Regreso a casa

Las crónicas de Belgarath

Si tuviera que elegir unos pocos libros para llevarme a una isla desierta, esta particular pentalogía de David Eddings (así como su secuela), serían sin duda algunos de los libros que encabezarían la lista. Belgarath compone, junto con "El señor de los Anillos" y "Canción de Hielo y Fuego", mi podium de la literatura fantástica. Evidentemente la obra de Eddings no alcanza ni la épica, ni la perfección, ni la sencilla genialidad de ninguna de esas dos magnas obras, pero brilla tanto como ellas. Las crónicas de Belgarath, así como las de Mallorea, así como "Elenium" o "El tamuli" son obras tremendamente ligeras, absolutamente predecibles y carentes de emoción, y todas son un plagio entre ellas mismas pues Eddings no parece tener unas habilidades demasiado grandes como narrador... pero donde Eddings supera a cualquier autor es en sus diálogos. Su literatura no busca emocionar o angustiar, busca entretener y divertir, busca seducir con unos diálogos que parecen más sacados de una sitcom americana que de una obra de fantasía épica. Y es esto lo que hace tan grande a esta saga, porque son un pequeño refugio para el lector, un mundo aparte al que siempre puede regresar para escapar del mundo real y divertirse con las ironías de Seda, los caprichos de Ce´nedra, la socarronería de Belgarath, la rigidez de Polgara, la simpleza de los alorns, la malicia de los nyssianos o la estupidez de los arendianos. Es esta una saga que tiene la extraña virtud de alegrarme y arrancarme sonrisas e incluso carcajadas, algo de lo que muy pocos libros pueden presumir.

La senda de la profecía

Este es, sin duda, el libro más flojo de la saga. Es también el más corto y aquí Eddings nos presenta la historia. La historia, como es casi norma en sus obras, es muy floja. Eddings pierde un tiempo necesario en describirnos Sendaria, la hacienda de Faldor y todo lo que rodea al joven Garion, lo hace con pocas páginas y con gran agilidad pero aún así no deja de ser una historia plagada de tópicos y sin gran alicientes. Con la llegada de Seda y Barak la obra comienza a ser lo que verdaderamente es, pero aún así el viaje por Sendaria e incluso Cherek se hace demasiado pesado y superfluo por el innecesario misterio que el autor mantiene sobre la misión del grupo. Es un libro con buenos momentos, pero el ritmo y la velocidad son mejorables.

La reina de la hechicería

Como no podía ser de otra forma, la llegada de Ce´nedra revoluciona el libro y marca el comienzo de lo mejor de la saga. Ce´nedra y Garion componen una pareja con una gran química y, sobre todo, con una comedia desbordante debido a la actitud de la caprichosa princesa y la del práctico y simple protagonista. La primera parte es más floja, Arendia, siendo un pais fascinante por la estupidez y el idealismo de sus habitantes, repite los esquemas del anterior libro y se nota a un Eddings demasiado pendiente de describir sus paises. Llegados a Tolnedra, los protagonistas del viaje son los viajeros y no el paisaje, a partir de ahí vemos el paisaje como un marco para los diálogos de los personajes y no al reves. Además en este libro comienza a desarrollarse de verdad el personaje de Belgarion y se profundiza mucho más en las raices de la hechicería que protagoniza la saga.

Lo único que se podría echar en contra de este libro es que Nyissa y sus particulares personajes parecen desaprovechados (error que Eddings compensaría en "Las crónicas de Mallorea").

La luz del orbe

Este es un libro algo irregular, sin duda el más mágico de la saga. El viaje transcurre casi siempre por parajes muy desérticos y Eddings lo aprovecha para, mientras sus personajes intercambian sus clásicos comentarios sarcásticos e irónicos, explicar más los fundamentos teológicos y mágicos de su mundo. El recorrer estos parajes y el encuentro con varios dioses hacen que este libro parezca distinto a los anteriores, ahora la misión esta muy presente y no parece que Eddings nos este narrando una de sus habituales guías turísticas. La incursión en el país de los murgos, el enfrentamiento final con Ctuchick y la recuperación del Orbe cambian por completo la orientación de la obra y sustituyen el tono cómico que hasta ese momento ha prevalecido en la obra por otro mucho más tradicional.

El castillo de la magia

Quizás el mejor libro de la serie. Eddings enlaza el dramatismo del final del anterior libro y lo prolonga hasta prepararlo todo para el desenlace de la serie. A mitad, el autor se toma un descanso y solventa de una vez por todas el misterio de la ascendencia de Garion y de su relación con el Orbe (algo que era obvio desde la primera página del primer libro, que resultaba ridículo a estas alturas de la historia y que se había convertido en un gran y absurdo lastre), así como resuelve también el romance entre este y Ce´nedra. Toda la parte de Riva, tremendamente cómica y ligera, supone un entretenido contrapunto ante todo lo que está a punto de pasar. El libro después toma el camino de la más pura y simple épica, siendo especialmente hábil aquí toda la parte de Ce´nedra y su ejército, una parte que toma un aspecto mucho más dramático pero que no olvida del característico sentido del humor de la serie.

La ciudad de las tinieblas

Un buen libro con algunos grandes momentos, pero también el más extraño de todos. Eddings, por mucho haya querido evitarlo hasta este momento, esta narrando una gigantesca guerra y las casi inocentes escaramuzas de los cuatro libros anteriores tienen que dar paso a verdaderas batallas. Eddings, ante la importancia de los hechos que se supone enmarcan a sus personajes, se ve obligado a relegar el humor en favor de la tragedia. Hay muertes y hay desolación, y no es este un escenario en el que el autor estadounidense se muestre especialmente cómodo. Algunos pasajes resultan bastante inspirados, y el autor logra narrar con cierta solvencia una gran guerra, pero aún así es obvio que todo resulta algo forzado. Es un buen libro y Eddings logra además concretar un final más que digno al enfrentamiento entre un hombre y un Dios, pero la parte más disfrutable es el epílogo y durante todo el libro -como sucede también durante el primer volumen- se nota que la historia es una excusa para los diálogos y que el autor no disfruta cuando ha de invertir esos papeles.

En resumen, son estos unos libros tremendamente amenos y agradables. Un gigantesco viaje turístico (el autor tiene pasión por hacer que sus personajes recorran hasta el último centímetro del mapa de su mundo) en el que un grupo de simpáticos y agradables personajes se dedican a salvar el mundo sin agobiarse mucho y sin perder nunca el sentido del humor.

