Definición de irregularidad

Perdidos - 3ª temporada

Este post es un análisis de la tercera temporada de la serie, he tratado de evitar los spoilers, pero alguno hay, asi que si no has terminado de ver la temporada es recomendable no seguir leyendo. Creo que irregularidad es la palabra que mejor define a esta temporada. Perdidos no ha perdido ni un ápice de su calidad, la historia, los giros de guión, los personajes, la isla... todo sigue estando ahí. Sin embargo la estructura de la serie peca ya ser demasiado repetitiva.
En esta tercera temporada los "perdidos" dejan de estar perdidos, la isla es ya su verdadero hogar y ahora todo se transforma casi en una guerra por hacerse con ella. Verdaderamente no vemos intentos de escapar de la isla, todos parecen ya resignados a no hacerlo. Esta temporada va sobre "Los Otros", se nos presentan y se nos muestras, y posteriormente vemos como los propios perdidos sufre un proceso paulatinamente de "perversión" que nos hace preguntarnos quienes son los buenos y quienes los malos... y esto es absurdo. "Los otros", al menos desde mi punto de vista, fracasan absolutamente como villanos al querer mostrarse como personas también, personas que tienen que hacer cosas malas por razones que -todavía- no se nos explican.
Es aquí donde la serie se mueve peor. Los 9 primeros episodios son un sopor centrados en los otros, la relación de Kate y Sawyer y el crecimiento de Jack como líder. Y son muy aburridos. No tienen demasiado sentido y no sirven para mucho.
Después la serie cambia, y mucho, y para mejor. Personajes como Desmond comienzan a cobrar mucha más fuerza, Hurley siempre consigue equilibrar la serie, Sayid es el único que todavía parece querer escapar de la isla (y si se carga a algunos otros de paso, mejor que mejor) y por encima de todo Locke emerge de su obsesión de pulsar botones para ser el calvo loco, místico y entrañable de la primera temporada. Esta segunda parte esta mucho más orientada a la acción y la batalla contra los otros, y además vuelven los grandes giros de guión de la serie.
Sin embargo, a pesar de que esta segunda parte es muy buena y en nada desmerece a las antiguas temporadas, tiene el importante problema de los flashback. Creo que todo se puede reducir a que, sencillamente, ya lo sabemos todo de los protagonistas. Sus flashback no hace si no reincidir en lo conocido y no nos aportan nada nuevo o revelador. Es este defecto el que lastra toda la temporada.
Pero, por suerte, en el último episodio la serie tambien avanza en este aspecto y sustituye los flashback por un sorprendente y hábil flashfoward que abré muchisimas posibilidades de cara al futuro.
En resumen, a pesar de un comienzo horrible, se trata de una buena temporada. Tiene el problema de la reiteración del estilo y de, quizás, una densidad argumental en los episodios muy inferior a los primeros (episodios demasiado focalizados en una o dos historias, postergando las otras para los siguientes), pero sigue siendo Perdidos.

