Forjando un mito

Seinfeld (2ª temporada)

La primera temporada era buena pero sólo mostraba un poco del increible potencial que esta seríe llegaría a desarrollar. Esta segunda no, aquí no hay esbozos, aquí tenemos a "Seinfeld" en estado puro. Mi serie favorita alcanzá -tras sólo 6 episodios- un nivel ya inalcanzable para el resto de series. No es la mejor temporada de Seinfeld, hay muchos elementos que después apareceran para completar el universo particular de la sitcom, pero es ya una serie tan distinta y genial que se aleja de todo lo visto.
Todos los personajes ya se encuentran, en estos 13 episodios, completamente definidos. Kramer comienza con locuras tan definitorias como la de los "niveles" y su peso en la serie se multiplica. George comienza a mostrar todos sus complejos y triquiñuelas. Elaine comienza a erigirse como la extraña idealista que es. Y además, comienzan a aparecer los personajes secundarios que veremos a lo largo del resto de la serie (naturalmente faltan muchos, pero ya tenemos a la familia de Seinfeld en escena). Además, los argumentos ya no son tan forzados como en la primera temporada y, partiendo de situaciones normales, acabamos llegando a absolutos desmadres; todo ello con unos guiones y algunas escenas que son sencillamente antológicos (ejemplo: "¿Quieres subir a tomar café?" "No, gracias. Me desvela"). Y todo ello coronado por un episodio tan brutal como el del restaurante chino, una única escena de 23 minutos donde los protagonistas se limitan a esperar y que define a la perfección la esencia de esta gran serie.
La temporada es mejorable. Tiene algún que otro altibajo y el episodio final -salvajemente reseteado en la siguiente temporada- es una muestra de que los productores todavía no sabían muy bien hacia donde se dirigiría la serie. No obstante, aún hoy, vista casi 20 años después de su filmación, el humor mantiene una frescura envidiable y que es la mejor muestra del nivel de esta serie, de la calidad de sus guiones y de la simple y llana genialidad de su concepto.

Rol cyberpunk

Persona - Trinity soul

Persona es una serie más que prestigiosa de juegos de rol allá por Japón, pero como no he jugado a ninguno de sus títulos no puedo juzgar este anime en relación a ellos. No diré si la serie es o no "leal" al espíritu de los juegos, simplemente comentaré la serie como tal.
Este es un anime que, sinceramente, aún no se si me gusta o no. Cuando menos es original y tiene personalidad, y eso ya es un logro. Centrada en una ciudad anónima y en la relación entre tres hermanos completamente distintos y marcados por una tragedia, la serie nos coloca en un extraño escenario donde unos "entes" llamados "Persona" se vinculan a los hombres. De estos seres sabemos poco, salvo el fuerte vínculo a vida o muerte que se establece entre ellos y que es habítual en estas series sobre "parásitos". Una guerra silenciosa se libra entre distintas organizaciones que luchan por el control de estos seres, estando todavía en el aire -a espera de los previsibles giros de guión- las intenciones y aspiraciones verdaderas de cada uno de estos grupos. Aún no estando ambientada en un futuro cercano, la serie se úbica sin duda dentro del género del ciberpunk, valíendose de estos seres para plantearnos las habituales preguntas sobre conceptos como "vida", "existencia" o "conciencia"; aunque como he dicho antes la serie parece muy enfocada a la relación entre los tres hermanos y el pasado que arrastran. Nada del otro mundo a nivel argumental, es en el desarrollo de sus personajes donde encontramos el mayor aliciente de la serie.
A nivel técnico "Persona" no destaca pero tampoco da vergüenza ajena, algo -esto último- bastante meritorio teniendo en cuenta que los "Persona" son seres diseñados y animados completamente por ordenador. La serie tiene un diseño de personajes quizás excesivamente estilizado, pero elegante y bastante característico. Los combates y el diseño de los "Persona" también estan bastante logrados, siendo todos ellos muy diferentes entre ellos y librando unos buenos combates. El diseño de la serie, eso sí, abusa en mi opinión de tonos oscuros y grises, aunque esto es algo completamente acorde con la temática y la narrativa de la serie y no sirve para otra cosa que resaltar estas.
Un anime, en resumen, interesante, pero que todavía camina sobre la mediocridad en la que cae con facílidad este género.

Y ponte traje!

Como conocí a vuestra madre (1ª temporada)

Recomendada por mi hermano y algunos amigos, le he dado una oportunidad a esta sitcom (genero en particulares horas bajas). Me he encontrado con un producto extraño, una serie que bebe descaradamente de Friends pero que aspira a algo más que esta en sus inicios al presentar un hilo narrativo claramente marcado y mostrar unos personajes que evolucionan a lo largo de la temporada.
Como comedia la serie funciona, tiene episodios y gags francamente buenos y tiene a Barney, un personaje que es carisma en estado puro y que llena la pantalla en cada una de sus intervenciones. Barney aparte, el resto de protagonistas tardan más en arrancar, la pareja que forman Marshall y Lily tardó bastante en convencerme pero una vez que lo hace se convierte en un personaje doble sólido, bien construido y terriblemente divertido. Ted (el protagonista) y Robin me parecen lo peor en cuanto a comedia, pues la historia oscila demasiado en torno a ellos y a la larga se hace pesado. Personajes al margen (aunque nunca se puede dejar al margen a Barney) el estilo de humor es claramente heredero de la serie Chandler, Ross y Monica, con situaciones basadas en el mundo real, algo de surrealismo en cuanto a manejar personajes que son niños grandes y un poco de ternura. La serie tiene algunos hallazgos -la mayoria en forma... sí, de Barney- pero en general no nos ofrece nada que no hayamos visto antes.
En cuanto a historia, la serie es bastante interesante. Los 22 episodios forman un todo y se continúan los unos a los otros desarrollando la historia de Ted y de su obsesión por Robin y, en menor medida, la historia de Lily y Marshall. Es curioso que los personajes de esta serie no son, para nada alegres, son jovenes asustados de dejar el mundo que tan bien conocen y tener que adentrarse en el mundo de los adultos, un mundo en el que además no tienen cabida los sueños que poco a poco han ido viendo como desaparecían. La narrativa en flashback deja entreveer que todo acaba bien y que lo que vemos no son si no errores de juventud y lecciones de un padre para sus hijos, pero aún así la serie tiene un extraño -y cautivador- tono amargo.