El precio del honor

Helloween - Keeper of the seven keys - the legacy

Sin duda alguna este disco supuso, en su primera oída, el mayor insulto que Helloween podía haberme hecho como seguidor. Es mucho lo que se vincula a las palabras "Keeper of the seven keys", es mucho lo que significaron aquellos dos míticos discos que revolucionarion el panomara del heavy a finales de los 80 y podemos considerar que inventaron el "happy-metal". El "Keeper II" fue el disco que hizo que pasara del rock al heavy. Son palabras mayores y creo que fue un gran error por parte de los Helloween actuales el atreverse a lanzar un disco con este nombre.
Parece ser que las presiones principales provenían de su discográfica. Helloween no se encontraba en su mejor momento en el 2005. Después del resurgir de la banda que supuso la llegada de Andi Deris y de tres discos tan buenos como lo fueron "Master of the rings", "The time of the oath" y "Better than raw", la banda publicó en el 2000 un albúm que, si bien era terriblemente bueno, también era un paso más en la "oscuridad" que la banda había comenzado con la llegada de Deris. "The dark ride" fue la despedida de Grapow y Kusch, tras ello la banda probó una nueva formación pero "Rabbits don´t come easy", si bien era un trabajo alegre y con reminiscencias del pasado, era también un disco claramente inferior a los anteriores de la banda. En este escenario, Helloween se vio obligado a grabar toda una declaración de intenciones. Ese disco fue llamado "Keeper III", un nombre que haría que vendiera millones pero que también lo predisponía a ser odiado por todos los seguidores de la banda.
Los Helloween actuales son, es obvio, muy distintos a la banda que fueron a finales de los 80. De aquella banda sólo quedan dos miembros. El virtusismo de Kai Hansen ha encontrado sucesores, pero no así su talento compositor. Andy Deris supera por mucho a Michael Kiske en el aspecto compositor, pero su particular voz esta muy lejos de la suya. Y Weikath ya no parece componer tanto como antes. El sónido de aquellos dos discos era irrecuperable y las comparaciones demasiado inevitables como para omitirlas. Por comparación con sus predecesores, el "Keeper III" esta destinado al fracaso.
No obstante, hemos de valorar el disco individualmente. Aquí podemos decir que si el disco se hubiera llamado de cualquier otra forma, estaríamos hablando de un disco magnífico. El nivel compositor de la banda se muestra muy alto y encontramos una banda bastante inspirada y afianzada en un partícular estilo músical que podríamos considerar como una evolución sobria o sombría de aquel happy-metal que los hizo célebres. El nombre, no obstante, no aportó solo una fácil y preocupante comparación, motivó a la banda a hacer el que sin duda ha sido su disco más ambicioso hasta la fecha. Este "Keeper III" es un disco terriblemente complejo, largo y denso, variado y diverso y dotado de una producción sencillamente impecable. Esta ambición juega en ocasiones a favor de la obra, pero en otras en contra y creo que el disco podría haberse visto reducido hasta una duración normal. La propia banda fue víctima del peso del nombre y, si bien creo que les motivó de sobremanera, creo que esta misma motivación hizo que en algunos momentos se excedieran (sobre todo en la duración de algunos temas). En este aspecto su trabajo posterior -"Gamblit with the devil"- agradece esa falta de presión y esa mayor libertad, confianza y relajación de una banda que ya tiene poco que demostrar.
Pero hablaré ya de las canciones del disco pues, obviamente, es lo más importante. La primera canción es quizás la mejor de todas "The king for a 1000 years", una canción de casi catorce minutos que enlaza con la mítica "Keeper of the seven keys", es más oscura que esta y creo que se asemeja más a "Halloween" pero aún así nos muestra una variedad notable y algunos momentos sencillamente memorables. "The invible man" creo que enlazaría con "Dr.Stein", una canción que si bien no termina de emocionarme al principio con su duro y grave comienzo después evoluciona hacia una melodía pegadiza y que -como todo el disco- muestra una complejidad y variedad increible. "Born on judgment day", "Pleasure drone", "Silent rain" son temas que podemos identificar como 100% Helloween de estos últimos años, rápidos y contundentes, pero también más graves que los que la banda firmaba antes de la llegada de Deris. "Mrs. God" es un tema muy raro, lo enlazaría con "Perfect Gentleman" y quizás "Future world" por su particular y marcada melodía. "Ocassion avenue" es sin duda uno de los temas más complejos de la historia de Helloween, muy variado y dotado de una extraña épica y grandilocuencia que lo alejan algo del heavy siempre directo y frenético de la banda, podríamos decir que es el mismo concepto de "A king..." pero aún más refinado, y hay que mencionar aquí el excelso trabajo que Deris -de cuya voz no soy un gran seguidor- se marca. "Light the universe" es la balada del trabajo, un tema de medio tiempo a duo con una mujer, bonito y sentido, pero no a la altura de las baladas que el mismo Deris nos mostró en sus primeros discos con la banda. "Do you know what you are fighting for" es un tema con una fuerza inusual en la banda, es un tema callejero que se acerca más a la época del "Pink bubbles go ape" que a los refinados y sibaritas Helloween actuales. El disco concluye con unas canciones mucho más tradicionales, "Come alive" y "Get it up" son unos excelentes temas de heavy, rápidos y contudentes. "The shade in the shadow" es el tema más rápido, un tema quizás demasiado guiado por la voz pero terriblemente pegadizo. Y el disco finaliza con "My life for one more day", tema con claras reminiscencias a los Keepers pero también dotado de una fuerza en los coros que lo asemeja al heavy actual.
En resumen, este "Keeper III" no es uno de los mejores discos de Helloween, tampoco es uno de los mejores de la época de Deris (y particularmente siempre he colocado el "The time..." antes que el "Keeper I"). Pero es un trabajo interesante. Música muy elaborada y muy ambiciosa. Guitarra, bajo, bateria y voz rinden a un nivel excelente, y todo ello se rodea con una grandiosa producción que pone a disposición de la banda teutona todos los recursos imaginables. El disco no hace honor a su nombre, pero bajo cualquier otro nombre estaríamos hablando de un disco más que notable al cual sólo su desmesurada duración le separa del sobresaliente.

Escritura autocomplaciente

El juego del Angel

"La sombra del viento" fue todo un "boom" literario que se convirtió en uno de los mayores best-sellers de estos años y aupó a Carlos Ruiz Zafón hasta lo más alto del panoráma literario internacional. No era, ni mucho menos, un mal libro. Era una novela con un ritmo rápido y un lenguaje terriblemente accesible, tenía una buena colección de personajes y una historia que -si bien no era excesivamente original- estaba agilmente narrada y atrapaba al lector. No obstante, lo que hacía especial a aquel libro era el terrible amor por la literatura que se desprendía de sus páginas.
En esta novela, que cuasi podríamos considerar su precuela, Zafón vuelve a viajar a su Barcelona prenatal para convertirla en una ciudad brumosa y cuasi victoriana en la que los personajes vagan como ánimas buscando sentido a su vida y sus acciones. El autor vuelve a convertir su pasión por las letras en el eje del libro, siendo esta vez el protagonista un escritor y viendo a través de sus ojos la importancia de escribir para él y como plasma casi literalmente su alma en sus libros. Como pasaba en "La sombra del viento", este autor se verá envuelto en una serie de acontecimientos que incluyen desde amores imposibles hasta fantasmas del pasado y extrañas conspiraciones. Es un libro distinto a su predecesor, con un argumento mucho más mágico y ambicioso, pero esto se convierte por desgracia más en una losa que en un acicate para la lectura.
El planteamiento del libro, su primera mitad, es impecable. Tanto los personajes como los escenarios son excelentes, el retrato de David Martín y de su vida y existencia como escritor son magníficos, y así mismo todo lo que rodea a Andrea Corelli esta envuelto en un sugerente halo de misterio que atrapa al lector. Por desgracia todo esto desaparece cuando el protagonista se olvida de escribir y se dedica más a arreglar su vida, sucediéndose acontecimientos sin demasiado sentido. Toda la conspiración que heredamos de tiempos pretéritos no tiene mucho sentido y su resolución es poco menos que frenética y apresurada. Los personajes comienzan a actuar de una forma casi ilógica (mención especial aquí para los extraños enamoramientos casi instantáneos que ya aparecían en la anterior novela y que aquí son más fuertes incluso). Todo el sugerente esoterismo se refugia en una descarada ambigüedad para evitar responder al lector.
Evidentemente Zafón ha tenido una presión monstruosa a la hora de realizar este libro. Se agradece que, aunque el corazón sea similar al de "La sombra del viento", haya querido crear un libro distinto. No obstante, es un libro demasiado autocomplaciente, donde la historia siempre parece querer ser más la que el autor quiere escribir que la que la propia historia pide ser. Zafón se vale de la magia que invade su Barcelona de primeros de siglo para tender sin disímulo numerosas trampas al lector y engañarlo.
El estilo de Zafón es muy ameno, y el gran trabajo que ha llevado este libro se constata en los excelentes diálogos que reflexionan sobre la literatura y su significado, pero la historia es significativamente menos interesante y coherente que la de su anterior obra.

Por muy gloriosa que sea, una despedida siempre es triste

Ace Attorney: Phoenix Wright - Trials and tribulations

Phoenix 3 es un juego agridulce, es seguramente el mejor juego que he jugado en mi pequeña DS, pero es también la despedida de un pequeño grupo de personajes que se han ganado mi afecto y cariño desde que los descubrí hace ya más de un año. Advierto, y nunca pensé que diría esto en un análisis de un videojuego, que en esta entrada hay SPOILERS del juego.
A nivel jugable el juego no introduce ninguna novedad con respecto a su segunda entrega, aunque la mecánica que se nos planteaba entonces ya estaba muy depurada y solventaba los puntos flojos del primer juego. El juego sigue teniendo algunos problemas a nivel de jugabilidad intrínsecos al género de las aventuras gráficas pues no hay videojuegos en los que quedarse atrancado sea más frustrante que estos. No obsntate, es un precio a pagar por el argumento. Yo siempre he defendido que el argumento es algo innecesario en un juego, el argumento debe supeditar la jugabilidad y no al reves. Tratar de introducir un argumento es un juego de rol es absurdo pues al final siempre se limitará a derrotar a los malos recoger items. Siempre he pensado que es absurdo que tengas que rescatar a alguién, puedas tirarte dos días dando vueltas alrededor de la ciudad y de la casualidad de que cuando entras se esta llevando la ejecución que debes detener. Como leí hace tiempo "Zelda no es otra cosa que el último item a recolectar por Link", y siempre he estado a favor de esa teoria. Pero de vez en cuando aparecen juegos que me hacen tragarme mis palabras. Son, claro, las aventuras gráficas, donde todo esta supeditado al guión, donde si tardas demasiado en ir a los oficios te expulsaran de la abadía. "Ace Attorney" es un juego que se encuadra en este género con una partícular y atractiva formula de juicios, y en esta tercera entrega alcanza su punto más álgido.
"Phoenix 3" nos propone cinco brillantes casos. Cinco casos que si hubiera que seleccionar los 10 mejores de la saga estarían entre ellos sin vacilar. Desde un prólogo muy bien planteado y terriblemente emotivo por ponernos el papel de Mia y presentarla como la defensora de Phoenix, hasta un tercer caso -tradicionalmente el más flojo de la serie- que compensa su falta de peso en la historia principal con una trama muy cuidada y divertida y con una galería de personajes y situaciones terriblemente originales. Sin embargo esta serie ha sido planteada como un cierre de la saga de Phoenix y como un regalo para los fans, introduciendo como jugable al personaje de Mia y reservándonos un auténtico regalo en el quinto caso como es el manejar a Edgeworth como abogado y enfrentarlo a Franziska. El juego, por primera vez, nos presenta una línea argumental muy clara a lo largo de todo el cartucho, con una villana claramente definida que hará estragos en tres de los casos del juego. Y por supuesto el juego es una reunión de todos los personajes de la saga, devolviéndonos al mejor Edgeworth, divirtiéndonos más que nunca con Dumshoe, dandóle a Larry el protagonismo que siempre ha merecido y haciendo crecer como nunca el vínculo entre Phoenix y el clan Fey. El juego afronta todos los frentes abiertos en otros juegos y enlaza su historia con casos del primer y segundo juego, trayendo a la primera línea de acción a la pérfida madre de Pearls y rescatando el misterio de Misty Fey.
La amargura de este juego ya la he comprobado al jugar al Apollo Justice, como dije en su día aquel me parece un juego más que digno y una entrega que no desmerece en absoluto la saga pero, al margen de lo poco que me guste la sustitución del megatama por los tics, al jugarlo se sentía la sensación de haber dejado atrás de mala manera a una gran y querida familia de personajes. Apollo y Trucy son un par de protagonistas más que sobresalientes si tenemos en cuenta el peso del legado que soportan, pero aún así aún estan muy lejos de Phoenix y ese par de disparatadas ayudantes que tiene que son Maya y Pearls. Emma es un personaje que hereda su carisma de su graciosa intervención en el caso extra del primer juego, pero que casi inspira lástima al ser reducida a un intento de Gumshoe. Los Gavin son personajes interesantes, pero estan lejos del monstruoso carisma mostrado por Mia y ese cuarteto de fiscales legendarios que son Egdeworth, Manfred y Franziska vonn Karma y Godot. Y ninguno de los testigos presentados llega a la altura de una Lola o una Oldbag, ya ni hablar del gran Larry. Estoy seguro de que todos estos personajes reapareceran de alguna manera en la saga de Apollo, pues el futuro que nos mostraron de Phoenix era muy triste y a todos nos ha quedado la duda de saber que ha sido de las Fey y del resto de los personajes. No obstante, a pesar de estos esperados retornos, no dejaran de ser cameos en una serie que supuestamente ha de crecer con sus propios personajes. La sensación que el jugador tiene al finalizar este juego, cuando ve la preciosa imagen de Mia y Maya reparando el jarrón de Ami, la mística, y cuando imagina la cena de todos los protagonistas es la de haber asistido al final de algo muy grande.
Resulta, no obstante, curioso como el quinto caso, quizás más flojo que otros de la saga y desde luego mucho menos profundo a nivel de "reflexión judicial" resulte el más espectacular de todos los de la saga por su increiblemente alto componente emotivo. En el primer juego se abordaba el tema de la prescripción de los delitos, en el segundo Phoenix se veía obligado a defender a un culpable nato. En esta tercera entrega se ha optado por cerrar las líneas argumentales de los personajes, pero aún así en el segundo caso encontramos la interesante sugerencia del "doble juicio". A lo largo de los tres juegos de Phoenix se han planteado algunos problemas de la justicia que cristalizan en el último caso de la cuarta entrega de la serie, es un extraño camino y sentido al que la serie nunca ha renunciado y que me parece bastante acertado. Ahora resta ver que sucederá en el "Ace Attorney 5" y en el primer spin-off de la serie, el esperado juego que nos colocará en el otro lado del juicio y que obviamente no podía estar protagonizado por otro que no fuera Miles Edgeworth.
A nivel técnico poco se puede decir, es un título obviamente muy básico, aunque hay que remarcar el trabajo de Nintendo en su localización. Las voces en castellano, si bien no muy bien acertadas, se agradecen. La traducción de los textos es, sin embargo, maravillosa. No solo está perfectamente adaptado a nuestra cultura e incluye numerosos gags y expresiones coloquiales, si no que todas las pantallas han sido cuidadosamente traducidas.
Extensa reseña para un juego que se merece todas estas palabras y más. Seguramente el mejor juego de la pequeña consola de Nintendo.