Finished

Yaiba

He finalizado por fin esta serie (12 tomos de 350 páginas). Tercera que concluyo tras "Midori no hibi" y "Full Metal Panic". Hace ya varios meses publique una primera entrada sobre la serie, esta, y ahora me reafirmo en lo que entonces dije.
Yaiba es un manga ochentero, y en su falta de pretensiones y complicaciones estan sus virtudes. Se trata de la historia de un joven samurai que lucha contra todo tipo de demonios para salvar a Japón, a su novia Sayaka y a todos sus amigos. Los malos son malos porque si, y naturalmente son muy fuertes pero también un rato tonto y carentes de verdadera malicia. Y los buenos son buenos porque si, pero naturalmente tambien tienen su vena gamberra y traviesa. La serie tiene mucho humor, y no renuncia a él en ningún momento, pero también tiene mucha acción y peleas -aunque no se profundiza en la esgrima y se recurre al tópico de dibujar muchas estelas en el aire- y un gran componente de sorprendente -y efectiva- épica.
El dibujo es bueno, buen diseño de personajes y de fondos, encuadres tradicionales pero funcionales y grandes y espectaculares planos de doble página para los grandes momentos. Teniendo en cuenta que su estilo es "pre-dragon ball Z" es muy bueno. El ritmo tambien es muy bueno, no habiendo demasiadas pausas pronunciadas, y sólo se resiente en la clásica sucesión de combates secundarios preeliminares de cada saga (se hacen pesados en algunas ocasiones, y son innecesarios, pero son uno de los males necesarios de este género).
Como defecto principal dire que la serie esta demasiado alargada. Tras la saga de Kagura (tomo 8) no hay trama argumental que sea capaz de igualarla. La saga del imperio subterraneo es demasiado parecida y se resiente de ello, y posteriormente toda la parte de Onimaru y las nuevas espadas. En cierta manera se agradece que se cierre la trama de la lucha con Onimaru, aunque esta misma se hace demasiado repetitiva y verdaderamente verles a los dos luchando contra Kagura era un final inmejorable.

La virtud de no empeorar

A primeros de año ya di mi impresión sobre los primeros episodios de Tokyo Majin Gakuen Kenpuchou, y ahora no puedo si no revisar esa pequeña crítica y reafirmarla punto por punto.

Tokyo Gakuen no ha profundicado demasiado en el argumento más allá de explicar un poco el origen de los villanos y de los poderes de los protagonistas, pero no se obceca en ello y deja multitud de puertas abiertas no sólo para una factible segunda temporada, si no también para no liar demasiado al espectador y mantener la sensación de que la aventura supera a los protagonistas.
Las luchas siguen siendo espectaculares, y cada una de ellas aporta elementos plásticos que las hacen distintas y características, y al mismo tiempo conforme avanzamos en la trama se transforman en batallas donde priman más las voluntades y las convicciones de los protagonistas que la propia fuerza de sus puños.
La serie muestra un aspecto interesante y es el hecho de que no hay un protagonista descarado que sea más fuerte que todos y sea el que los motiva y el que lo arregla todo al final. Es cierto que hay dos personajes que tienen más peso en la historia, pero todos -incluso los secundarios- se muestran decisivos en las batallas y se cumple que al final la verdadera fuerza del grupo es la de su unión. Porque además los personajes tienen todos defectos o debilidades, y en ocasiones se muestran inmaduros, y son sus compañeros los que les ayudan o compensan.
La animación ha sido de gran nivel desde el primer hasta el último episodio. La música y los seiyus impecables. La dirección viva y dinámica, con una cámara que no deja de moverse y que resulta increiblemente espectacular. Y el guión se va desgranando a una velocidad perfecta, siempre dejando el episodio en un momento álgido que motiva a ver el siguiente.

Tokyo Gakuen no es Monster ni 20cb, ni siquiera Berserk o One Piece... pero es una serie sencilla, directa y muy entretenida.

CINE CON MAYÚSCULAS

Una historia verdadera

Sucede pocas veces. Sólo cuando se ve una película como "Cadena Perpetua" se sabe, no sólo que se esta viendo una obra maestra, si no que es una película que funciona a todos los niveles posibles. Que se trata de una película distinta que trasciende los fotogramas y merece el verdadero apelativo de "arte".
Esta película esta dentro de ese pequeño y selecto grupo. David Lynch, director extraño y particular donde los haya, sorprendió a medio mundo cuando realizó esta película en el 99. Hay simbolismos y juegos de ímagenes, pero nada que se salga de lo normal en una película que rebosa clasicismo en cada uno de sus planos.
La película nos narra el viaje de Albin Straight (un sensacional Richard Farnsworth), un anciano con multitud de defectos que, viendo cercana su muerte y la de su hermano, decide visitar a este para hacer las paces. El viaje lo realiza en el único medio del que dispone: una cortacesped. Recorriendo todo el estado de Iowa (unas 500 millas) a bordo de ese pintoresco vehículo, Albin conoce a multitud de personas, a las cuales cuenta su historia y de las cuales escuchá sus problemas.
Es curioso como un argumento tan surreal da para una película tan fascinante a nivel de fotografía e imágen y, sobre todo, a nivel de guión. Porque todo funciona perfectamente. Los actores estan perfectos. El montaje y el ritmo es pausado pero no lento. El guión hace toda una radiografía de la sociedad americana más profunda sin tomar ningún ventajismo.
Se trata de una película extraña, tierna y triste a la par que optimista y esperanzadora. Sumamente recomendable.