Habemus bardo

One Piece 489 - La octava persona

Los trámites formales han sido realizados y Brook ya es oficialmente el nuevo miembro de los sombrero de paja, el tan ansiado músico que Luffy buscaba desde hace 450 capítulos. Ya son nueve los tripulantes del Thousand Sunny y Eiichiro Oda se acerca a la cifra de diez compañeros que Luffy anunció en los primeros capítulos de la serie. No obstante, ya he hablado mucho sobre este esqueleto con afro, músico, pervertido, chistoso y honorable como todo buen miembro de esta tripulación. Su unión ya se intuía cuando apareció y se firmó cuando se reveló como el único nakama vivo de Laboon, desde entonces sólo le hemos conocido algo más. Brook ya era miembro de la banda como lo era Franky desde que quemó los planos en la torre de la justicia. Este episodio formaliza este hecho, pero presenta muchas más cosas interesantes.
Como siempre, en los episodios entre sagas, Oda nos resuelve pequeñas cuestiones y nos plantea más preguntas todavía. Este episodio, escenas nostálgicas aparte, continúa con los preparativos para "el Nuevo Mundo".
El drama de Brook se cierra con el sellando la concha de los recuerdos, siendo aceptado por la banda y con un emotivo funeral sobre una tumba construida por Franky y Usopp que comparte con Zoro. No deja de llamarme la atención como, a parte de Laboon, Oda ha tendido puentes desde este personaje hacia el resto (es un bromista como Luffy, Usopp, Franky y Chooper; es un pervertido como Sanj (y esto le une a Nami-san y Robin-chan) y un espadachin honorable como Zoro). La empatía de este personaje con el resto de la banda es absoluta, y naturalmente es además lo suficientemente distinto a todos ellos como para tener personalidad distinta. No obstante, dentro de la igualdad que se forma en la banda hay pequeñas parejas dramáticas, igual que Chooper esta muy vinculado a Usopp o Franky a Robin, no puedo evitar dejar de pensar que Brook lo estará con Zoro.
Ahora bien, independientemente de Brook, lo importante de este capítulo viene de manos de Lola y sus piratas, unos personajes que parecían unos secundarios irrelevantes y que sin embargo se han desarrollado como un nuevo hito en el camino de Luffy. Lola y su tripulación vienen del Nuevo Mundo y, además de un poco de información sobre la isla de los tritones, nos revelan detalles sobre el verdadero mar de los piratas. Comenzamos sabiendo que existe "una emperatriz pirata Hancock" de indescriptible belleza (aunque el concepto de belleza en esta serie es siempre relativo, y más viendo a Lola), con lo cual en teoría sabemos los nombres de los cuatro "Yonkou" (Barbablanca, Shanks, Kaidoh y Hancock). La banda también ha ganado un aliado en este mar en forma de la madre de Lola, la cual por lo que sabemos podría ser hasta la propia Hancock pero Oda prefiere torturarnos un poco con la espera y supongo que revelará a este personaje en el momento más inesperado. Porque una de las grandes virtudes de la serie es que responde a las preguntas cuando menos lo esperas. Ahora entendemos que el papel que Ace le dio a Luffy es algo así como un "eternal pose" hacia él, y además sirve de indicador de su estado. Los secretos no sirven de hilo conductor en esta serie, pero es una gozada ver como Oda los enlaza unos con otros y los devuelve al primer plano de la historia cuando menos lo esperas. Pensaba que la banda de Lola era un recurso de última hora para añadir algo de épica a la batalla contra Moria pero esta claro que, como Laboon-Brook, era algo que tenía pensado desde hace mucho tiempo.
Ahora la saga de Thriller Bark ha finalizado y ante nosotros se extiende un paisaje que Oda lleva imaginando casi una década. El ansiado reino submarino de los tritones. A saber lo que nos espera allí.

I was born to hit in America!

Eyeshield 21 - Tomo 10

Recupero el título del opening de aquella mítica serie que era Beck para titular esta entrada, este décimo tomo que ha supuesto mi reconciliación con esta serie tras un par de tomos bastante flojillos. Tomo de transición, tomo de preparación ante un partido que en esta ocasión es algo más pues lo que hacen los Devil baits es prepararse para el gran torneo que les espera. Un tomo muy bueno.
Para empezar, el entrenamiento es una auténtica bestialidad. Una animalada hiperbólica que verdaderamente justifica la subida de nivel del grupo y que recupera el espiritu puramente divertido y espectacular del manga y no pretende ser realista, algo que agradezco de sobremanera. Y dentro de esta salvajada de entrenamiento vemos como los personajes se desarrollan y como todos buscan algo parecido a la redención en el futbol americano. Antes de llegar a America sólo Hiruma y Kurita verdaderamente lo daban todo por el equipo, ahora tienen varios miembros más (uno más de propina -con hermana futuriblemente noviable para el protagonista- y un entrenador carismático). Sacrificio, dolor y perseverancia para forjar un equipo verdaderamente fuerte.
Y, al margen del argumento, nos encontramos con una narrativa muy buena y un sentido del humor muy de agradecer. El entrenamiento es, repito por enésima vez, tan brutal que es imposible si no en un manga, y por ello se agradece el sentido del humor enrevesado y loco que no hace si no exagerarlo y mejorarlo. Y luego, el mes de entrenamiento se narra con un dominio del tempo excelente, permitiendo desarrollar a la perfección las dudas de los personajes y el como las superan. Además, el dibujo del autor ha mejorado considerablemente y lo atípico del paisaje le permite experimentar con los encuadres y enfoques de la acción.
Un tomo muy entretenido y vistoso que muestra lo mejor de la serie y que la prepara para el gran campeonato que, a buen seguro, ocupará muchos tomos.

El decepcionante camino a ninguna parte

Sweeney Tood. El barbero diabólico de la calle Fleet.