Otra forma de "tocar los cojones"

One Piece 518 - "Arena de Batalla".

Este es un episodio raro de One Piece, tiene cosas buenas y cosas malas, elementos originales y topicazos de la serie, tiene comedia y tiene acción. No obstante, creo que el resultado final conforma el mejor episodio de lo que podríamos considerar la saga de "Amazon Lilly". La saga ya ha evolucionado y parece encarar su recta final. Los elementos de comedia van a quedar atrás pues Luffy ha presenciado el que seguramente sea el acto que menos podría perdonar en el mundo: el desprecio de un capitan hacia sus subordinados.
Vayamos por partes. El secreto de Boa parece, o demasiado importante, o demasiado absurdo. Particularmente no me ha gustado nada que Oda nos lo haya ocultado después de insinuarlo tan claramente. Es una trampa narrativa que no me gusta nada, pero supongo que el mangaka lo reservara para dentro de un par de capítulos a fin de no agobiarnos con una batalla presumiblemente larga entre el protagonista y la shichibukai y poder detener esta con una revelación impactante. No obstante, además de esta trampa, la primera parte del capítulo nos deja uno de los momentos cómicos más memorables de la serie como es el uso del rayo "mero mero" de Boa contra Luffy y la estúpida indiferencia de este hacia su escultural belleza (más a tenor de que nuestro pirata la ha visto desnuda). La sencillae perplejidad de Boa, sus dos hermanas y el propio Luffy entra por la puerta grande en la galería de "grandes expresiones faciales" de la serie que la banda ha conseguido arrancar a villanos tan supuestamente terribles como Arlong o Enel en los momentos más inesperados. No obstante aquí ha acabado la comedia.
He titulado esta entrada de una forma tan malsonante en homenaje a Margaret y su obsesión por los "kintama" de Luffy. Esta castiza expresión de nuestro idioma podía ser interpretada comicamente en su variante más literal, ahora no. Boa ha cabreado a Luffy como sólo los grandes y más mezquinos villanos de la serie lo han hecho. Como un noble que intenta vender a Camie, como un cobarde que secuestra a Robin, como un estúpido que se rie de los sueños de un hombre. Y en el crimen de Boa hay algo peor, pues no respeta a sus nakamas, y si en el caso de Barbanegra ello ya era terrible, en el caso de un capitán es mucho peor.
Esta saga parece evidentemente corta (Oda no podría explicar bien alejar al resto de la banda durante demasiado tiempo) y ello lo resiente en momentos como en el que Margaret y compañía declaran en favor de Luffy, algo muy forzado en sus personajes por muy nobles que se hayan mostrado hasta ahora. Pero era necesario, el desprecio de Boa hacia ellos la ha perfilado definitivamente como una "bruja" y una enemiga irreconciable para Luffy. Y los gritos de admiración de sus seguidoras han pasado de ser divertidos y simpáticos a resultar verdaderamente grotescos y aberrantes. Toda la crudeza dictatorial de la isla ha explotado de repente y no hay mejor crisol para la cólera de Luffy. El capitán ha comenzado dejando KO a la pantera gigante y esta cabreado como pocas veces lo ha estado.
La duda es saber que pasará a partir de ahora. Resulta casi obvio que las dos hermanas de Boa no son rivales para el Luffy actual, aún sin dominar el "haki" su "espíritu" no necesita ahora más acicates, y aún tiene en la recámara sus dos marchas. Sin embargo, una vez eliminadas ellas, queda Boa, rival que ya ha mostrado con un simple beso que tiene algo más que su belleza y su rayo petrificador. Pero resulta casí insultante para Oda pensar que nos va a mostrar ahora una batalla de 5 o 6 capítulos contra una shichibukai que no haría avanzar nada la historia. Sería algo completamente prescindible y tanto la actitud de Kuma como la espalda de Boa nos invitan a pensar que pasará algo más. Como siempre, en Oda confiamos.

Sabor a OVA noventera

Tetsuwan Birdy Decode

Serie producida por Gonzo en la pasada temporada veraniega, narra la historia que ya se contó en unas OVAs hace casi una docena de años. La historia es bastante simple y nos coloca en la piel de una oficial "de policía" intergaláctica que, tras matar a un joven terrícola, se ve obligada a compartir su cuerpo con él. De esta manera compartiran cuerpo un joven estudiante japones y una policía intergalactica. Evidentemente el argumento es una soberana chorrada y además no es una oda a la originalidad, no obstante, lo interesante en esta serie es su forma de contarlo. Ya que la serie rebosa por los cuatro costados de esa simplicidad y contundencia que caracterizaban a las OVAs hace años, cuando se era capaz de adaptar un manga de varios tomos en poco más de media hora.
Como en series como "Gun Smith Cats", la personalidad de los personajes queda definida casi inmediatamente y, una vez hecho esto, la serie se limita a narrarnos un episodio donde se intercala comedia con una acción planificada especifícamente para ese producto. Algo así puede considerarse que sucede en esta serie, amplíandose el margen de tiempo de 4 OVAs del producto original a unos 13 amenos episodios de fácil consumo.
El argumento nos plantea algunas preguntas del tipo del fin justifica los medios y el mal menor, pero lo hace casí más por no poder evitarlas que por desearlo, y para ellas la respuesta siempre es un optimista mensaje del corte de "la fuerza de la voluntad lo puede todo". Es un anime marcadamente comercial, alegre y optimista. Así pues, el gancho de la serie reside en Birdy y Tsutomu, siendo esta una relación bastante conseguida. Birdy es relativamente caprichosa y ligera, pero en ningún momento deja de lado sus responsabilidades; Tsutomu se muestra molesto en algunos momentos por la situación que vive, pero siempre mantiene una optica bastante realista de la situación. Particularmente creo que es un acierto que no se haya forzado demasiado el cliché de "pareja de opuestos" para reforzar la vena cómica, pues beneficia la credibilidad de la serie y refuerza -por paradójico que pueda parecer- el humor. En este aspecto habría que valorar también el hecho de que la series esta plagada de fanservice pero apenas muestra fanservice, muy meritorio es que con una protagonista que vaya medio desnuda no haya ni una sóla referencia -ni verbal ni visual- a este aspecto.
La acción nos lleva a valorar el apartado técnico de la serie. Son unas batallas muy fluidas y rápidas; Birdy se mueve con movimientos de artes marciales, pero todos ellos exagerados por su fuerza, velocidad y flexibilidad desproporcionadas y por una cuidada elección de habilidades extraterrestres. La animación de Gonzo -como siempre- es irregular, pero alcanza sus niveles más altos en las escenas de lucha y aquí la serie, si bien no es prodigiosa, ofrece un digno espectaculo. Los paisajes suelen ser bastante estáticos y ni siquiera en el espacio hay un gran alarde de diseño. Los rostros mantienen un buen nivel de animación, pero en ocasiones se producen algunos altibajos que -unidos a la particular animación- resultan imposibles de pasar por alto. En cuanto a sónido, score y trabajo de seiyuus pueden considerarse correctos, y únicamente destacaría un opening que por alguna razón me ha gustado bastante.
En resumen, no es un gran anime y no pasará a la historia de la animación, pero la historia es simpática y esta narrada con el simple y contundente ritmo de unas OVAs.