Eyeshield 21 - Tomo 3

Nuevo tomo concluido de esta serie. Para mi gusto, un tomo continuista e inevitable que baja algo el nível de los anteriores.
Sena y su equipo son derrotados cual Oliver Aton en su primer partido contra sus grandes rivales. A partir de aquí, veremos como tanto el grupo de Sena e Hiruma crece y se hace más fuerte, como también el de Shinn, pues la fecha de la revancha ya se ha fijado y se puede asegurar que ambos equipos se encontraran cada vez a equipos más fuertes, pero que ellos mismos serán también mucho más poderosos y acabaran encontrándose en la siguiente gran final. Este es uno de los grandes tópicos del género deportivo y Eyeshield, aunque es una serie entretenida y divertida, no se va a escapar de él (tampoco creo que nadie pueda exigirselo, pues es a todas luces una serie fantasiosa y sin pretensiones).
Finalizado el partido. Derrota con pequeños atisbos de esperanza, por supuesto. El tomo se centra en la evolución de Sena al haber perdido y al comenzar a darse cuenta de que ama el futbol americano, una escena un pelín exagerada pero efectista y emotiva. Posteriormente el tomo se centra en presentar al nuevo miembro del equipo. Supongo que a los tres jugadores actuales se les unirán a lo largo de los siguientes tomos el amigo atleta y varios más, este es el primero y es el arquetipo de "mejor amigo", es decir, patoso y algo lento, pero leal y muy buena persona, y por supuesto otro que encontrara en el futbol americano su verdadera pasión.
Este tomo, como he dicho me parece algo inferior a los anteriores, aunque también es cierto que es necesaria una cierta pausa para organizar la serie y no hacer demasiado agobiantes los partidos. Creo que particularmente el hecho de que Sena protega su identidad de "Eyeshield 21" es un recurso cómico-dramático bastante cutre y poco efectivo, y que la serie no terminara de despegar hasta que el autor se libre de él. Pero es un mal menor.
A lo que si que no encuentro excusa es al pobre dibujo. El diseño de los personajes no me parece demasiado bueno, pero es que además la calidad de las viñetas es muy pobre en líneas generales. En las grandes escenas, en los grandes momentos, se muestra excelente, con unos diseños formidables, unos encuadres atrevidos y dinámicos, un simbolismo apreciable y una espectacularidad fuera de toda duda. Pero en el resto de escenas el manga parece haber sido dibujado por un principiante -y con prisas-. Espero que la jump pusiera pronto un equipo de ayudantes al servicio del mangaka.

