenas: Namek.

La libertad de las seis bobinas

Hacía mucho tiempo que no iba tanto al cine, pero en estos tres primeros meses del 2010 se estrenando cada semana al menos una película que me ha llamado poderosamente la atención. Mis gustos son relativamente variados y abarcan multitud de géneros, y prueba de ello son las tres películas que abarcará esta entrada. Tres películas que me han producido sensaciones distintas y para las que el único nexo de unión es que, contradiciendo el título de esta entrada, ninguna necesita más de cinco bobinas.

The road

La novela original no me gustó. La idea del mundo desolado y el padre y el hijo avanzando con el carrito de la compra era genial, pero el estilo de McCarthy se me hizo demasiado duro. Esta novela adapta fielmente la historia, pero la plasma en base a un lenguaje visual que siempre resultara más accesible.
Es dura y es intensa, tiene algunas escenas realmente conseguidas y tecnicamente es una gozada. Las interpretaciones de los actores son buenas y el guión adapta fiel y respetuosamente mente la novela original. El ritmo de la película no esta demasiado conseguido, aunque esto es más una herencia de la novela pues ya en esta las secuencias que podíamos considerar como más "climáticas" se encontraban casi al principio de la novela. Ya el libro me dio la sensación de haber leído una fotografía, una imagen desgarradora estirada un poco hacia delante y hacía atrás con mayor o menor acierto.
Una buena y sugerente película, pero también un puñetazo a nuestro lado más feliz e idealista.

Tiana y el sapo

Esperaba con ansias el regreso de Disney a la animación tradicional, pero no puedo calificar esta película de otra forma que de "muy decepcionante". Demasiadas canciones, demasiada ñoñeria y demasiados animales parlantes. La película tiene un par de buenos momentos, y en su principio amaga con ser una película digna de la etiqueta "clásicos" de esta compañía, pero todo desaparece tan pronto como Tiana se convierte en rana. A partir de ahí la película pierde mucho y se pierde en los peores tópicos del cine Disney con una historia predecible, insulsa y demasiado infantil. No es espectacular visualmente, no sorprende y las canciones son además bastante mal.
Lejos está esta película de la grandeza de las películas de Quasimodo, Aladdin, Bestia, Tarzan o Simba.

El hombre-lobo

Esperaba que esta película fuera a los licántropos lo que el "Drácula" de Coppola pretendió ser a los vampiros. Afortunadamente me he equivocado, esta película no es otra cosa que un terriblemente entretenido cruce entre la estética de Sleepy Hollow y la serie B más desenfadada de la Hammer de los 50. Este "hombre-lobo" es una película con un ritmo brutal, es corta y se hace aún más corta. La película sabe en todo momento lo que es y en ningún momento se entretiene demasiado en presentaciones o explicaciones, narra lo mínimo y deja que Benicio del Toro sin afeitar se apodere de la pantalla y salte de un lado a otro mientras arranca brazos, piernas, vísceras y cabezas. Directa y salvaje, no se corta a la hora de mostrar carnicerías aunque la cámara tampoco se mueva y permanezca cercana para ahorrarse complicaciones. Desde el principio nos enseña lo que queremos ver: licántropos. Las escenas de acción son relativamente pocas, pero son largas y cada una de ellas es una exhibición de divertido salvajismo por parte de los hombres-lobo. Los hombres-lobo son más hombres que lobo, caminan ocasionalmente a cuatro patas pero la mayor parte del tiempo vemos a un hombre hiperdesarrollado en los aspectos más básicos y primitivos, pues esa es la idea que transmite la película.
La película nos presenta una Inglaterra oscura, barroca y sumida en una perpetua niebla, el clásico escenario de un relato de terror y suspense victoriano. La cámara se mueve mucho y es algo confusa en las escenas de acción, pero se recrea en los paisajes y además la interiorización de la "bestia" creo que está bastante conseguida. Los personajes son bastante simples, pero funcionan a la perfección y es una gozada ver a Hugo Weaving, Benicio del Toro y Anthony Hopkings en unos papeles que obviamente les diviertes.
No es esta una película que pretenda inventar nada, pero es una más que amena revisión de este clásico del cine de terror.

Ace ha muerto.