El día que Rubel se quitó su (primera) máscara

Claymore 84 - El embajador hechicero

Yagi ha jugado a la perfección convirtiendo un capítulo que supuestamente debía darnos respuestas en uno que no hace si no plantearnos más preguntas todavía. Rubel se ha confirmado como uno de los personajes más interesantes del manga, y es de agradecer que no lo haya hecho a expensas de Clare. Omitiendo por unos instantes lo que casí podríamos considerar como relleno de Riful, lo importante de este capítulo viene de la mano del "hombre de negro" y de sus particulares jugadas.
Resultaba casi evidente que sería el informador de Miria (Yagi no ha manejado a muchos más personajes de la organización y este era el más propicio para acerca a Clare a la trama principal), sin embargo nuestro autor ha conseguido sorprendernos revelándonos este asunto desde el principio y revelando que el rol de Rubel no es otro que el de ser un espía de la nación de los dragones. Entra aquí en conflicto una guerra política mucho más complicada y enrevesada que la sencilla venganza y paz que buscan nuestras protagonistas; no creo que sea un aspecto que ahora mismo vaya a importar mucho pero sin duda es un recurso que Yagi se guardará en la manga para complicar la historia cuando lo considere necesario. No obstante, la revelación de Rubel disipa en parte las posibilidades de una guerra interna dentro de la Organización, lo cual posiciona a esta descaradamente como uno de los enemigos principales de la serie.
No obstante, Rubel juega con otra baraja distinta a la del resto y sus intenciones aún no estan claras. Su objetivo claro es debilitar la organización para que él y los suyos se apoderen de ese mundo cuando se encuentre más débil, pero es un personaje cuyos planes dependen de las circunstancias y por lo que precisamente es dificil de predecir. Siempre es mucho peor alguién que se vale de la verdad que alguién que miente, y aquí lo vemos con este personaje manipulando a Miria a través de la revelación de la gran guerra para provocar una sublevación inmediata. Es obvio que Rubel teme lo que Miria, Clare, Hellen y Deneve son, pero es igualmente obvio que entre estos dos bandos se ha establecido una tregua no escrita en la que ambos se benefician mutuamente mientras esperan la inminente muerte del contrario. Yagi ha planteado aquí un escenario bastante interesante.
En mitad de esta pequeña partida de ajedrez, el autor nos ha vuelto a colar a Renee y a Riful, trama que pensaba que omitiría pero a la que le está dando una presencia muy notoría. Así pues, parece que en cierta manera será el próximo gran enemigo de la banda principal. Ahora mismo apostaría por una resurrección de Rafaela y una huída de Renee mientras las dos abisales luchan, un encuentro de esta con Clare y una unión de esta a la batalla con una Rafaela capaz de contener su demonio; sería una forma aceptable de matar a Riful y Yagi podría colocarnos una escena tan imponentes a nivel dramático como la de Clare matando a una Rafaela que intenta contener a su demonio. No obstante, y es obvio, son meras conjeturas mías.
En los últimos 15 capítulos el ritmo de Claymore se ha visto radicalmente afectado por la forma en la que la historia se ha visto diversificada y amplificada. Ahora mismo, como si de un buen episodio de One Piece se tratara, es imposible saber que es lo que sucederá en el siguiente capítulo.

La sombra de Dadan es alargada

One Piece 517 - "La hora del baño"

Este 517 ha sido un episodio descaradamente de transición de One Piece que no ha tenido como fin el otro que profundizar algo más en el que, seguro, es uno de los personajes favoritos de Oda: esa versión potenciada hasta el infinito de Nami que responde al nombre de Boa Hancock.
Uno de los arquetipos más comunes del mal es el de la bruja, una bruja terriblemente hermosa pero también repleta de odio que resulta imprevisible tanto para aliados y como enemigos y que bajo su carcasa puramente emocional responde a una frialdad espectacular. Nami encarnaba un rol parecido en la serie al principio de esta, hasta que Luffy le ayudo a superar su pasado y se convirtió en la navegadora del grupo. Boa tiene todas las características de aquella ladrona elevadas al máximo. Es, evidentemente, terriblemente hermosa y sensual, y ello lo aprovecha para manipular a todos los personajes (aunque seguramente no se engañe a si misma) y salir indemne de sus acciones. Boa se comporta como una mujer a la que todo lo que le ofrecen le parece poco y escaso para lo que ella cree merecer. Sus aires de superioridad y su desprecio hacia todo lo que le rodea son sencillamente espectaculares. ·Es una lectura un pelín arriesgada, pero me gusta como en este capítulo desprecia tanto el futuro como el pasado. La belleza siempre se ha considerado efímera, pero parece ignorarlo y aprovecharla al máximo durante "su primevera".
El desprecio hacia el regalo de los niños la retrata a la perfección, pues es una soberana que parece despreciar absolutamente a su pueblo. Esto se complementa con el trato dado a "Gloriosa" y como ignora absolutamente los consejos de alguién mucho más sabia que ella. A Boa, todo lo que no sea ella, le importa bastante poco.
Aquí, en el mundo despótico de esta gran diva, hay algo que me ha llamado la atención, y es como Oda ha introducido la cultura como elemento manipulador de las masas. Las habitantes de Amazon Lilly bien en la más absoluta ignorancia, desconocen todo lo que hay más allá de sus fronteras y no tienen otra alternativa que creer las palabras de Boa (aquí entra en escena la teoría de que el mito de la Gorgona sea un truco de la shichibukai para ocultar su fruta, aunque los motivos de esta maniobra los desconozco). Evidentemente, "One Piece" no es "1984", pero resulta interesante como Oda aborda temas tan importantes como la esclavitud y la guerra, y como aquí nos muestra algo que ya nos explicó en Ohara: el arma que más temen los dirigentes son los libros. En Ohara el gobierno mundial exterminó una isla entera por acercarse demasiado a la verdad, aquí una de las secuaces de Boa se rie de una anciana venerable cuando esta le pregunta si han traído libros y le responde que han traido joyas y dinero y no necesitan nada más. Esta ignorancia, la posibilidad de los marines de llegar hasta esa isla gracias -otra vez- a Vegapunk y el delicado estatus de Boa como Shichibukai no hacen si no incitarme a pensar que la revolución de Dragon llegará pronto también a esta isla.

Y en mitad de este lienzo que Oda ha creado en honor a su nueva y divertida musa, aparece Luffy. Luffy, con sus estupideces habituales y su ilógica lógica, se ha plantado enfrente de la mujer más hermosa del mundo y nos ha sorprendido con la inquietante sugerencia de que ya ha visto esa espalda antes. Partiendo de que Luffy dificilmente haya visto a la original medusa a la que supuestamente batieron Boa y sus dos hermanas, esta frase trae a la primera línea de la batalla el siempre sorprendente pasado de Luffy. Ya se ha hablado mucho sobre Kuma y cual sería su intención al enviar a Luffy junto a Boa, ahora parece que existe alguna relación entre ambos. En One Piece todo puede pasar, Boa puede llevar el tatuaje de Barbablanca en su espalda, pudo haber llegado al pueblo de Luffy muchos años atrás y resultar ser su madre o una antigua novia de Ace, puede ser incluso la hermana de Shanks o la hija misma de Sengoku. La sombra de Dadan es demasiado alargada y todo parece indicar que en el siguiente capítulo tendremos una de esas grandes revelaciones que son marca de la casa.