Decepcionado, muy decepcionado, estoy ante la última película de Tim Burton. Este genio despeinado ha firmado algunas de mis películas favoritas y tiene, además, un extraño sentido de lo visual entre lo surreal y lo gótico que sencillamente me maravilla, pero esta película me ha parecido una de las más aburridas que he visto en el cine en los últimos años. Porque me esperaba un deliciosamente divertido musical gore, algo así como Sleepy Hollow con canciones, y me he encontrado algo muy raro.
Sweeny Tood, para empezar, es un músical excesivamente músical para mis gustos. Los musicales no me disgustan especialmente y me han regalado muy buenas películas y escenas memorables, pero esta película abusa de las canciones. No es ya que los personajes canten muchas canciones, es que si van a abrir una puerta lo anuncían cantando. Las canciones no son gran cosa y tanta sobredosis de musicalidad me supera (supongo que en la versión inglesa, al no haber una transición tan grande como la obvia que supone el cambio de idioma, este defecto será mucho menor y posiblemente se convierta en una virtud).
Así pues, esta película no saca a relucir las virtudes de un músical, pero si todos sus defectos. Para empezar la trama es absurdamente simple y átona. El barbero quiere vengarse, ya esta. Nada cambia la actitud del protagonista y los secundarios y villanos tampoco aportan nada a la historia. Y sobre estos personajes vacíos tampoco sucede nada original, todo es exageradamente previsible y sencillo. A ello le debemos sumar una historia de amor paralela bastante tonta interpretada por dos jóvenes cantantes bastante inexpresivos.
Ya sin historia ni ritmo sólo podemos recurrir a la ingeniería visual de Burton para salvar la película. Pero tampoco funciona. Burton no sorprende como en otras ocasiones y todo es demasiado surreal y fantasmagórico. Y el famoso factor gore de la cinta tampoco es nada del otro mundo, las escenas suelen ser divertidas por su exageración pero en algunas ocasiones se quedan sencillamente en el mal gusto. Y por encima de todo, en ningún momento estas escenas levantan una película.
En resumen, una de las películas más aburridas que he visto en mucho tiempo. Aunque es tan peculiar que no puedo no recomendarla, pues también creo que si hubiera entrado con otro ánimo al cine o sencillamente las canciones fueran un poco más acordes a mis gustos es posible que me hubiera gustado.

Tobias me desconcierta

Avantasia - the Scarecrow

Tobias Sammet, líder de "Edguy", es sin duda alguna uno de los nombres más importantes del metal aleman y el máximo referente actual de lo que podríamos llamar "happy-metal". Niño prodigio que consiguió el reconocimiento internacional con "Vain Glory Opera" cuando apenas era mayor de edad, es también un compositor de indudable talento y más indudables todavía aspiraciones. A lo largo de los años ha conseguido grandes éxitos con su banda y su música ha evolucionado bastante. Sigue siendo lo más parecido a un heredero de los Helloween de los "Keeper", pero con los años su música ha ganado en complejidad adquiriendo influencias de grupos como Iron Maiden, Judas Priest o incluso Queen o Meat Loaf. Tobias idolatra a aquel mítico quinteto de las calabazas en el que se encontraban Hansen o Kiske y es capaz de componer un metal melódico a la altura de ellos, pero no quiere encasillarse, y lo hace por medio de "Avantasia".
Avantasia es un proyecto descomunal, una auténtica ópera metal donde las canciones se entrelazan unas con otras formando una historia común narrada y donde el jovén músico consigue la colaboración de monstruos como Tolki, Kiske, Hansen o Kusch para le acompañen con las voces o los instrumentos. "The metal opera" era un proyecto que, además de una calidad descomunal, tenía una complejidad y producción rara vez vistas en un disco de música.
Ahora, más de un lustro después, llega la segunda parte: Scarecrow. "El Espantapájaros" será otra vez una entrega doble, pero su segunda parte no la veremos hasta el año que viene así que hoy comentaré el primer volumen. Volumen que me ha decepcionado algo, pero que sobre todo me ha dejado muy descolocado.
"The Scarecrow" es ante todo un album monstruosamente complejo y ambicioso, y por ello quizás no me ha gustado tanto como "Metal Opera". Este disco combina en su interior un gran número de estilos músicales, y eso hace que al final no sepa si me ha gustado o no.
Comencemos por lo mejor. "Shelter from the rain", "Another angel down" y "Devil in the Belfry" son tres auténticas maravillas. Tres temazos de power-metal con un ritmo frénetico y unas melodías prodigiosas. Estribillos que se pegan a la primera oída y colaboraciones de lujo como un Kiske cuya voz no se resiente o un gran John Lande.
Después tenemos unas canciones que, si bien no son muy de mi gustos, si son muy buenas. "Twisted mind" y "The toy master" son algo más heavy de lo que uno se espera en Avantasia, pero son excelentes. Algo parecido puede decirse de la canción que da título al disco "Scarecrow" es un largo tema de más de diez minutos con aire folk que me recuerda a Rapshody, es un buen tema pero me parece muy alargado.
"Carry me over", "Cry just a little" y "I don´t believe in your love" son tres buenas canciones de medio tiempo. Buenas baladas en la mejor tradición de Scorpions (cuyo guitarra hace un cameo) pero que se me hacen excesivas. "What kind of love" es un descolocador remake que, si bien esta bien y tiene fuerza, no es lo que yo espero en un disco heavy. Y por último el tema "pop" con el que se cierra el disco "Lost in space", nuevamente una buena canción con un sónido interesante y superior a todo lo que normalmente escuchamos en este género pero que, sencillamente, esta fuera de lugar en el disco.
Scarecrow es un buen disco y una muestra del increible talento de su compositor pero, al menos para mi gusto, su talento esta demasiado disperso en varios géneros musicales. Le admiro por ello, pero como buen fan egoista preferiría que siguiera haciendo temas "Vain glory opera" o "The piper never dies".

Cuando un libro te hace crecer como persona

1984

Ya en "Rebelión en la granja", George Orwell presentaba una desgarradora fábula sobre la corrupción y los totalitarismos que ponía los pelos de punta. Este libro es su evolución, el mundo que Napoleón quería construír sobre la "Granja animal". Una terrible dictadura basada en el control total sobre los pensamientos de los oprimidos, una dictadura basada en el más terrible de los poderes.
La mayor parte de los libros de ciencia-ficción tienen como objetivo el hacer que el lector se haga preguntas, hecho esto la trama es un detalle secundario. Lo he visto en otros libros comentados en este mismo blog como "Farenheit", "Un mundo perfecto" o "Solaris". Pero Orwell en este libro más lejos, no sólo nos hace formularnos infinidad de preguntas sobre las libertades y los derechos, si no que nos ofrece las soluciones. Aquella frase de "Aquel que esta dispuesto a sacrificar libertad por seguridad no merece ni una ni otra" cobra sentido pleno en este libro. La opresión, la incapacidad de pensar, la manipulación de los medios, el control de la historia, la absoluta reducción de la mente humana a la de un autómata. Brillante a todos los niveles, el relato de Orwell es desgarrador por lo exagerado de su planteamiento pero, sobre todo, por lo terriblemente cercano que este parece.
El libro, como todos, tiene muchos defectos. Las primeras 100 páginas me parecen increibles, pero a partir de la incorporación de Julia todo me parece bastante forzado en cuanto a la relación de estos dos personajes, igual que resulta quizás exagerada la tercera parte del libro. No obstante, todo ello esta puesto al servicio del mensaje, y cuando este es tan importante y se impregna con tal fuerza en el lector todo es irrelevante. Porque este es uno de esos libros que, siendo pedante, te cambia la vida. Uno no puede permanecer indiferente mientras ve como "El Partido" y el "Gran Hermano" (desde ya uno de los mejores villanos de la historia) manipula la historia y controla toda la información que llega a sus habitantes, uno no puede evitar identificarse con Winston cuando este se pregunta que vida esta viviendo y cuanto de cierto tienen sus recuerdos pues si todos creyeramos una mentira que la diferenciaría de la verdad.
Un libro terrible pero, en el sentido más real de la palabra, verdaderamente imprescindible.