Un perfecto viaje

Entre copas

Esta es una de esas películas pequeñas que, a base de calidad, guión y saber hacer de sus creadores, logró hacerse lugar en la ceremonia de los oscar del 2004 con cinco nominaciones y la estatuilla al mejor guión adaptado. Suele ocurrir, Hollywood siempre premia a alguna de sus películas más pequeñas y las eleva junto a las grandes superproducciones.
"Entre copas" es una película sencilla y directa. Miles lleva a su amigo Jack a una semana de viajes por distintas bodagas y viñedos de California, una semana de cata de vinos que hace las veces de despedida de soltero. El viaje nos presenta a ambos personajes, dos treintañeros que ven como sus vidas estan muy lejos de lo que habían deseado y en las que ambos se encuentran en verdad perdidos, frustrados e inseguros. El viaje intensificará las inseguridades de los dos protagonistas y, entre numerosos gags, hará que ambos se den cuenta de ellas y comienzen a superarlas.
Se trata de una película pequeña; basada por completo en la sobriedad de su director, el estado de gracia de sus actores y la solidez de su guión. La película tiene un ritmo perfecto, narrá siete días haciendo que todos ocupen practicamente el mismo metraje y sean todos intensos e importantes. No hay un instante que sobre, y al mismo tiempo no parece que falte nada ni que la película se precipite o relentize. Y además todo lo hace con un auténtico carrusel de emociones donde los protagonistas pasan por diversos estados de ánimo y se relevan el uno al otro cuando es necesario.
Entre copas, además de toda una iniciación a la enológia, es una excelente comedia romántica. Una película divertida y entretenida, pero además con un buen argumento y desarrollo de fondo.
En resumen, una buena película.

¡Estoy hasta los cojones de estas putas serpientes y de este puto avión!

Snakes on a Plane

Un joven de Hawaii ve a un mafioso matando a... a alguién, y decide testificar contra él, y para acabar con el joven al mafioso no se le ocurrirá otra "idea" que abarrotar el avión en el que este viaja con... serpientes.
El argumento es una tontería tan grande que cuesta creer que esta película se llegara a filmar, pero este mismo argumento basto para que el gran Samuel L Jackson decidiera participar en ella, y para que en torno a ella comenzara a aglutinarse toda la comunidad de internet con todo tipo de parodias y artículos anteriores al estreno.
Argumento lo que se dice argumento no creo que nadie lo buscara, sólo al gran Sam Jackson maldiciendo y matando serpientes y quizás algo de humor negro y aroma a serie B.
El problema es que la serie no llega a ser tan autoparódica como todos esperabamos. Abusa algo del humor más vulgar en cuanto a escenas de sexo y sangre, pero el guión no llega a ser tan absurdo como esperabamos. Tiene algunas concesiones sensibleras que podrían haberse ahorrado y compensar con más mala leche y con más Samuel L Jackson matando serpientes.
En fin, una película demasiado mediocre, pero no lo suficiente como para ser tan mala que ser entrentenida.

Grande ¿demasiado?

Vagabond

A raiz de series como "Slam Dunk" y la que me ocupa Takehiko Inoue es uno de los mangakas más respetados de Japon. Su dibujo detallado y preciosista pero al mismo tiempo tremendamente "real" es excelente, pero mejor aún es su dominio de la narrativa, los encuadres y el propio lenguaje del manga.
Vagabond es quizás su obra cumbre, una recreación de la vida de Musashi Miyamoto a partir de la novela de Eiji Yoshikawa. La historia nos narra como Miyamoto pasa de ser una "bestia" sucia y sedienta de sangre a quizás el espadachín más mítico de la historia de Japon, viajando por todo el país buscando a los espadachines más fuertes en un afan de superación.
El dibujo y la narración es excelente, pero lo mejor es que estan al completo servicio de la historia y de la evolución del protagonista como espadachín. Tenemos mucho simbolismo y mucha interiorización de los pensamientos, pero todo ello magistramente recreado y con una belleza increible.
Sin embargo, todas estas virtudes se transforman también en defectos. Porque Vagabond es muy ambicioso y muy bueno, y eso lo transforma en una obra muy larga. Tenemos un gran número de personajes, y de protagonistas a secundarios la recreación de sus personalidades y sus pasados es sobervia. Esto relentiza de sobremanera la historia, como ejemplo de ello basta decir que tiene unos seis tomos de flashback para presentar a Kojiro Sasaki -el enemigo histórico de Musashi por excelencia- y que esto resulta bastante flojo al ser un personaje sordomudo cuyos pensamientos también desconocemos.
En resumen, Vagabond es un gran manga, con una historia y unos personajes magníficos, y un dibujo y un tratamiento de la violencia increiblemente poéticos, pero al mismo tiempo una historia lenta, muy lenta.