Extraño híbrido de géneros

Kure-nai

Es esta una pequeña serie que he visto estos días y que, sin ser nada del otro mundo, es bastante agradable. Es una serie corta (12 episodios) que narra la vida conjunta de un joven y de una niña. El joven arrastra un trauma infantil y vive bajo la ambición de ser fuerte, la niña, de apenas 7 años pertecenece a una familia aristrocrática que la ha condenado a vivir encerrada en un edificio como si no existiera de cara al mundo exterior. El encuentro entre estos dos personajes les hará crecer a ambos.
El argumento no es excesivamente original, y me recuerda mucho, por ejemplo, al de "Speed Grapher", pero el desarrollo de la serie es muy bueno. Kurenai es un joven traumatizado por la perdida de sus padres que ambiciona "ser fuerte" (aunque en el fondo ni siquiera sabe muy bien que es lo que quiere) y Murasaki es una niña destinada a convertirse en una muñeca de porcelana para su clan. La segunda aprenderá lo que es el mundo real a raiz del primero, y este a su vez encontrara una inspiración para superarse y tomar las decisiones que hasta entonces siempre ha reusado. La relación entre estos dos personajes es preciosa, creciendo el uno gracias al otro, mostrándonos la vida cotidiana de ambos y la forma de afrontarla de cada personaje. Kurenai es un personaje bastante tópico y muy autocomplaciente, pero Murasaki -partiendo de una personalidad también bastante tópica- es un torrente de carisma y personalidad. Junto a estos personajes aparecen las compañeras de piso del protagonista (poco menos que una ninfómana y una nihilista), así como las de instituto (una antisocial convertida en hacker y una "princesa" que no es otra cosa que la heredera de un clan de asesinos). El conjunto es, cuanto menos raro, pero la serie lo maneja a la perfección. No mentiré, el "espolón" -una característica del cuerpo del protagonista- parece una concesión fácil del conjunto de novelas y el manga en el que se basa el anime, no tiene mucho sentido con el enfoque que se le ha dado a la historia y creo que sobra. Pero el resto de la historia y el desarrollo, tanto de esta como de los personajes, es notable.
El ritmo de la serie es lento pero continuado, y se intercalan a la perfección momentos de drama con otros de humor o simple acción. La serie también presenta una buena reflexión sobre la pasividad de la sociedad actual o sobre el anclaje de la cultura japonesa en cuestiones absolutamente impensables en el mundo occidental.
Visualmente la serie es una gozada. La animación tiene una calidad que podríamos considerar media-alta, pero al ser esta siempre muy regular creo que se le podrían subir un par de puntos más en este nivel. El diseño de los personajes es muy bueno y todos resultan claramente identificables (aquí mencionar el graciosisimo -en el sentido más tradicional- diseño de Murasaki). A nivel sónoro la serie no me ha parecido excesivamente notoria, y opta además por una música de estilo tradicional en muchas ocasiones, pero ni mucho menos se puede considerar que sea un lastre para la serie (aunque el tono alegre del opening y el ending no deja de descolocarme). El casting de seiyuus y sus interpretaciones también resulta apropiado. Y aquí, aunque es algo que normalmente no hago en este blog, tengo que dar las gracias a la gente de Tanoshii fansub por esta mágnifica versión de 720p que nos han brindado. Una calidad excepcional.
Es, en resumen, una serie que si bien queda muy lejos de ser imprescindible, narra, y narra bien, una bonita historia de amistad entre dos personajes que se encuentran solos y que logran crecer ambos gracias a esa unión. Un anime corto, ligero pero poso, que alterna comedia y acción con acierto y que se ve realmente bien.

Día histórico para el blog

Este mío es un blog raro. Apenas hablo de mi mismo y me limito a comentar mis aficiones, abarcando manga, anime, música, videojuegos y libros. Y hoy -ayer en verdad- fue un día a marcar en mi calendario porque pude por fin anotarme una muesca que llevaba muchos años persiguiendo. Después de mucho tiempo he conseguido por fin sacar tiempo y ganas para completar la lectura más imprescindible de todas. Un tesoro de la nación misma española. Una joya de las letras castellanas y de la literatura universal misma. El libro más importante de la historia tras la Biblia.

Don Quijote de la Mancha

Es este un análisis que me da algo de miedo, pues no creo que exista libro que haya sido más estudiado a lo largo de la historia. Mi reseña, caso de intentar ser ligeramente pretenciosa, sería absolutamente pedante, así que me limitaré a comentar mis impresiones sobre la inmortal obra cervantina.
Si recomendaría la lectura o no de este libro no sabría decirlo. Es una novela que me ha parecido entretenida por momentos, pero también muy aburrida en otros. Es un libro terriblemente largo, denso y complejo, y hay partes que resultan mucho más entretenidas que otras (otras entre las que hay partes que sencillamente me han resultado aburridas).
Creo que el libro se maneja mucho mejor en sus inicios, cuando presenciamos las salidas de Don Quijote de su aldea. El ritmo es entonces más fresco y la locura de caballero y escudero más divertida. Particularmente he disfrutado mucho con las peripecias de tan singular pareja, pero hay un momento en el que se hacen pesadas. Cervantes nos coloca muchas veces una aventura detrás de otra a una velocidad prodigiosa, y en ese caso se me hacen pesadas. Y el otro caso es el contrario, cuando enmarca demasiado tiempo la acción en un mismo escenario (ya sea la venta en la primera parte o el castillo de los duques en la segunda), la historia tiende a desviarse demasiado de la pareja protagonista y al menos yo pierdo gran parte del interes.
Si tuviera que señalar algunos defectos, el primero sería la inclusión de otras novelas dentro de la propia obra. No hablare de todos los recursos narrativos que Cervantes muestra -e incluso inventa- en estas novelas, pero particularmente hay dos que no me han gustado. El primero son las historias que mete en la primera parte y que, sencillamente, me aburrían. La historia del enamorado imprudente o la del cautivo -aunque esta es un prodigio de la literatura histórica- no me llamaban en nada la atención. La segunda es la obsesión que muestra en la segunda parte por desprestigiar el "Quijote de Avellaneda", resulta innegable el juego que el autor le saca a la idea de ver a sus personajes viviendo su propia novela, pero se me hace excesivo -por muy comprensible que fuera- el afan de Cervantes por criticar la otra novela.
No obstante, estos defectos son compesados en parte por el gran carisma de la pareja protagonista y las divertidas locuras que se nos muestran. Ver la escena en la que el Caballero de la Triste Figura se convierte en el de los Leones, la del ataque a una procesión de muertos, o ver a Sancho dirigir su ínsula con tan buena mano y el estómago tan vacío son auténticos placeres literarios. La locura de Alonso Quijano y la increible cantidad de disparates que dice sólo es comparable a la buena razón y sentido que muestra para el resto de asuntos, siendo sus mediaciones en cualquier tipo de disputas todo un ejemplo de lógica y oratoria. Así mismo, la simplicidad de Sancho solo es igual a su buena voluntad y corto entendimiento. Y, sobre todo, la amistad sincera y leal que se cruza entre ambos es terriblemente tierna y hermosa.
Resulta obvio que no es un lectura ligera, y creo que cualquiera que afronte su lectura lo hace muy a sabiendas de lo que va a encontrarse. No obstante, a pesar de que no lo considero, ni mucho menos, el mejor libro ni el más entretenido que he leído, si puedo considerarlo -al margen de un prodigio narrativo- una novela entretenida y agradable.

¿Continuación? No. Complementación.

Higurashi no naku koro ni kai

"Higurashi no naku koro ni", la serie original, fue una de las mayores sorpresas del anime del 2006. Un anime extraño, que partiendo de una estética descaradamente infantil nos mostraba a unos niños inmersos en una especie de bucle de muerte y terror. Era una serie inquietante, cruel y gore por momentos, pero por encima de todo era una serie genial.
El argumento, miniarcos de terror donde unos mismos personajes se enfrentaban una y otra vez a la muerte como inevitable destino, parecía cerrado. Las críticas que he leído por internet ponían esta serie casi como una traición a su predecesora. En cierta manera lo es. En mis primeras impresiones ya comenté que la serie seguía el esquema de la anterior temporada y no apreciaba un bajón de calidad. Me equivoca, el primer gran arco nos recuerda lo que era la primera temporada, a partir del episodio 7 la serie adquiere su propia identidad. Esta segunda temporada no continúa la anterior, la completa.
Durante una treintena de episodios vemos como Keiichi, Mion, Shion, Rena y Satoko se enfrentan a una locura que los arrastra a todos hasta las más horribles muertes. El turno de la narración llega al personaje más inquietante de todos: Rika. Y vemos entonces que todo es alguna especie de maldición, una serie de asesinatos condenados a repetirse eternamente. Rika, sacerdotisa de Oyashiro-sama, y Hanyuu, espectro mismo del Dios (advierto que aún sigo sin tener demasiado claro que es exactamente cada una de ellas), comienzan a ver pequeños destellos de esperanza. Si bien todos los arcos hasta ahora eran la representación del terror, en los dos últimos -y eternos- arcos, los protagonistas se enfrentan a su destino.
El terror, motor de la primera serie, desaparece casi por completo, siendo en esta serie más protagonista el concepto de horror. Evidentemente no faltan las imágenes duras y las escenas siniestras y macabras, pero esta serie se basa más en la historia y en el suspense. Es una narración mucho más elaborada y cuidada, un guión que consigue unir sorprendentemente toda la información que se nos ha suministrado a traves de los arcos anteriores y que compone la verdadera historia de la serie. Y lo más meritorio es que, el problema que existía en la primera temporada donde en algunos momentos la historia podía hacerse repetitiva en los primeros capítulos de los arcos, aquí no existe. Cada vez se profundiza más y mejor en los personajes, y el enfrentamiento de los personajes con su destino hace que este cambie y no se parezca nunca al del arco anterior.
A nivel técnico, poco se puede decir de la serie, pues resulta tan desconcertante como a nivel argumental. La animación es cutre en la inmensa mayoría de los momentos, y los diseños son simples y mánidos. Pero igualmente la serie es capaz de jugar perfectamente con la iluminación y los encuadres a fin de acentuar el terror o la intriga que han de provocar las imágenes. La serie perpetua el estilo de su predecesora, y es un estilo muy peculiar.
No dire si esta segunda parte es mejor o peor que su predecesora, pero desde luego no la desmerece en absoluto, todo lo contrario. Higurashi Kai complementa a la perfección a su predecesora.