Las gloriosas variantes y tendencias del buen Power-Metal.

Esta reseña estaba planificada en mi anárquica cabeza para Septiembre del año pasado, y pensaba entonces analizar conjuntamente los discos de ese pequeño conjunto de grupos que son las segundas espadas del power-metal, pero el disco de "Freedom Call" se ha retrasado hasta este Febrero y eso ha ocasionado que estos a la reseña de los discos de estos grupos "menores" se sumen las de los grandes nombres de este género. Así pues, después de bastantes meses de ausencia, el heavy vuelve a mi blog.

Axxis - Utopia

El disco con el que Axxis celebró sus 20 años me parece correcto, pero poco más. El disco sigue la tónica del gran "Doom of destiny" pero no lo encuentro tan inspirado como este. Lakonia esta ausente tras los problemas que tuvo con el grupo durante la gira del último disco, y echo en falta una mayor presencia de voz femenina en este disco. El disco tiene algunas rarezas como una canción en aleman y algunos otros temas que se alejan del power melódico tan característico de esta banda. "Last man on earth" y "Underworld" me parecen lo mejor del disco, dos auténticos trallazos de velocidad y melodía, pero aún así son dos temás que podríamos calificiar "de libro" en los que la banda no arriesga nada. Es un disco correcto, y se escucha con facilidad, pero al oirlo tengo la sensación de que en la mitad de los temas arriesga demasiado y en la otra mitad arriesga demasiado poco.

Sonata Arctica - The days of grays

Sonata Arctica es un grupo curioso y valiente. En su primer disco demostraron ser unos dignos herederos de Stratovarius y nos regalaron temás antológicos. Pero la banda no ha querido estancarse en el doble bombo y los frenéticos riffs de aquellos primeros trabajos. Evolucionaron potenciando elementos sinfónicos y melódicos, y ya han tomado definitivamente ese rumbo desarrollado algo que podríamos llamar metal sinfónico. Es un trabajo complicado, el nivel de producción es excelente y tanto a nivel instrumental como vocal es magnífico. Pero es un disco lento y melódico, con algo de velocidad en momentos puntuales pero sobre todo con unas melodías muy marcadas y desarrolladas. "The truth is out there" es uno de mis temas favoritos del año, pero a él se suman temas tan preciosos como "Juliet" o "In the dark". Un disco complicado y desde luego muy alejado de lo que se conoce como "power-metal", pero uno de mis discos favoritos del 2009.

Kiss - Sonic Boom

No soy un gran fan del chico estelar, el gato, el demonio y el astronauta, pero este disco me ha sorprendido muy gratamente. Buen Glam-metal o hard-rock de la vieja escuela. El extraño juego de alternar voces tan peculiar de la banda da un resultado excelente, y a eso se suma una gran bajo, una sobria batería y unas más que funcionales guitarras. La composición de los temas es magnífica, socarrones y paródicos en las letras, pero sobre todo con un ritmo alto, unos riff pegadizos e inspirados y un tono hínmico y alegre. Kiss siempre han sido muy experimentales, pero tras más de diez años sin sacar un estudio de disco aquí sencillamente nos presentan un buen y sólido disco del más clásico y efectivo rock americano de los ochenta. Es un disco divertido y fácil de escuchar, y "All for the glory" me parece un temazo que ejemplifica lo mejor de esta carismática banda.
Esta banda constituye mucho en la historia del rock y este disco no sólo no desmerece su nombre, si no que además de presentar una docena de buenos temas trae como regalo un cd con los grandes clásicos de la banda, todo un regalo.

Gammaray - To the metal

Es extraño escuchar un dios del padre, señor y dios del power-metal y encontrar que este es precisamente lo peor del disco. Kai Hansen no esta a su nivel compositor y es el resto de la banda la que levanta este disco. Es un disco extraño, muy variado pero no siempre inspirado a ese mismo nivel. Así, hay temas como "Rise" o "Time to Live" que muestran todo el poder y el buen hacer de la banda, pero otros que resultan extraños o demasiado funcionales, y me resulta incluso como se ha desperdiciado la gran voz de Kiske en un tema tan simple como "All you need to know". Es un disco irregular, con momentos muy inspirados con otros bastante anodinos; y no deja de ser curioso que sean los temas compuestos por Hansen los más flojos del disco. Hansen, no obstante, si muestra un gran nivel vocal, mostrando más que nunca su adoración por Judas Priest y Rob Halford.