Gran principio, normal desenlace, mal final

Un mundo feliz

Novela escrita a principios de los años 30 por Aldous Huxley, nos retrata un mundo futurista donde todo se ha reducido a personas clónicas con mentalidades programadas que viven en un "mundo feliz" carente de cualquier tipo de preocupación o problema, pero también de cualquier rastro de arte, amor o personalidad.
Se trata de una novela corta -270 páginas- que se lee facilmente debido a la poca carga de ciencia "dura" que el autor introdujo, centrándose mucho más en el debate ético y moral que una sociedad completamente automatizada y carente de individualismo presenta.
Me ha gustado bastante el punto de partida y el mundo que describe, ya que es verdaderamente sugerente y hace que el lector se planteé preguntas interesantes en lo referente a cuanto estaría dispuesto a sacrificar por ser complemante féliz (siendo esta felicidad una sensación artificial). El problema radica cuando el autor introduce el personaje del "salvaje" para ofrecer un contraste y así desarrollar las preguntas que el lector ya esta haciéndose en los propios personajes de la novela. Esto no me ha gustado. Me ha resultado demasiado parecido al arquetipo de cuando Tarzan viaja a la ciudad. Tiene momentos muy buenos, pero es un desarrollo que he visto ya muchas veces y no me ha sorprendido demasiado, y luego además cuenta con el importante fallo de que practicamente se cambia de protagonista a la mitad del libro. Además, el salvaje resulta demasiado civilizado, refiriéndonos con ello a que es un perfecto hombre de esta época, lo cual creo que también es jugar con ventaja por parte del autor.
En resumen, un buen libro en cuanto a planteamiento inicial e idea que sugiere, pero débil en cuanto a argumento y trama.

Bueno... sí, clásicos

Van Halen: the best of both worlds

Recopilatorio de lo mejor de la banda de los hermanos Halen. Lanzado en el 2004, cuando la banda estaba ya acabada, contiene algunas de sus mejores canciones -algunas en directo- y también tres temas inéditos.
Van Halen es un grupo mítico, referente del heavy-rock americano y también una de las bandas que más números uno ha colocado en las listas de EEUU. Por desgracia para mi... no es un grupo que me entusiasme.
Había oído poco de Van Halen, canciones míticas como "Jump" y poco más, y he usado este disco como excusa inmejorable para darle una oportunidad. Pero no me ha convencido. Se trata de un heavy ligero sin demasiada fuerza, mucho más cercano al rock tradicional, con unos acordes simples pero fuertes. Se trata de canciones cortas y duras, pero al mismo tiempo con un extraño tono melódico. Hay baladas y rock, pero en verdad no se diferencian mucho unas de otras.
El grupo tiene muy buenas canciones, eso es innegable, pero no es mi estilo de rock.