Gantz (al estilo Jump)

Psyren

Obra del no muy conocido mangaka Toshiaki Iwashiro,Psyren en una de las nuevas apuestas de la Jump para renovar su plantel de series en busca de unas ventas que poco a poco van disminuyendo. Es una serie que, si bien me ha parecido muy irregular en sus primeros 10 episodios, también creo que es bastante sugerente y que puede convertirse en una buena serie.
Comenzare hablando sobre la historia. Esta serie es Gantz light, con matices, claro. La serie nos coloca en el presente, donde un grupo de personas son convocadas por "Némesis Q" un ente que parece un líder de una secta y que en verdad les arrastra hasta un mundo apocalíptico donde han de luchar por sobrevivir enfrentándose a terribles monstruos. Este futuro no es otra cosa que el futuro, y la trama parece presentarse como la lucha de los protagonistas por evitar ese fatal desenlace. Evidentemente hay todavía muchos misterios por resolver y explicaciones por dar, pero el ritmo es sorprendentemente lento -para lo habitual en un comienzo de serie- y el autor no parece tener prisas por desarrollar la historia. No se como se desarrollará, los protagonistas amenazan con tener poderes y el mundo en el que luchan probablemente caiga en la clásica espiral de "infierno" en la que por alguna razón desconocida todo se complica conforme avanza la serie (uno se pregunta en series como esta, porque no aparece el monstruo al que se enfrentarán en el capítulo 150 en el 20). Los protagonistas, por su parte, no son nada del otro mundo pero caen relativamente simpáticos y ninguno es excesivamente cargante (no es mucho, pero es bastante en estos tiempos que corren); a destacar Anamiya, la chica, que se sale bastante de los cánones de heroinas habituales y me tiene bastante desconcertado.
El dibujo de la serie, al menos de momento, no me gusta. Los escenarios son muy simples y lucen vacíos. Los personajes no tienen un gran diseño y, sobre todo, se nota mucho cuando el autor dibuja una escena especial o una portada de cuando narra escenas normales. Dibujo muy irregular y una planificación de escenas y diseño de encuadres que es bastante tradicional.
En resumen, de momento el manga no es nada del otro mundo, pero la historia es relativamente original y puede dar lugar a una serie más que decente y -sobre todo- distinta al patrón que actualmente impera en la revista. El autor, compresibles deficiencias gráficas al margen, parece saber muy bien que quierra narrar y como tiene que hacerlo y; esperemos que la serie tenga el suficiente éxito como para que no le obligen a terminarla.

Dios bendiga a Brad Bird (parte II)

El gigante de hierro

Normalmente cuando una película tiene buenas críticas es muy fácil que te decepcione; y había oído grandes críticas de esta película y temía eso (incluso yo, no puedo evitar sentir miedo al ver una película de animación gracias a Disney y sus musicales repletos de animales). No ha sido así. "El gigante de hierro" es sencillamente, una grandisima película de dibujos animados.
Brad Bird es la mente detrás de la época dorada de los Simpsons, Los increíbles y Ratatouille, y como dije en esta última, es un genio, uno de los últimos genios de la animación americana. En esta película, si cabe, lo demuestra aún más. Al contrario que la serie de Homer -amparada en el éxito mismo que ya tenía- o los monumentales medios de los que Pixar le dota actualmente, esta es una película relativamente pequeña y casi intimista, y aún así consigue un resultado espectacular.
Se trata de un hermoso cuento sobre la historia de un niño y un robot aliénigena en plenos años 50, en un ambiente de paranoía total. Un bonito canto a algo tan puro como la amistad y la confianza. Sin embargo, lo interesante no es la historia -mil veces vista- si no la habilidad de Brad Bird para narrarla. Es una historia para niños pero más disfrutable aún por adultos. Para empezar, no hay canciones. Toda la historia se narra con fluidez sin que nada parezca forzado u obligado más allá de una cierta caricatulización del malo (que actúa también como una sátira de la sociedad americana de la época). Apenas hay gags y no so son demasiado brillantes... sencillamente son normales y coherentes con la historia. Pero la historia sencillamente es muy buena, tierna sin caer en melodramatismo barato, valiente y osada en su crítica de la paranoía y el miedo a lo desconocido sin caer en la exageración y la demagogia, preciosa en su descripción de la amistad y terrible en su representación del dolor. El ritmo es lento y pausado, pero todo se sucede a una velocidad adecuada y la trama siempre avanza al tiempo que vamos conociendo más y más "características" del gigante. Es una película que consigue que te muevas, que exclames cuando llega el final e incluso que se te salte alguna que otra lagrimilla.
A nivel técnico la factura es excelente. El diseño de los personajes no me gusta demasiado, pero el aspecto a lo "Hannah-Barbera" es perfecto para la ambientación de la película. El gigante y su animación es espectacular. Además, el diseño de planos y angulos es sobervio (sólo la primera aparición del robot en el mar es mejor que la inmensa mayoría de películas de animación de la última década), dotados de una inteligencia y un sentido dramático sólo al alcance de alguién como Brad Bird. Un hombre que sabe muy de cine y más aún de animación.

Meme: mis 6 personajes favoritos de ficción

No soy una persona muy dada a los memes, y como he dicho muchas veces siempre he pretendido que este blog fuera muy impersonal, pero Light me ha nominado para este meme y me sabe mal no hacerlo. Así pues, bajo unos criterios muy personales, mis 6 personajes favoritos de la ficción.

Manga & Anime: Gatsu (Berserk)
runners: Eikichi Onizuka, Monkey D Luffy, Lelouch Lamperouge, Arcueid Brunestud.