Rage - Strings to a web

Rage no engaña. Este veterano trio aleman (con esa grandiosa excepción rusa a celebrar en forma de Viktor) ha demostrado ya mucho en el heavy, y es un placer ver como disco tras disco continuan fieles a su estilo y su música, pero siempre encontrando matices distintos. Peavy muestra cada vez una mayor profundidad de registros vocales, la batería es contundente y poderosa y la guitarra simplemente se marca algunos riffs grandiosos, pero lo mejor es que tras más de 20 años siguen mostrando una gran inspiración en la composición.
El disco suena 100% Rage, con su heavy contundente y poderoso, pero no exento de unas elaboradas y cuidadas melodias. Es un power-metal sobrio, alejado de la velocidad y el doble bombo que imperan hoy en día, pero también de la felicidad de los herederos de Kai Hansen. Este disco esta repleto de ese sonido tan característico y confiable de la banda y además nos regala una joya como "Empty hollow", cinco canciones unidas en una única composición de 15 minutos en la que se alternan diversos estilos músicales y que muestra la ambición, madurez y calidad del grupo.

Freedom Call - Legend of the shadowking

En sus últimos trabajos estos alemanes herederos del power-metal más alegre y épico me habían decepcionado, pero en este último disco me ha parecido que han estado bastante inspirados. El sónido de Freedom Call es muy característico y es una banda que no innova demasiado, lo cual siempre hace que su sonido no sea muy fresco y que sus discos siempre estén a la sombra de sus trabajos anteriores. No es este el mejor trabajo de Freedom Call, pero si es un trabajo que para nada desmerece su discografía y que recoge los elementos más característicos de su música.
Canciones como "Remenber" o "Tears of Babylon" muestran esos coros hínmicos y alegres y esas melodías complementadas por piano que tan buen resultado han dado siempre a la banda. El número de temas es elevado, 14, y creo que el disco estaba bastante alargado pues se nos presentan algunos temas curiosos y casi impropios de la banda, así como otros que son muy "Freedom Call" pero que estan notablemente menos inspirados que otros del mismo estilo y que hacen que el conjunto del disco se haga algo repetitivo. Un buen disco, pero no uno especialmente sorprendente.

Helloween

No comentaré nada de este disco. El trailer del disco hacía intuir un horror que el video de Dr.Stein solo confirmó. Helloween es uno de mis grupos favoritos, y pueden ser muy gamberros y paródicos, pero no gastaré más palabras en ellos ahora. Me niego a escuchar este disco y ser testigo de como asesinan sus clásicos.



La próxima reseña heavy seguramente se irá a Abril, y será inevitablemente épica, con Rhapsody (of fire), Manowar y Avantasia.

Johnny, Johnny...

Higashi no Eden

Serie rara, muy rara. "Higashi no Eden" es un extraño producto, un hijo huérfano de nuestros días. Es una serie que se sale de lo normal, y eso siempre es de agradecer... si se sale para algún lado en concreto, el problema es que esta serie no sabe ni de donde sale ni a donde va. Es una serie cuyo surreal argumento exige bastante participación del espectador, y aprovecha esa confianza inicial del espectador para luego desarrollar la trama y los propios argumentos aún más surrealmente.
La serie nos presenta un Japon futurista, evolución de este mundo en el que vivimos y sumido en una crisis tanto económica como de valores. Y ahí un millonario da a una docena de personas unos teléfonos cuasi mágicos para que solucionen el pais. El punto de partida guarda similitudes con algunas series que ya hemos visto y que critican la deshumanizada sociedad del siglo XXI, y es sugerente y ofrece un gran abaníco de posibilidades. El problema es que la serie no se decide a ser una serie de pura crítica, si no que navega a medio camino de la comedia -incluyendo aquí también una trama romántica- y una especie de homenaje a los frikis y otakus que la serie sabe que son su público potencial. Es una serie rara, que no sabe si ser seria o ligera, que se queda a medio camino de un destino que ni siquiera conoce. Prueba de ello es el capítulo que ha motivado el título de esta entrada, porque el uso de la palabra "Johnny" es lo más surrealista y rebuscado que he visto desde el "me toco el cu..." de los Simpsons de sus buenos años.
Tecnicamente es una serie con un gran nivel a la que sólo reprocharía un uso quizás excesivo de las insert songs. Es una serie deudora del estilo "Hachimitsu", tanto en el diseño de personajes como en la animación de estos y en las deformaciones que sufren con fines cómicos. La serie muestra alguna que otra escena en la que es obvio que se han gastado bastante dinero, pero si bien es una serie resultona no es una serie que impacte visualmente.
Es una serie que ha tenido bastante buena prensa en internet, y es cierto que es una serie con potencial... pero me parece que este está bastante desaprovechado. Una serie con potencial que, no obstante, se queda muy lejos de ser una imprescindible.