Un gran ejemplo de cine de evasion

La gran evasión

Llevaba mucho tiempo queriendo ver este clásico del cine, y hoy por fin he podido darme el gustazo de verla. Me he encontrado una gran película en todos los sentidos de la palabra; una calidad cinematográfica excepcional y un entretenimiento de primera.
Lo primero que me ha llamado la atención es el inicio, es gigantesca batalla casi ajedrecística que se plantea entre los prisioneros y los carceleros. Es muy extraño ver reflejados a los nazis con tanta nobleza, y en cierta manera el cine actual no me ha preparado para la desbocada elegancia que muestran ambos bandos. Los prisioneros no parecen estar en un cárcel si vemos lo que es Guantánamo.
Pero una vez superado este handicap inicial, nos encontramos con una película sobervia en todos los niveles imaginables. Los personajes estan retratados con una perfección sorprendente, son muchos los protagonistas y cada uno de ellos es distinto al resto. Sus protagonistas no estan regidos por tópicos, son todos ellos humanos y entre ellos se aprecia un compañerismo y un respeto maravilloso. El guión cuida a todos los personajes y les da a todos los actores su pequeño momento de gloria.
Luego el desarrollo en si esta perfectamente estructurado, un plan definido desde el principio que va avanzando poco a poco y que ocasionalmente se encuentra con obstáculos. La tensión siempre va creciendo poco a poco y la película cuenta con un ritmo trepidante que hace que las casi tres horas que dura se pasen en un suspiro. "La gran evasión" no abusa de las escenas de acción y su narrativa se rige por los patrones más clásicos del cine, y muestra a la perfección que un ejercicio de cine bien desarrollado es mucho más trepidante y emocionante que las avalanchas de efectos y secuencias frenéticas con las que nos asaltan hoy en día. Con algo de acción, algo de drama y algo de comedia, pero sin olvidar nunca el argumento principal de la película, el director y su equipo nos brindan un entretenimiento de primera.
De la música poco o nada se puede decir, como "El puente sobre el Kwai", esta película nos presenta una de las melodías más emblemáticas de la historia del cine. Así mismo, a nivel de escenarios, la película muestra una variedad sorprendente, así como un simbolismo más que apropiado de la libertad gracias a las alambradas.

MI ANIME FAVORITO

Habría muchas formas de titular esta entrada: "¿El fin justifica los medios?", "¿Qué es más terrible, el bien disfrazado de mal o el mal disfrazado de bien?", "El mayor villano y el mayor héroe", "El diluvio universal más entretenido". Pero creo que sinceramente acabaré titulando:

MI ANIME FAVORITO

Code Geass - Lelouch de la Rebelión - R2

"R2" es la continuación de una de mis series favoritas: "Code Geass". Aquella era una serie terriblemente compleja, no ya por su argumento, que mezclaba esoterismo con una historia de guerra, odio y venganza, si no por su particular narrativa en la cual toda esta trama se alternaba con otra de colegialas. Coge Geass era un ejercicio de exageración y teatralidad desmesurada donde el fanservice y el humor más surreal se intercalaban con secuencias de una brutalidad pasmosa, y donde además cada poco tiempo se nos revelaba un giro argumental que se basaba en un guión repleto de deliciosas trampas. Continuar una serie así era muy complicado, pero ya en mis primeras impresiones de esta segunda temporada creía que lo estaban haciendo bien, y ahora al concluir no puedo decir otra cosa que han superado mis espectativas. A pesar de unos inicios en los que podríamos considerar que la serie repetía los esquemas del pasado y de un bajón en la llamada saga de China, la serie cobra su propia identidad en la segunda mitad de la temporada y resuelve la inmensa mayoría de sus líneas argumentales como sólo ella podía hacer: huyendo hacia delante, huyendo muy hacia delante y a gran velocidad. Si bien podemos considerar que en algunos momentos el desarrollo fuerza mucho el guión, la serie en ningún momento me parece incoherente con ella misma. Advierto que, sin poder evitarlo, este post tendra SPOILERS.
La serie nos muestra las tragicas consecuencias de los actos de los personajes de la primera temporada. Si bien en aquel entonces tanto Lelouch como Suzaku habían sido superados por los acontecimientos, en esta segunda temporada, si bien inicialmente ambos siguen tratando de vivir ocultados por sus máscaras, finalmente se aceptan a si mismos y actuan como creen que deben hacerlo. Se profundiza en el odio y en el miedo, y las armas se esgrimían en la primera parte ahora se vuelven contra sus usuarios. El mal extremo que Lelouch usaba como arma acaba volviéndose contra él y devorándolo, sus pecados son descubiertos y Lelouch es traicionado por ello. Tras esta traición no esta si no el miedo que el propio Lelouch temía y del que se defendía con su máscara. El miedo a las consecuencias de nuestros actos es uno de los grandes ejes de esta serie. Miedo de Suzaku a sus actos que esconde tras una máscara de hipocresía y caballería. Miedo de Lelouch a perder todo lo que tiene. Miedo de los Caballeros Negros al renegar de Zero y tildarlo de traidor para que él cargara con la culpa de sus asesinatos y ennoblecer su terrorismo. Miedo de Schnneizel a ser derrotado. Todos los personajes se esconden tras máscaras y, curiosamente, Lelouch sólo es capaz de crecer cuando le despojan de esta y se ve obligado a mirar el reflejo de sus acciones.
Porque entre tanto dolor y sufrimiento hay lugar para el bien y el mensaje de la serie no deja de ser optimista. Sheryl se sobrepone al dolor y es capaz de perdonar a Lelouch, y es Rolo, el asesino de esta y un personaje vacío, el que verdaderamente muestra lo mejor del mundo a Lelouch cuando este ha desesperado al perder tanto a su hermana como a sus Caballeros Negros.

Y es Lelouch, con su sacrificio, el que decide cargar con los pecados y el odio de toda la humanidad para abrirle un nuevo camino hasta ella. En este aspecto, no deja de impresionarme como los guionistas han conseguido unificar en un sólo personaje al más grande villano y al más grande héroe de sus series. Lelouch es terriblemente humano, sus ambiciones útopicas iniciales sólo dan como consecuencia la perdida de lo que más quería y es entonces, cuando Lelouch lo pierde todo cuando tiene que madurar y convertirse en el verdadero Zero, el máximo ideal de la justicia, justicia de la que él es el máximo deudor y por la que debe pagar más que ningún otro personaje de la serie.
El resto de los personajes tienen un desarrollo mucho más irregular que el del propio Lelouch. Suzaku es un personaje demasiado dominado por el odio y en cierta parte de la serie se fuerza demasiado su evolución. La orden de los caballeros negros acaba ganándose la antipatía del espectador debido a la hipocresía de su actitud de cara a Zero, y así mismo la actitud del emperador Charles cambia demasiado con respecto a lo que había sido en la primera parte y creo que los guionistas no han obrado bien al tratar de redimirlo y convertirlo en casi una victima de las circunstancias. La serie cuenta con el problema de manejar demasiados personajes, pues al gigantesco casting de la primera temporada se unen ahora todos los personajes de la federación china y los Caballeros de la Mesa Cuadrada, amen de algún que otro secundario más. No obstante, si bien alguna actitud global puede resultar forzada, el desarrollo individual de todos los personajes resulta bastante coherente y el director le da a todos y cada uno de ellos sus pequeños momentos de gloria.
El drama de la serie bebe de otros tres grandes hilos argumentales: el romántico, el militar y el esotético.
En el aspecto romántico la serie pivota sobre Lelouch y aquí encontramos dos variantes diferencias: la amistad y el fanservice. La relación de Lelouch con sus amigos, el apoyo que de ellos recibe y que le impulsa a seguir adelante esta muy bien tratado; aquí también entra lo recíproco, todo lo que Lelouch da a sus amigos después de haberles quitado algo y aquí los guionistas se muestran perfectos en el desarrollo de Kallen, Nina, Rollo o la propia Nunally. Luego tenemos el fanservice en forma de la pequeña "pelea de gatas" que de vez en cuando muestran Kallen y CC, no aporta demasiado pero aporta unas notas de humor que son una marca de identidad de la serie.
En el aspecto militar la serie retrocede bastante con respecto a su predecesora. Los grandes protagonistas han recibido una colección de supermechas que dejan en ridículo al Lancelot de la primera temporada y ello resta componente estratégico a las batallas. Lelouch continua dejando algunas muestras de su ingenio, y la llegada de Schnneizel convierte la serie en un gigantesco tablero de ajedrez, pero esta batalla se muestra más en escenas como la del millón de Zeros que en las propias batallas militares.
El otro aspecto capital de la serie, y sin duda el más complicado, es el esotérico. La naturaleza del Geass, así como el origen de CC y las aspiraciones de Charles eran uno de los grandes motores de la serie. En este aspecto Geass ha optado por huír hacia delante. Explicar de una forma científica el Geass o el Code es una idea sencillamente ridícula, así pues la serie se ha plegado ante su propia teatralidad y ha decidido que estos continuen sumidos en el misterio. La fe y la religión entran aquí como elemento explicativo y CC, VV y el resto de usuarios de Gess no son otra cosa que víctimas del "poder de los reyes". El plan de Charles es algo extraño y, aunque noble, exige un acto de fé aún más grande. Es sin duda uno de los aspectos más peliagudos de la serie pero creo que, tanto en en este aspecto como en el descubrimiento de todo lo relacionado con Marianne, la serie ha dado una respuesta bastante coherente y digna a sus seguidores.
Por último comentaré los aspectos más puramente técnicos de la serie. En cuanto a la dirección, Geass es más Geass que nunca. Es decir, giros argumentales casi imprevisibles cada dos por tres. Adquiere este técnica narrativa su máxima expresión en el segundo tramo de la serie, pues cada final de episodio desde la muerte de Shery es más impresionante y sorprendente que el anterior. Al contrario que en los anteriores episodios de la serie, donde los primeros quince minutos eran bastante ligeros y después todo se revolucionaba en los últimos, en su segunda mitad esta serie es frenética de principio a fin. El anime adquiere una densidad y complejidad inevitable si tenemos en cuenta la cantidad de personajes y líneas argumentales que ha de cerrar. Algunos de estos giros o desarrollos están mejor conseguidos que otros, pero como he dicho la serie consigue cerrar con dignidad algo tan abierto y diverso como complicado y, sobre todo, y esto es lo más importante, lo hace siempre manteniendo una tensión y una emoción máximas. Code Geass plantea muchos debates morales pero es, por encima de todo, el anime más entretenido que he tenido el placer de ver.
A nivel técnico la serie se muestra algo irregular, pues el nivel de la animación baja sorprendentemente en los últimos episodios. Las batallas resultan más espectaculares y la inclusión del aire como nuevo campo de batalla esta perfectamente resuelta gracias a unas animaciones y unas batallas mucho más dinámicas que las que Sunrise nos suele mostrar en las series "Gundam". Los combates, como siempre, son rápidos y vibrantes, no eternizándose las batallas ni siquiera en el espectacular y sobervio enfrentamiento definitivo entre el Lancelot y el Gurren. El diseño de los mechas ha mejorado notablemente con respecto a la primera temporada, tanto en los mechas caracterizados como en los que podríamos considerar los de la "infantería rasa"; el de los nuevos personajes no le va a la zaga, incluso podríamos decir aquí como punto a favor que se nota menos la influencia de las CLAMP (algo que también pasa en los diseños crecidos de los personajes tradicionales). El doblaje es sobervio y al excelente casting de la primera temporada se han añadido algunas nuevas voces más que notables. El score mantiene el nivel de la primera temporada, melodías que van desde las fanfarrías militares de Britannia a los grandilocuentes cortes que ilustran las grandes acciones de Zero o a las delicadas canciones que enmarcan los momentos más dramáticos (inolvidable la "Continued story" del último episodio).
Nada más, sólo volver a recordar el que es sin duda mi anime favorito y, esperar, que algún día haya alguna continuación en la que descubramos que a Lelouch le gusta conducir carretas.