De los numerosos mangas y animes que he visto/leido, el violento Gatsu me parece el personaje más completo. Berserk es una obra brutal que carece de concesiones y que nos coloca en un mundo brutal y salvaje. Gatsu es un superviviente nato que se enfrenta a un auténtico infierno cada día sin más armas que su determinación y su gigantesca espada. Un manga con una narrativa y un dibujo impresionantes y, además, un estilo marcadamente europeo en su historia.

Cine & TV: George Constanza (Seinfeld)
runners: Iñigo Montoya, Homer J Simpson, Indiana Jones, Niles Crane, Cosmo Kramer.

Dios entre los dioses. George Contanza es bajo, calvo, gordito, mezquino, egoista, tacaño, mentiroso y vago. Es, por definición, un hombre pequeño en todos los sentidos de la palabra (ni siquiera es un buen amigo) pero es también entrañable y divertido por todo esto. Seinfeld, la serie sobre nada que trata sobre todo, tenía una galería de personajes sencillamente impresionates, pero Constanza era el rey.

Videojuegos: Sheik (The legend of Zelda)
runners: Mario, Sonic, Alex Kidd, Link

Alter ego de la princesa Zelda en el mítico "Ocarina of Time", Sheik es la encarnación guerrera de la princesa de la sabiduría. En ese juego increiblemente épico, cada una de sus apariciones tenía un halo de misticismo y espectacularidad sencillamente insuperables. Sheik verdaderamente hace poco y uno hecha en falta que se narren más su peripecias durante los siete años que Link pasa durmiendo, pero su presencia es sencillamente impresionante. Carisma, sabiduría y misterio se dan la mano en este personaje como en pocos que haya visto. Resulta interesante como Zelda y Peach han pasado de ser "items coleccionables" a personajes sencillos con un gran carisma. El mérito de Nintendo al conseguir modernizar a sus personajes recurriendo al propio mundo al que ellos pertenecen no es pequeño, los personajes han crecido sin dejar de ser ellos mismos (algo que no pueden decir Sonic u otras mascotas). Los grandes símbolos de Nintendo siempre han perdurado, basándose unicamente en juegos de calidad hechos con mimo y cuidado.

Literatura: Polgara (Las crónicas de Belgarath & Las crónicas de Mallorea)
runners: Aragorn, Gandalf, Tyrion Lannister, Danaerys Targaryen, Hari Seldon

Sin duda el personaje que más me ha sorprendido incluir en este meme. La larga saga de Eddings que componen las crónicas de Belgarath y las de Mallorea sin duda no pasaran a la historia. Son simples y más previsibles que una línea recta, pero con pocos libros he disfrutado más que con ellos y por eso considero apropiado colocar a Pol por encima de Gandalf o Dany. Personajes tópicos como ellos solos, pero todavía más divertidos. Frases y situaciones típicas de una sitcom en una serie que no se toma en serio a si misma y que resulta casi paródica. Polgara es el máximo exponente de esos personajes, autoritaria y sabia pero al mismo tiempo hermosa y cínica, es el ideal de mujer perfecta como lo puede ser Kheldar para los hombres. Esta lastrada por el machismo ligero que impregna la obra, pero la mano de la mujer de Eddings se nota mucho en una mujer cargada de carisma y fuerza.


Música: El guardían de las siete llaves (Helloween)
runners: The bat out of hell (Meat Loaf), Monstruo egipcio (Gamma ray), lso bardos (Blind Guardian)

El grupo y los discos que me hicieron "heavy". La saga de los "keepers" fueron dos discos concebidos como uno solo que aparecieron en el 87 y 88 y que componen, sin duda alguna, el punto álgido de la historia del power-metal. Una música con unas melodías veloces y poderosas interpretadas por una banda en estado de gracía. Metal alegre que contiene tanto baladas, temas oscuros y auténticas operas. El poder compositor de Weikath y Hansen junto con la voz de Kiske compusieron 2 discos que dificilmente serán superables. No incluyo aquí el tercer disco que, sin parecerme malo, si me parece fuera de lugar y más una maniobra comercial que artística.

Y por último...
Nataport. Porque crear es siempre mucho más divertido que descubrir.

Invito a hacer este meme a todo aquel que quiera.

Gakuen no tameni!

True Tears

Toda una sorpresa. En esta temporada estival, tan absolutamente nefasta, me he encontrado un grandísimo anime de colegialas que me ha hecho recuperar algo la fé en este género tan habitualmente maltratado por el gremio de los guionistas.
True Tears, como he dicho, se enmarca dentro del género de las colegilas y se trata de una comedia romátinca en el sentido más tradicional de la palabra. Pero, lo que podía ser un cúmulo de defectos, son un gran número de virtudes. "True tears" hereda lo mejor de las últimas grandes series de este género y lo mezcla con una extraña sabiduría. Tiene algo de comedia y algo de romanticismo, pero ninguno de estos dos géneros engulle al otro y los dos se nutren de si mismos para hacer crecer la serie. Con esto quiero decir que la serie narra los "noviajes" de varios jóvenes, pero que lo hace con un extraño buen gusto. Es un anime pausado, de tiempos lentos, donde sólo al final de cada episodio se rompe algo ese aire consecuente y elaborado para sorprender al espectador con un buen giro de guión. No es un anime espectacular ni grandilocuente, ni siquiera es terriblemente intenso como lo podría ser "Kimi ga Nozomu Eien", es sencillamente un drama romántico que rabaja su tono dramático con inocentes gags y que esta impregnado por un efectivo aire triste y meláncolico al más puro estilo "Suzumiya Haruhi". Porque la serie tiene un extraño aire de realismo mágico o de cuento de hadas que recuerda inevitablemente a la obra cumbre de Kyoto o -siendo pretenciosos- a los grandes maestros de la literatura sudamericana de este siglo.
El apartado gráfico de la serie también es más que notable. El diseño de personajes y escenarios no es particularmente espectacular, pero si esta lo suficientemente cuidado como para no resultar tópico. Este diseño, y una cuidada animación, le dan un aspecto francamente agradable a la vista. Cuenta además con una buena banda sonora y unos buenos dobladores. Por decirlo en pocas palabras, no es un anime espectacular, pero tampoco es un anime en el que parezca que se haya escatimado en gasto. Es más que correcto.
Así pues, no es Haruhi y no es Kimi Ga, es una comedia de colegiales que no escapa de su género, sencillamente lo dignifica. Muy recomendable.