Pues lo cierto es que cada vez Akainu me gusta más

One Piece 573 - El nombre de esta era es "Barbablanca"

Los piratas han conseguido rescatar a Ace, y Barbablanca esta dispuesto a garantizar su supervivencia a costa de su propia vida. EL HOMBRE ha hablado y nadie discute a EL HOMBRE cuando habla, desde un dolido Marco a un impotente Luffy todos atacan sus órdenes. Las primera mitad de este capítulo muestra el verdadero poder de EL HOMBRE, la segunda seguramente suponga la mecha que le hará explotar.
La primera parte de este capítulo es una pequeña joya. EL HOMBRE comienza a soltarse y resulta espectacular como sus mandobles más sencillos causan auténticos terremotos y lo hacen saltar todo por los aires. Sengoku y Garp nos anuncian que el final de la batalla ha llegado, y Oda mismo nos lo insinua con su narración al mostrarnos la ubicación de todos los "buenos" de esta saga. Siendo quizás Cocodrile la única excepción, este capítulo nos muestra a Boa, Ivankof, Jimbei, Buggy (y nuestro buen bufón nos trae de vuelta el Den-den mushi, lo cual significa que seguramente aún veremos una gran revelación que será mostrada a todo el mundo) y toda la flota relacionada de una u otra forma a Barbablanca. Y nadie, ni siquiera Ace, se atreve a desobedecer la orden de Barbablanca aunque tenga que aceptarla entre lágrimas, es la decisión de su capitan y solo todos lo respetan demasiado como para desonrarla si no que se dan cuenta de que luchando a su lado y muriendo traicionarían su voluntad y su sueño. Teníamos ante nosotros dos opciones, la de los shonnen y la de One Piece; y parece que afortunadamente Oda ha seguido el camino de su propio manga. Si Zoro, Sanji y Robin esperaron sin moverse el amanecer en Thriller Bark, Marco y cía tenían que obedecer a Barbablanca por mucho que les doliera.
Creo que Oda ha manejado bastante bien este giro de guión que planteo en el último episodio, pero creo que sencillamente ha dejado otra muesca en su larga lista de genialidades con ese gran encuentro entre Ace y Barbablanca. Genial el "no hacen falta palabras", y más genial aún que Barbablanca casi se disculpe con él y le pregunte si ha sido un buen padre. Barbablanca había entrado por méritos propios en el Olimpo de los personajes de esta serie hace ya bastante, pero a cada capítulo que pasa escala un poco más la montaña y se eleve por encima de todos los personajes. Roger podía ser el rey de los piratas, Edward es su padre. Barbablanca es EL HOMBRE de la serie, un pirata cuyos ideales están por encima de los del propio Luffy o Shanks. La declaración de Luffy y Ace de ser los hombres más libres del mundo es deudora de Roger; Barbablanca no persigue su libertad si no la de todos los hombres.
No obstante, todo esto parecía muy fácil y todos sabíamos que la huída no sería tan fácil. En esta seríe siempre todo se complica siempre un poco más cuando parece que ya nada puede ser peor. Pero no creo que nadie esperara lo de este capítulo.