Definitivamente, Macross no es mi franquicia

Macross Frontier

En primer lugar, agradecimientos a Zaresh, de cuyo wallpaper de esta serie me he apropiado vilmente para ilustrar esta entrada. Ya en segundo lugar pasemos a analizar esta serie destinada a vitalizar una de las franquicias con más solera del mundo del anime, y el estilo de esta, que he conocido gracias a las aventuras de Alto, Sheryl y Ranka. Mi valoración final no hace si no reafirmar las que fueron mis primeras impresiones, "Frontier" es una excelente "Macross", pero el concepto mismo de esta serie es bastante malo.
La serie, a nivel técnico es sencillamente apabullante. Las animaciones y los movimientos que vemos durante sus batallas estan sencillamente a años luz de cualquier otro anime de este tipo. La guerra se refleja con una espectacularidad y una emoción rara vez vistos. Todo lo que se diga sobre las batallas es quedarse corto.
El problema... es todo lo demás. Según me reveló Nae, Macross es una franquicia de mechas que sirve como plataforma de lanzamiento a "idols", por muy surreal que tal mezcla pueda parecerlo. Ha sido siempre así y "Frontier" sigue esa pauta. Eso repercute en que una trama relativamente interesante -aunque tópica- no pueda ser nunca tomada en serio a partir de que vemos que la escena del "feliz cumpleaños" de Ranka a Alto (resulta absurdo y demasiado imposible de creer que todo el poder del ejército se gaste en enviar a una chica a un planeta lejano en guerra con un avión con superaltavoces para que le cante feliz cumpleaños a su novio). A partir de ahí es imposible tomar en serio la serie. El uso y abuso de canciones, la utilización de estas como armas contra los monstruos (llegando en el último capítulo a montajes absolutamente psicodélicos) es tan excesiva que restra dramatismo e intensidad a la serie.
Como cualquier serie, Macross engancha y su espectacularidad de proporciona una épica desmesurada, pero no deja de ser un producto más que mediocre que no le llega ni a la suela de los pies por ejemplo, a Gundam o la maravillosa Code Geass.
Es, tecnicamente, un producto irregular por intercalar las batallas más impresionantes jamás vistas en un anime con unas deformaciones de personajes deleznables en ocasiones, pero aún así las primeras constituyen un espectaculo de tal proporciones que es digno de ser visto. La serie tiene además un apartado sonoro realmente cuidado (esta serie pretende vender más cd´s que dvd´s), aunque aquí en escena la cuestión de los gustos musicales y aquí tengo que decir que, si bien reconozco la embergadura del score y las canciones de la serie, no se adapta demasiado a mis gustos.
En resumen, es una serie espectacular y un auténtico prodigio visual, pero también un anime tremendamente particular en el que las canciones rigen un mundo en guerra.

Y entonces fueron 7

One Piece 516 - La emperatriz pirata Boa Hancock

El episodio de esta semana es extraño en el sentido de la narrativa clásica. Es claramente un episodio de transición en lo referente a las aventuras de Luffy, pero al mismo tiempo es un episodio que cierra por fin una de las grandes incógnitas de la serie: los Shichibukais. Jimbe aún no ha sido presentado y el cierre puede considerarse no completo, pero lo cierto es que tras más de quinientos capítulos al fin conocemos a los siete piratas renegados que sirven al gobierno (hemos tenido tiempo incluso para ver la caída de uno y el auge de otro). Esto no incide si no en la sensación de que nos encontramos en la mitad de la serie, el mundo de la marina y los shichibukais queda atrás y ahora nos adentramos en los dominios de los piratas. Pero vayamos por partes.
En primer lugar tenemos la clásica escena de estupidez de Luffy donde intenta navegar por enésima vez en el manga. Movido por la misma premura que le incito en Ennies Lobby a intentar cruzar el mar de los remolinos, se echa a navegar por el Calm Belt como si fuera un homenaje al primer capítulo de la serie. Es salvado por Margaret. En esta escena hay dos detalles que me llaman la atención, el primero es el "entrenamiento" de andar bocabajo, pocas veces Luffy nos muestra esa determinación para ser más fuerte y podemos ver que la derrota le ha dolido, y mucho. La segunda es que Luffy se ha interesado por el "Haki" de Margaret, pronto sus puñetazos van a ser mucho más fuertes.
El capítulo salta después a la discusión del vicealmirante Momonga con la tripulación de Boa. Me ha encantado ver al primero después de ser uno de los vicealmirantes de la Buster Call, Oda ha recurrido a él para esta misión en lugar de crear un nuevo personaje sin nombre (Momonga no lo tenía por entonces). Con ello ha conseguido dos cosas: dignificar la Buster Call y agrandar su mundo. Si Oda se sacara vicealmirantes nuevos cada tomo el prestigio de este rango quedaría muy mermado. Son hombres que sólo tienen por encima a los tres almirantes y a Sengoku, no es un puesto que se pueda conseguir con facilidad y hemos de presuponer que todos ellos son auténticos monstruos. Es obvio que Momonga no es Garp, pero en este capítulo ha matado a un rey del mar, ha conseguido sobreponerse al poder de Boa y ha mostrado una entereza y una dignidad en sus frases que van más allá de lo que se espera de un personaje cuasi anónimo.
Al margen de Momonga y la agradable e inesperada sorpresa que ha supuesto verlo, hay que destacar también la tripulación de Boa. En los capítulos anteriores veíamos una isla repleta de mujeres de todo tipo, la capacidad para crear diseños frescos y variados en cantidades ingentes es algo que Oda tiene y que no creo que esté al alcanze de muchos mangakas. Pero no es ya sólo lo increiblemente variada que es la tripulación de Boa, es que entre ellas todas tienen alguna semejanza... como la tenían los miembros del CP9, los sacerdotes de Skypea u otras tripulaciones que han aparecido a lo largo del manga. Es espectacular como Oda es capaz de crear todos estos mundos y como cada uno de ellos es perfectamente diferenciable del resto. Y luego tenemos a Boa.
Lo primero a resaltar es, obviamente, su físico. El dibujo de Oda ha mejorado mucho desde los primeros tomos de la serie y una de las muestras más notables son sus diseños femeninos. Con Boa ha aunado un diseño obviamente sensual con una porte majestuosa. Bajo la máscara de la libertad y bohemia piratesca, Oda nos presenta a toda una "femme fatal" que no parece si no una versión mucho más desarrollada de Nami. Creencias y voluntad firmes, y actitud caprichosa y condescendiente para ocultar el monstruo que se oculta bajo su piel. Oda la ha dibujado como una mujer monstruo, como una Gorgona de la que toma el nombre, como la Medusa de la mitología griega cuyo poder le ha dado. Aquí entra a jugar su poder: la capacidad de convertir en piedra a aquellos cautivados por ella. Es sin duda uno de los poderes más raros de la serie, no tanto como el de Law o el de Perona, pero ilustra a la perfección la facilidad de Oda para dignificar a los "Paramecia". De todos los Shichibukais presentados sólo Barbanegra tiene una logia -una particularmente inútil en defensa además- pero tanto Kuma como DonFlamingo, Moria o ahora Boa tienen poderes que son capaces de plantar cara a los dioses elementales que pupulan por One Piece.
Presentada la última de las shichibukais, una parte de One Piece parece haber llegado a su fin. Y es la ejecución de Ace la que constituirá como siempre ha parecido obvio el punto de inflexión en el devenir de la trama. Los Shichibukais han sido convocados y los almirantes estarán allí. Barbablanca y sus hombres, seguramente con la ayuda de Shanks, se enfrentaran a ellos. Y Dragon siempre ha permanecido en las sombras esperando su momento. Me ha descolocado algo el tiempo en esta saga pues creía que la ejecución de Ace estaba más cerca, pero ahora, con una isla en el Calm Belt, las oportunidades de Luffy de presenciar la ejecución han crecido exponencialmente. En todo caso, como siempre, resulta imposible adivinar que será lo siguiente que pase en la serie. Boa parece completamente ajena a los intereses del Gobierno Mundial y no tiene intención de personarse en esa batalla, será muy interesante ver su encuentro con Luffy.