Solo

One Piece 488: "Canción de vida"

El flashback de Brook ha finalizado y con su última sentencia podemos entender que ya "habemus bardo" y que la banda de Luffy cuenta ya nueve miembros. Ha sido un flashback corto y carente de la carga argumental que suele ser normal en la saga (normalmente el villano de los flashback suele ser el mismo al que la banda se enfrenta en esos momentos, aunque era normal teniendo en cuenta que se ubicaba 50 años en el pasado), no obstante ha sido un gran pasado. En el capítulo anterior ya descubrimos a la banda de los "Piratas Rumba", descubrimos como conocieron a Laboon y como esta se hizo nakama suyo, y descubrimos como su capitán y varios miembros más tuvieron que abandonar su sueño por una terrible enfermedad. Pero por encima de todo descubrimos esas terribles escenas de Brook regresando al barco y encontrando unicamente los cadáveres de sus amigos. Brook navegando durante 50 años en un cementerio flotante con la única compañía de sus fantasmas.
En esta segunda mitad del flashback, todo ello se intensifica. Vemos el infierno que ha sido la vida (skulljoke XD) de Brook, la verdadera tortura que debieron ser ese medio siglo vagando por los mares. Pero, por encima de todo tenemos la escena de la canción. Oda tiene una habilidad increible para idear este tipo de escenas. Cuando la banda de los piratas fue derrotada, cuando agonizaba bajo incontables heridas, aceptaba su muerte como parte de la vida pirata y sólo lamentaba una cosa: no despedirse de Laboon. Y es entonces cuando Oda nos revela que lo último que hizo la banda fue grabar sus voces cantando la canción del Sake de Binks -desde ya el himno oficial de la serie- en un díal con la esperanza de que Brook resucitado pudiera llevarles sus voces a su última compañera. Una escena de una belleza terrible y desgarradora donde los amigos de Brook van muriendo uno a uno mientras cantan la canción. La grandeza de este manga se ve en estas escenas, escenas pequeñas e íntimas que se salen de los cánones tópicos de los shonnen y que son mostradas con un gusto y una naturalidad increibles.
Porque, además, la escena de "Todavía podemos cantar un cuarteto... trío... dueto... sólo" es increible, pero no es lo único que vemos en el capítulo. Oda no diseña un capítulo en función de un momento, Oda diseña los capítulos en función de la historia. En este capítulo no sólo vemos la tristeza de Brook, vemos su alegría. Una hermosa imagen doble muestra entera la letra de su canción, en un lado vemos a su antigua banda pirata (y a él vivo), y en otra a la banda de Luffy (y a él muerto). El círculo se ha cerrado. He dicho ya muchas veces que esta saga no me ha entusiasmado, me recuerda más a la saga de Drum que a la de Arabasta, para comparar. Pero ha tenido muchas cosas buenas y este pasado de Brook viene a ser una de ellas. Pasado triste y terrible como todos los de la serie, y narrado además con una habilidad extraordinaria. Flashback corto que me imagino al compás del piano del esqueleto; mezclando música, imágenes y sentimientos... Oda ha hecho todo un AMV sobre papel.

Excelente retrato, fallida película

No country for old men

En primer lugar disculparme, pero no pienso usar el título en castellano de esta película pues la he conocido siempre bajo ese nombre. Se trata esta de una película muy extraña, el regreso de esos grandes autores que son los hermanos Coen a su mejor cine (alejados de las mediocridades como "Ladykillers" que han dirigido estos últimos años), pero precisamente este retorno a su buen cine a hecho que en seguida sea comparada con grandes clásicos como "Muerte entre las flores", y contra obras maestras como esa sale perdiendo. "No country for old men" es una buena película, pero juega en su contra el excesivo bombo que se le ha dado.
Los Coen, para empezar, parecen haber cambiado. Su cine es ahora más oscuro y menos cínico. Muchas de sus películas antiguas eran duras, pero en todas ellas existía por debajo un pequeño hilo de esperanza que les confería sus extraños finales felices. En esta película no, aquí todo es terrible, es un retrato de lo dura que es la vida, de como esta no concede un descanso y como engulle a todos aquellos que no son capaces de enfrentarse a ella. En este aspecto la película nos muestra un paisaje sencillamente espeluznante; ese desierto que es Texas, en el cual bandas de mexicanos se matan entre ellos por droga y donde los sheriff americanos no pueden hacer otra cosa que ver pasar el tiempo. Resignación es la única opción posible ante una violencia y una crueldad a las que es imposible oponerse.
No obstante, si como alegato contra la violencia la película es implacable, no puede decirse lo mismo si la juzgamos unicamente como largometraje. Tanto la dirección de los actores (con ese, verdaderamente, monstruoso Bardem que tanto se ha vendido) como el ritmo son impecables (la película es lenta pero te mantiene siempre en un estado de constante tensión), el guión es denso y desarrolla a la perfección a los personajes, y la transición entre las historias de los tres protagonistas tienen una soltura excepcional. No obstante, en su final, la película se les ha ido de las manos a los Coen con un desenlace demasiado incierto y -en cierta manera- apresurado. Una guinda agridulce para una película fascinantemente violenta y oscura que me ha encantado.

¿El primer gran juego de Wii?