Akainu me cae bien. Es un villano, pero es un gran villano. Y no es malo... sencillamente es severo, es alguien que piensa en base a la justicia más absoluta y que hace el trabajo que nadie quiere hacer. Es alguién necesario, alguién que se da cuenta de que si se produce un genocidio hay que hacerlo hasta las últimas consecuencias, alguién que no duda en usar la guerra psicologica porque siempre si dos piratas luchan entre ellos no importa quien gane pues el verdadero vencedor siempre será él. One Piece puede dibujar un mundo muy idealista y extremista, y esta claro que piratas como Luffy o Shanks no son iguales que Bellamy, pero todos ellos actuan por encima de la justica, y por muy injusta que sea esta se supone que debe ser absoluta. El prisma de esta serie es el de los piratas, y se han ensalzado tanto sus virtudes como el oscurantismo y la corrupción del Gobierno Mundial. Pero siempre tenemos que recordar que verdaderamente es Akainu el que se supone protege a los débiles en esta serie. Y Akainu hace su trabajo. En una organización que alberga tanto a piratas renegados como a héroes como Garp, alguién tiene que ser serio. Y ese alguién es el perro rojo. Siempre lo he comparado a Clint Eastwood, es más duro que las piedras. En este capítulo me ha recordado aún más a Harry Callahan. Es duro, es despiadado, es sévero, es astuto... pero es sincero, no engaña a nadie.
Y el objetivo de este perro de caza son Ace y Luffy, los dos grandes símbolos de esta batalla y las dos semillas más preciadas de Barbablanca, Roger, Rayleigh y toda la era que está acabando.
La estrategía de Akainu y me ha gustado, y el duelo dialéctico con Ace es memorable por la carga emotiva que conlleva. Verdaderamente Akainu no dice ninguna mentira... desde su óptica, pues hasta antes de que verdaderamente conocieramos a EL HOMBRE siempre habíamos pensado que no podía ser tan "rival" de Roger si después no se hizo con su trono. Claro que a Barbablanca no le interesa ningún One Piece, pues ya tiene su tesoro, y ese son sus hombres. Y el tesoro de estos propios hombres es su propio capitán, el hombre que les aceptó cuando el resto del mundo renegó de ellos, el hombre que los unió y les dió un hogar. Akainu se mofa de que Ace y el resto llamen a Barbablanca "padre", pero no entiende que para todos ellos y para EL HOMBRE ese título tiene mucho más valor que el de Rey de los Piratas.
La batalla entre los dos logias es espectacular, y Oda es capaz de recrear el fuego de Ace tan bien como el humo de Smoker, pero la densidad y el calor que consigue representar con el magma son sencillamente impresionantes. La única pega que le pongo al dibujo superlativo de Oda es que su imaginación es muy grande y sólo su pluma la alcanza, y que esta batalla tan espectacular -como toda la batalla de Marinford en verdad- me temo que perderán bastante en espectacularidad cuando sean animadas.
Sobre la superioridad de unos logias sobre otros, sobre la posibilidad de que Ace muera... lo veremos en capítulos venideros. Oda esta reinventando poco a poco los logias, pues estos seres son tan poderosos que no sólo tienen el problema de ser invulnerable ante otros usuarios, si no entre ellos mismos. Nos encontramos en la cima del mundo creado por Eiichiro Oda, y aqui vemos la que voluntad de los hombres es importante, que los logia no son dioses y que tanto entre las paramecia como entre las zoan hay frutas que poco tienen que envidiarles. Si Ace muere será algo que ninguno hubiesemos esperado -mucho menos después de ser liberado- y la serie subirá un peldazo de calidad y madurez con este ejercicio de terrible crueldad. Pero esto es un shonnen, y la gente no muere facilmente, y menos cuando son incorporeas.
Los próximos capítulos diran. Esta saga tiene ese defecto, los capítulos son demasiado brutales como para tener que ser leídos de uno en uno.