La simple pretensión de agradar

Nogizaka Haruka no himitsu

Nogizaka Haruka puede ser considerado, sin duda alguna, un anime mediocre. Pero es la suya una mediocridad perfectamente controlada y acotada, una mediocridad carente de pretensiones y, por tanto, muy fácil de disfrutar.
El argumento de la serie se centra en una joven otaku heredera de un gigantesco imperio económico que debido a lo mal vista que esta esa afición en Japón se ve obligada a ocultar que le gustan el manga y el anime. En su camino se cruzará un joven que la ayudará a aceptarse como tal.
En los últimos años se han hecho muy populares este tipo de series que se centran en sus propios seguidores. Obviamente el referente más claro es la sublime Genshiken, auténtico documental sobre el modo de vida otaku y sus alegrías y pesares, pero más común son casos como Hayate no Gotoku o Doujin Work, donde el enfoque es claramente humorístico. Nogizaka Haruka parecía encuadrarse en este segundo bloque, y ciertamente parodía elementos de muchas otras series, pero es por encima de todo una comedia romántica ligera y amable.

La serie no profundiza demasiado en las raices otakus de la protagonista y unicamente coloca estas como enlace con su partener masculino, ayudándole este a sobreponerse a su timidez casi traumática y a aceptarse como realmente es. Mientras esto sucede se va forjando entre ellos el previsible amor, romance impulsado por las familias y amigos de ambas partes. Es este uno de esos animes "de color rosa" donde los protagonistas nunca sufren y donde todos los problemas son resueltos casi inmediatamente. Evidentemente no hay un gran trabajo de guión, pero es una serie optimista y alegre de las que ocasionalmente me gusta ver alguna. La comedia, si bien no es desmedida, esta bastante bien conseguida (muy meritorio es que hayan sido capaces de crear media docena de celestinas y que sean todas ellas relativamente carismáticas). Hay notables elementos de fanservice en el anime, pero no me ha parecido que la serie abuse de ellos y estos tienen más una naturaleza de divertimento que de provocación.
A nivel técnico la serie no destaca especialmente. Una animación acorde con los tiempos en los que nos movemos y unos diseños de personajes cargados de elementos "moe" o "kawaii" pero para nada innovadores o rompedores. Los recursos visuales que usa la serie para enfatizar momentos cómicos o dramáticos también han sido ya explotados hasta la saciedad en otros animes. La selección de seiyuus es bastante acertada, aunque tampoco destaca excepcionalmente. El ritmo de la serie es correcto, aunque se contagia del adulcoramiento de esta.
En resumen es una serie totalmente prescindible y quizás no la recuerde dentro de un año, pero al menos durante su visualizado me ha entretenido y me ha hecho esbozar alguna que otra sonrisa.

El absurdo paródico por bandera

La alocada película bélica de Ben Stiller era uno de los estrenos cinematográficos que más esperaba de este año. Stiller es uno de los pocos directores que tiene valor para hacer una película -comercial- contra todos los tabús de lo políticamente correcto, lo hace no dejando títere con cabeza pero siempre desde una parodía tan desmesurada que es imposible no darse cuenta de que hay un doble o un triple sentido implicado. Hay pocas películas tan simplemente irreverentes hoy en día, así que el estreno de esta era también una excelente excusa para revisionar su predecesora más directa.

Zoolander

Derek Zoolander, encarnado por el propio Stiller, es el supermodelo más popular del mundo. Su trono se tambalea cuando el emergente Hansen, otro supermodelo encarnado por el peculiar Owen Wilson, le arrebata su posición en el mundo. Entonces Zoolander se pregunta quien es y que sentido tiene ser superguapo, y mientras se verá envuelto en una conspiración para matar a un primer ministro malasio.
Semejante estupidez de argumento da margen a Stiller para colocar a un par de idiotas y reirse de la profesión de modelo y de todos sus tópicos (inventándose absurdeces tan surrealistas como un duelo entre modelos en un almacen abandonado o las antológicas "miradas" del protagonista). Stiller se rie del mundo de la alta costura y del glamour de las estrellas ridiculizando su frivolidad y banalidad hasta el extremo, pero lo hace con una ternura desmedida hacia la pareja de protagonistas que no quieren otra cosa que ayudar al resto del mundo (mundo al que se piensan que ayudan al mostrar como ser más guapos).
El humor de esta película es el de la más extrema, surreal y absurda parodía, y Stiller no sólo se mete con los modelos si no que incluso ridiculiza las consecuencias de estos y se burla de algo tan serio como la bulimia. Es precisamente por esta carencia de objetivo a la hora de apuntar con su cinismo y su humor, por esta ligereza, por esta falta de veradera "mala hostia" y de pretensión de demonizar al mundo de la moda, porque esta película es tan entrañablemente divertida.

Tropic Thunder

"Tropic thunder" es distinta a "Zoolander", es muchos más salvaje y menos cruel, y por tanto menos simpática y agradable. La película del modelo era sencillamente una sucesión de estupideces a cada cual más grande. Esta es una película más directa y mordaz.
Esta película puede considerarse una versión aumentada de "Zoolander", tanto la crítica como el cariño de Stiller por sus personajes son mayores, pero ello también hace la película extrañamente más seria y lenta. El humor de la anterior era una locura, aquí es más serio y mezcla tanto humor de sal gruesa con homenajes y parodías sutiles y grandiosamente puestos en escena.
Stiller ataca a la concepción de Hollywood del cine y de la propia realidad, arrasa con actores, guionistas, directores y productores, e incluso hace sus escarceos con los políticos. Todo ello con una trama disparatada que consigue encauzar con una extraña cordura a través de unos personajes dotados de caricaturescos traumas a los cuales se sobreponen gracias al apoyo de unos sobre otros. Thorpic Thunder, argumentalmente y en cuestión de desarrollo, es una parodia y una burla sencillamente brillante.
Tiene defectos, es normal. No es la ametralladora de gags que era su predecesora, y su humor -por lo variado que es- puede no gustar en muchas de sus secuencias. El ritmo es irregular y algunas escenas parecen algo inconhexas. Pero el humor, y el humor serio más, es quizás el género más complicado de todos, y esta película es demasiado graciosa como para no perdonarle estas minucias.

Braguitas y varitas a tutiplen

Zero no tsukaima 3: Princess no Rondo

Tercera temporada de las aventuras de Saito y Louise. En esta ocasión los guionistas han querido profundizar en las crisis de identidad de los dos protagonistas, privándoles tanto de sus habilidades mágicas más importantes como de sus status sociales, reduciendo a ambos a su más pura humanidad. Y mientras profundizamos en Louise y Saito, así como en el vínculo que los une, vemos también como la serie afronta temas tan interesantes como la marginación y el racismo en forma de Tiffania, el tesón de Siesta, el odio y el perdón con Colbert y Agnes, la más pura amistad de Irukuku, la más agnegada devoción y desesperación de Tabitha.
Evidentemente todo lo que he escrito antes es una soberana estupidez. Inocentes escarceos con el drama al margen, esta tercera temporada no traiciona la esencia de "Zero no Tsukaima" y se limita a mostrarnos fanservice, algo de humor no demasiado elaborado, unos pocos elementos de inocente fantasía y más fanservice para rematar. Chicas y más chicas ligeras de ropa incomodando a un protagonista bastante salido componen el día a día de esta serie y el argumento principal jamás lo va a disimular.
No obstante, esta tercera temporada me ha sorprendido gratamente. En la segunda temporada siempre tuve la sensación de que la serie se centraba demasiado en los dos protagonistas. Se dió más peso a la parte dramática que a la cómica y, siendo tan mala la historia, constituyó un error. Esta tercera entrega es más ligera y creo que, como entretenimiento ligero, funciona a la perfección. Obviamente hay que saber la serie que se va a ver, esto no es Shakespeare pero es una serie sincera y honesta que desde un principio deja muy claro que es lo que pretende dar.
Creo que la relación entre Saito y Louise esta relativamente bien tratada, pues a pesar de que ambos ya se han declarado mutuamente, la estupidez del primero y la altivez de la segunda les sigue permitiendo a los guionistas mantener el típico humor echii de la serie. Pero lo que más me ha gustado de esta serie es que han vuelto a tomar importancia todos los secundarios que vimos en la primera temporada, el resto de alumnos de la academia -y alguna que otra nueva incorporación- se suma a los protagonistas en la aventura principal y ayuda a formar un grupo relativamente grande.
En resumen, una serie ligera y carente de pretensiones con un buen nivel técnico pero que, obviamente, tiene una audiencia reducida a aquellos que disfrutaron con las dos primeras temporadas.