Zack & Wiki: en busca del tesoro de Barbaros

Si me preguntaran si este es el mejor juego de Wii diría que no, tanto Zelda como Mario le superan; si me preguntaran si es el que mejor partido sacar de su mando seguramente tendría que decir que seguramente tampoco, pues por ahí andan Wii Sports y Trauma Center. No obstante, Zelda y Mario eran juegos que utilizaban poco las capacidades del mando, Wii Sports es un juego muy simple y Trauma Center era en sus orígenes un juego de DS. Así pues creo que este es el primer gran videojuego que compro para mi Wii que esta diseñado para ella desde cero. El resultado, una extraña mezcla de aventura gráfica con puzzles, es sencillamente magnífico.
Zack & Wiki, como los grandes juegos, apenas tiene argumento. Siempre he defendido que los videojuegos rara vez deben tener argumento y este juego casi prescinde de él; simplemente somos un pirata que, por avatares del destino, acaba en una isla repleta de tesoros. Mientras vamos recorriendo las distintas fases de la isla la simpática historia avanza para explicar así los cambios de escenario, pero el motor del juego no es la historia, es el juego. Porque en Zack & Wiki apenas hay diálogos, y por no haber no hay ni un inventario para llevar objetos. Nuestras armas en este juego son un puntero que nos sirve para mover al personaje y seleccionar los objetos sobre los que actuar, un mando con el que reproducir los movimientos lógicos de los objetos antes mencionados y nuestro ingenio. El planteamiento es simple y directo, no hay explicaciones de ningún tipo, simplemente se nos deja en un escenario y -valiéndonos de todo lo que hay allí- hemos de alcanzar un cofre de tesoro.
El juego es bastante complicado, algunos puzles son muy díficiles pero esto no implica ilógico, todo se resuelve con una lógica impresionante, pero hay que pensar y en este juego no se puede hacer nada al tuntun pues las acciones tienen recompensas (podemos morir o fracasar en una misión perfectamente). Es esta una sensación bastante gratificante pues verdaderamente las opciones que podemos realizar parecen siempre muy limitadas, pero apenas tenemos objetos o posibilidades y el juego te obliga a darte cuenta de que hay otra cosa que puedes hacer u otra manera de como puedes hacerla, sabes que la solución la tienes en frente tuya y que es lógica, y esto engancha bastante. Es un juego que te obliga a pensar bastante y que te recompensa por ello. En este aspecto encuentro este juego mejor que aventuras gráficas como Phoenix Wright u Hotel Dusk que he jugado recientemente, pues en estas el abánico de opciones era tan amplio que muchas veces uno se perdía y, además, existía ese horrible defecto de las aventuras gráficas en el que no importa sólo lo "que" haces si no también "cuando" lo haces. La jugabilidad de este juego es sencillamente impecable, desde un principio sabes lo que tienes que hacer y no existen tiempos muertos con interminables diálogos o momentos en los que no sabes que hacer. El juego es increiblemente directo e, incluso es sus complicadas fases finales, esa sensación de aburrimiento y desesperación que aparecía en antiguas aventuras gráficas no aparece, en todo momento sabes que es lo que debes hacer a continuación y tu único objetivo es averiguar el como lograrlo.
A nivel técnico el juego es bastante resultón. Estetética pirata cell-shading que recuerda irremediablemente a la saga Wind Waker de Zelda pero que entona perfectamente con un humor y una historia marcadas claramente por una desenfadada estética manga. Escenarios coloridos y alegres, con unos diseños exageradamente definitorios y distintos entre sí. Hay algunos juegos de luces bonitos, pero el juego busca ser directo y sencillo y el perderse en detalles gráficos sería el mismo error que hacerlo en historias complejas o una jugabilidad rebuscada. La música resulta simpática, así como las voces, aunque no destaca demasiado. El control, como ya he dicho, es impecable, cualquier forma posible de usar el wiimote esta implementada, podemos reproducir cualquier movimiento factible con el mando de la consola (algunos están mejor reproducidos que otros pero también carece de sentido pensar que el juego va a reproducir los movimientos de alguién 1 a 1, hay que adaptarse al juego).
En resumen, el juego es, sencillamente una delicia. Un juego que te disfrutar pensando, y eso no suele verse mucho en estos tiempos.

Lo peor de Asimov

Asesinato en la convención

Esta novela me ha parecido, sencillamente, lo peor que he leído de "el buen doctor". No soy un gran aficionado a la novela policiaca o de detectives, y este libro no me va a enganchar al género. He leído un poco de Asimov (muy poco si consideramos la extensión de su obra), pero todo ello se encuadraba dentro del género de la ciencia-ficción, decidí darle una oportunidad a sus otros relatos y me he encontrado un libro que, si bien no es malo, no me entusiasma.
Para empezar, no creo que la novela de detectives. Entiendo que en los años de Arthur Conan Doyle era factible, pero hoy en día no creo que en el romanticismo de un detective inteligente siguiendo las huellas hasta encontrar un criminal que cree haber cometido el crimen perfecto. No he visto CSI, pero no creo que un crimen se resuelva en un día y que lo haga por la inspiración divina de un genio. Y este género de novela se basa en eso. Y además esta novela no la protagoniza ni siquiera un detective, si no un escritor que, conociendo a la víctima, parte de unas pistas que ningún tribunal aceptaría para afirmar que su amigo ha sido asesinado (algo que, por otra parte si no obvio no es descartable según la escena del crimen).
No obstante, a pesar de todo esto, la novela muestra el genio de su escritor. Porque "Murder in the A.L.A" es ante todo, una crítica mordaz ante la vorágine del mundo editorial y una parodia de si mismo. La acción se ubica en una convención de libreros y editores, y allí Asimov tiene cancha para destripar y criticar el mundo de los libros y su funcionamiento. Además, utiliza una extraña narrativa en primera persona en la que él mismo es un personaje que acompaña al protagonista (amén de unas curiosas anotaciones y de un juego con el lector sobre la autoría del libro) que resulta bastante divertida. Asimov escribió este libro forzado y decidió criticar en él a todo el mundo editorial que tanto le presionó, y disfrutó escribiéndolo... o eso o sencillamente pretendió quedarse con el lector desde un principio (lo cual no me parece para nada extraño viniendo de quien viene)

Puntapie a la SGAE

Centinela - Claustrofobia

Centinela es un grupo que recientemente he descubierto y que trata de abrirse paso en el díficil panorama heavy nacional. Siempre he estado muy encasillado en el power metal aleman y todo lo que se sale de él me cuesta bastante escucharlo; con este grupo me pasó eso al principio, es bastante duro y no se adapta demasiado a mis gustos pero, tras varias escuchas, no puedo si no rendirme ante el gran talento de esta banda albaceteña.Heavy en su más poderosa y tradicional faceta, es un grupo en el que predominan unos tonos graves y una batería contundente y para nada obsesionada con el doble bombo con una voz sencillamente espectacular (la variedad de registros y tonos del cantante es muy grande). El grupo tiene una fuerza que me recuerda el heavy británico más tradicional.
No obstante, si bien baladas de medio tiempo como "Esta noche" o maravillas estéticas como "La herida" o sencillamente temazos como "Pánico" convertían su disco anterior en una pequeña maravilla, creo que este me gusta más. "Pánico" era un disco duro, era increiblemente bueno y consiguió engancharme, pero este "Claustrofobia" me parece más melódico y acorde con mis gustos más tradicionales. "Nueva vida", "Voz" o "Sólo un respiro" son canciones sencillamente maravillosas, hinmicas, enganchan desde la primera oída. Y del resto del disco poco puedo decir al que no haya escuchado este grupo. Rock duro y directo, con unas guitarras quizás algo escasas pero que se marcan unos riffs grandiosos y una voz que me parece mejor cada vez que la oigo.
Iba a hablar tarde o temprano de este disco, pero he decidido adelantar un poco mi blogeo y aún sin haber escuchado demasiado el disco ya puedo asegurar que me gusta, la razón principal es la que da el título a esta entrada, y es que el disco se puede descargar integramente desde la página web de Centinela. El disco sale hoy a la venta y, con un par, el grupo lo ha colgado en su página para que todo aquel que quiera se lo baje legalmente y les escuche. Su objetivo no son las ventas en CD (que aún así seran copiosas) si no que su disco llegue a la mayor cantidad de gente, que sean descubiertos. Desde hace mucho he oído que los grupos no ganan demasiado con los discos (no así las discográficas) y que para ellos el verdadero negocio son los conciertos. Me gusta esta medida tomada por el grupo, yo soy un idiota idealista y tengo intención de comprarme el disco, pero aún así tengo que aplaudir la valiente actitud del grupo, su visión a largo plazo y sencillamente que su amor por su música este -relativamente- por encima del frío metal.