El camino hacia el teatro Kodak

Este no ha sido un año que crea que se pueda considerar particularmente afortunado en la historia del cine, pero como siempre hay algunas películas interesantes que pelearan por el Oscar. Esta sera una edición rara con una, a todas luces exagerada, selección de diez películas a pelear por la estatuilla dorada. La presencia de "Inglorius bastards" entre las nominadas es poco menos que soprendente, pero el ver "Distrito 9" o "Up" (por mucho que me gustaran esas dos películas) es algo que no esperaba. No obstante, si Cameron y su entretenida pero poco más aventura de neocolonialismo digital no lo impide, la batalla parece que estará entre:

En tierra hostil

Quizás la gran favorita para ganar este año. Es una película con mensaje, semi-documental y dura, y además una película que aborda el tema de Irak. No obstante, no es una película a recomendar. "The hurt locker" es una película muy difícil y peculiar, no es ni de lejos la película de acción que se ha querido vender. Es una película que tiene poco de película, y eso es algo a aplaudir al mismo tiempo que a abuchear. Esta es una de las pocas películas que me ha parecido muy buena y al mismo tiempo me ha aburrido de sobremanera.
Esta película sería lo que en anime llamamos un "Slice of life", una serie de episodios que sin mostrar un argumento definido nos muestra la vida diaria de una serie de personajes. En este caso los personajes son un trio de artificieros, y la película funciona como una serie de cortos centrados en la desactivación de bombas que se entrelazan con secuencias de diálogos que en mayor o menor medida hacen progresar a los personajes. No hay un principio y un final claros más allá de ver como los personajes acaban quebrándose o abándonandose a la locura, pero esto es la sucesión de episodios individuales y no podemos considerar que la película tiene un climáx o una narrativa creciente. La película va a saco desde el principio, y cada desactivación de bombas tiene unas particularidades que las diferencian del rastro, pero todas llevan al límite a los personajes y exploran las distintas posibilidades que este escenario da. El mensaje es sencillo: en la guerra se puede morir en cada momento. En esta película no hay heroes, y lo más parecido a uno no es otra cosa que un loco. Desmitifica la guerra y no presenta grandes escenas de valor u honor como incluso en grandes películas como "Salvar al soldado Ryan" o "El puente sobre el rio Kwai" se nos presenta. Los soldados son sencillamente hombres llevados a un límite que está más allá de nuestra imaginación y a los que obligan a quedarse aquí. No hay ni principio ni final porque no lo hay en la guerra, y la película trata de reflejarlo.
Tecnicamente es una muy buena película. La fotografía es sucia y en muchas ocasiones la cámara se mueve demasiado, pero supongo que todo esto no esta si no provocado para aumentar la sensación de caos. La gran acción de la película viene precisamente cuando no hay acción, Bigellow fija la camara en ocasiones y alarga escenas en las que no sucede nada pero en las cuales la tensión no hace si no crecer y crecer ante la sombra de la carnicería que está a punto de provocarse. Ejemplo de esto último es la escena de los francotiradores, increiblemente intensa y lúcida. Los actores se muestran en un estado de gracia y disponen además de unos papeles que son unos auténticos caramelos.
Una película atrevida y poderosa, pero una película también muy particular que no recomendaría a nadie que no supiera lo que va a ver exactamente. Lo dicho, a mi me gustó, pero también me aburrió.

Up in the air

Con sólo sus primeros cinco minutos esta película me había ganado. Y después no hace si no mejorar la primera gran impresión que me había causado. Es una película excelente, magnífica, perfecta a todos los niveles imaginables. Ahora mismo se me ocurren pocas películas donde todo funcione igual que bien que en este prodigio de guión, dirección y montaje que es "Up in the air".
Triste y melancólica, aunque con una pequeña y hermosa fisura de esperanza, "Up in the air" es una película sobre el mundo que hemos creado, sobre la civilización de la soledad y la impersonalidad a la que nos dirigimos. Hay lugar para la calidez, pero el mensaje de la historia no es si no una gran advertencia sobre el mundo que entre todos estamos construyendo. Los humanos estamos perdiendo nuestra humanidad.
Es un mensaje que se ha visto ya muchas veces, pero el mérito de esta película es como lo cuenta, pues me parece sencillamente perfecta. Hay escenas de comedia, hay romanticismo, hay lugar para la melancolia, y hay millares de dramas que solo intuimos hasta que finalmente el propio mundo interior del protagonista se desmorona. La película nos muestra escenas de una dureza solo comparable a su brillantez, y otras en las cuales la planificación no deja de sorprender por su terrible efectismo pero aún más por su naturalidad. El guión no es brillante, sencillamente tiene los mejores diálogos que recuerdo en mucho tiempo en una película, grandes frases y conversaciones se suceden constantemente, pero además en ningún momento tenemos la sensación de que son predemitadas o estan muy preparadas. No hay ninguna escena supeditada a otra, cada pequeño momento de la película tiene su valor individual y al final todos se suman para conformar un total deslumbrante.
A nivel técnico es una película que no destaca especialmente. Tiene una buena banda sonora y una fotografía correcta, pero es una película que lo apuesta todo sobre su gran guión y la gran labor de su director. Los actores estan sobervios, el ritmo de la película es pausado pero en ningún momento se hace pesada o aburrida pues hay siempre una extraña intensidad bajo todo, la dirección es clasica y convencional. Todo, absolutamente todo, funciona a la perfección en esta película.
Recomendable sería decir poco.