Guiño a la historia

One Piece 487: "Aquella canción"

Como llevo diciendo desde hace tiempo, esta saga de Thriller Bark no me esta terminando de convencer en su recta final, los combates han sido muy extraños y el que ahora nos coloquen el flashback de Brook no deja de ser algo casi fuera de lugar. No obstante, ante esto que casi oficializa la entrada de Brook en la banda, no me quejaré. Siempre ha sido muy complicado para Oda -y para cualquier mangaka- usar una herramienta tan poderosa y peligrosa como los flashback; mediante ellos conocemos mucho mejor a los personajes, pero también se corta el ritmo de la historia, y además se ha de sintentizar en 3 o 4 capítulos una historia lo suficientemente fuerte como para definir la actitud de un personaje durante el resto de la serie. Creo que, igual que Oda sencillamente lo bordó en la saga de Ennies Lobby - Water 7 con la inclusión de los flashback de Franky y Robin en momentos espectaculares, en esta saga no le esta saliendo todo tan bien. Por falta de enemigos y de historias secundarias, todo en esta isla se ha precipitado demasiado al final. Ahora toda el pasado del esqueleto músico.
Estaba en contra de este flashback. No le encontraba un momento propicio para narrarlo y creía que las pinceladas que se vieron durante el combate del esqueleto contra Ryuma eran suficientes. Me parecía genial la idea de que Brook no tuviese el tradicional flashback de la banda, porque su pasado ya lo habíamos vivido cientos de episodios atrás cuando Luffy y cía entraron en el Grand Line y se encontraron a Laboon. Creía que no hacía falta saber nada más del músico porque ya habíamos descubierto mucho. Creía que sería un error que se nos mostrase su pasado porque ello implicaría revelar su rostro en vida, y este podía ser un un hermoso misterio de la serie como lo es el ojo izquierdo de Sanji. Me equivocaba.
Oda no tiene piedad de sus personajes. Esa pequeña gracia que seria no mostrar nunca el aspecto original de Brook no podía imponerse ante la necesidad de conocer su historia. Porque ahora, no cabe duda, comprendemos el verdadero alcanze del drama de este personaje. Se estable la eterna pregunta de que personaje tiene un pasado más triste. Nami ha sido esclava de los tritones que asesinaron a su madre, Chooper mató por error a su padre, Robin ha sido perseguida toda su vida, los hijos de Franky mataron a su padre... y Brook ha estado sólo. En sus palabras advertiamos su tristeza y su dolor, pero sólo ahora que estamos viendo su historia comprendemos su verdadera tragedia. Resulta sencillamente desgarrador ver al alegre músico que Brook era hace 50 años, a su animada e idealista banda, el cariño que sentían por Laboon y como esta era verdaderamente una más de la banda; y Oda se lo va quitando todo poco a poco. Laboon es obligada a quedarse en Twin Capes, el capitán muere lentamente de enfermedad sin que sus nakamas puedan hacer otra cosa que verle morir. Y aunque aún nos falta por ver como terminan de morir todos, te saca las lágrimas ver a Brook -después de volver a la vida- caminar por la cubierta de su barco descubriendo los cadáveres de sus amigos.
Y durante 50 años Brook no ha podido hacer otra cosa que pasearse por esa tumba flotante de barco, entre los cadáveres de sus amigos, deseando morir pero atado por la promesa a su único nakama vivo. Un nakama que ahora sabe que esta viva.
Y durante todo ese tiempo ha canturreado la canción favorita de la ballena y de su capitán. La canción con la que se presentó ante la banda y que tanto Robin como Luffy conocen... son estos -junto al increíble drama desarrollado en sólo 20 páginas- los que convierten a One Piece en One Piece.

Paciencia recompensada

Spice and Wolf

En una temporada invernal más que floja pocos animes me han llamado la atención. Como imprescindible, unicamente considero la segunda temporada de Zetsubou; después, en un mar de mediocridad, hay unos pocos animes que me han llamado la atención y uno de ellos es este.
"Spice and wolf" nos colocá en un medievo ficticio, donde un mercader viaja entre distintos pueblos y, en uno de ellos encuentra a la encarnación de una diosa lobo. La diosa, Horo, se unirá a él en un viaje de peregrinación hacia su tierra natal.
Esta es una de esas series que se salen algo de la tradición frenética y directa de la animación japonesa en la que acción cede paso a un desarrollo pausado y cuidado de la historia. Es una serie que si bien en su trama principal es simple, en el resto es extremadamente compleja y densa; nos presenta un mundo complejo y muy elaborado donde los protagonistas son sólo unos viajeros más en un mundo que se mueve a gran velocidad. No obstante, si la trama principal es simple, no sucede lo mismo con los dos personajes principales, en especial Horo, una diosa enigmática, alegre a la par que triste, sabia y al mismo tiempo inocente, pero, por encima de todo, un ser triste y herido de soledad. La relación entre la diosa Lobo y Lawrence, el mercader, es un motor lo suficientemente potente para sostener un anime tranquilo y meláncolico que, a falta de ver su desarrollo final, parece una buena apuesta en esta temporada (como también lo sería en una temporada más potente).
A nivel técnico, la serie no destaca especialmente y ofrece un extraño contraste al ser, tanto el diseño de Horo como su animación, superiores a los del resto de personajes (quizás comprensible, pues la diosa-lobo destila carisma por los cuatro costados y es la gran atracción de la serie). No obstante, presenta unos bellos paisajes que son acompañados por un score notable y que, juntos, componen un marco entre triste y bucólico que concuerda perfectamente con el tono de la historia.