El día que Clare ladró y Priscilla mordió

Capítulo 100 - "Encuentro con una enemiga mortal"

Claymore alcanza el centenar de capítulos tras casi una decada de vida y lo celebra con el esperado encuentro entre Clare y Priscilla. Un capítulo bastante simple, pero un capítulo también bastante bien llevado y fiel a la serie. Un capítulo en el que verdaderamente no hay mucho que comentar, pues tanto argumental como formalmente es bastante normal, pero un capítulo muy fiel a la historia y los personajes de la serie, lo cual se agradece teniendo en cuenta los grandes giros argumentales que hemos visto durante la veintena de capítulo.
El capítulo basicamente se resume en que Clare pierde la cabeza y ataca a Priscilla y esta la detiene con un soplido mientras la mira con desprecio. Hay, no obstante, aspectos a destacar. El primero es que no ha habido tregua. No era descartable, pero si algo muy forzado en la situación actual sin Raki por enmedio. Tanto Clare como Priscilla han hecho lo que debían, y se agradece un capítulo en el que un aspecto tan firme de la trama se mantenga inamovible pues ayuda a confiar en que Yagi tiene la historia planificada y no improvisa más de lo normal. La actitud de estos personajes es interesantes. En primer lugar Priscilla nos ha sorprendido al estar buscando a Clare, o a Theresa para ser más exactos. La amnesia de Priscilla es inofensiva cuando nos encontramos ante la chiquilla que sigue a Raki y que no sabe ni quién es ni a donde se dirige, pero cambia cuando esa chiquilla se transforma en una mujer que quiere saber quien es, y entonces es bastante turbadora. Clare por su parte se ha dado un pequeño baño de personalidad y ha anunciado que basicamente ante Priscilla todo lo demás le importa poco o nada pues vive por y para matar a Priscilla. Raki mismo parece importale poco ante la posibilidad de intentar cobrarse su venganza. No deja de ser curioso como, tras despedirse de Helen y Deneve, Clare renuncia por completo a su humanidad sin siquiera pararse a reflexionar. Curioso porque todas las Claymore y los miembros de la Organización muestran una falta de humanidad notable, curioso porque los dos personajes más humanos que han aparecido en esta serie posiblemente no sean otros que Riful e Isley.
Argumentalmente no hay mucho más que contar en el episodio, Clare no puede hacer nada contra Priscilla, y Hellen y Deneve no pueden hacer otra cosa que mirar. Quedan dos puntos pendientes: el hecho de Raphaluci parece haber gastado toda su artillería y el "gatillazo" de la revelación de Clare, pero son estos dos puntos cuyo desenlace supongo que veremos en los siguientes capítulos.
Visual y narrativamente es un capítulo correcto y sobrio, como es habítual en el estilo de Yagi. El dibujo, tanto de Priscilla como de las Claymore es elegante pero sin alardes, y los encuadres y planos muy tradicionales. No deja de sorprender que, aunque el encuentro entre Clare y Priscilla fuera un acontecimiento muy esperado, Yagi no nos haya sorprendido ni con una gran revelación argumental ni con un plano antológico para conmemorar los cien capítulos de la serie.
Es una buena noticia que, más allá de una imagen en color para la portada, Yagi se haga ceñido a la historia que tiene que contar antes que al autohomenaje fácil.