Por lógica funcionará

Romeo X Juliet

Romeo y Julieta es, seguramente, la obra de teatro más representada de la historia y también la más conocida. Probablemente ningún niño de 8 años -no británico- sepa lo que es "Hamlet", pero todos conoceran a los amantes de Verona. Representada hasta la saciedad, ha sido adaptada al cine en multitud de ocasiones, y en infinitas historias de amor hemos podido ver rasgos de la obra más universal de Shakespeare.Así pues, la buena gente de Gonzo, viendo el éxito que les dio en su día "Gankutsuou", han decidido volver a adaptar una obra de la literatura universal como una de sus apuestas fuertes para esta temporada. "Romeo x Juliet" es una versión de la historia de Romeo y Julieta -obviamente-, pero lo es al estilo anime, es decir... con una Neo Verona que se levanta sobre la tierra como una ciudad voladora y donde los caballos son pegasos, con unos Capuleto derrocados que viven en el anonimato y con una Julieta idealista que es una espadachina que lucha por liberar a su pueblo. No obstante, y mientras los futuribles -y temibles- mechas no lo estropeen como hicieron con "Samurai 7", lo importante de esta historia sigue siendo el amor. Y en lo que al tratamiento del amor, Gonzo ha dado de lleno en el clavo, porque no ha intentado contar un romance ni explicarlo profundizando en la psique de los personajes (todo eso llegará después cuando el amor se revele como imposible y tanto la Capuleto como el Montesco quieran luchar contra su sino), sencillamente han enamorado a sus dos protagonistas con un encuentro a primera vista. Un amor sincero, real, fuerte y terriblemente romántico. Bravo para Shakespeare por hacerlo así en su día, y bravo para Gonzo por comprenderlo y que sus guionistas no tuvieran un ataque de "autores".
Y a nivel técnico la serie luce francamente bien. Tenemos un diseño artístico precioso, una animación cuidada y bastante ostentosa, lo que queda perfecto con el ambiente de neo-renacimiento en el que vive Neo-Verona. El diseño de los personajes es perfecto. La elección de las voces y la banda sonora, impecables. La dirección se recrea algo con el simbolismo de las imágenes -como no podía ser de otra forma en un anime- pero aún así tiene un aire bastante clásico.
Con Gankutsuou, Gonzo consiguió un gran anime, pero Samurai 7 se les fue de las manos en su recta final y se convirtio en algo extraño. Romeo X Juliet tiene muy buen aspecto, ahora solo falta ver como lo desarrollan.

Fascinante

La fuente de la vida (The fountain)

Película de Darren Aronofsky que sigue la estela de sus anteriores trabajos, es decir... es inclasificable.
Narra tres historias paralelas, protagonizadas por la misma pareja de personajes en tres tiempos distintos, y ambas historias se van mezclando y entrelazando para formar un collage sobre la vida y el sentido de la muerte. Puede parecer lioso, y lo es, y mucho. La narración ni mucho menos esta ordenada, saltamos hacia delante y atrás en las tres historias, y además las tres -en especial una- tienen un factor onírico o espiritual que hacen imposible resumirla.
Porque es imposible hablar de la trama de esta película más allá de la lucha de un hombre por salvar a su mujer de la muerte, y de la recreación de esta de esa propia batalla a través de un libro. Luego, por medio de mitología maya, el director trata de hacernos llegar su reflexión sobre conceptos como la resurreción o la belleza de la muerte tras una vida completa.
La dirección es excelente hasta los últimos diez minutos. Actores, guión, narración, ritmo... todo funciona a la perfección dentro de su increible pretenciosidad y ambición -objetivos de los que no sale mal parada-, sin embargo, al final de la pélicula se puede decir que el director se pierde en su símbolismo y ante la imposibilidad de cerrar esta por el guión, lo hace mediante imágenes. El final es una explosión de imágenes e ideas dificilmente explicables e interpretables, algo completamente subjetivo.
No obstante, hasta entonces, y no es mérito pequeño, la película funciona a la perfección, como un gigantesco laberinto que se va expandiendo a cada minuto que pasa, pero del que también tenemos a cada instante una visión más global que nos ayuda a entenderlo mejor.
Es una película compleja, como todas las que abordan un tema como es la muerte sin más miramientos. Pero aún así... su narrativa enravesada, sus diversos hilos, su increible dirección artistica, su grandiosa música, sus actores en estado de gracia, sus preguntas formuladas en el momento adecudado... hacen que los defectos sean pequeños y que uno salga del cine con la sensación de haber visto una buena película, y lo que es más importante, con la sensación de haber pensado mientras lo ha hecho.
No es, ni mucho menos, una película fácil o recomendable para todo el mundo. Pero, al menos para mi... ha sido fascinante.

Caer para volver a levantarse (II)

Darker than Black

Esta entrada enlaza con la de ayer, donde hablaba del pequeño "bajón" que supone Lucky Star dentro de la trayectoria del estudio Kyoto. Bones es otro estudio, seguramente más prestigioso aún que Kyoto pues lleva más de un lustro sirviendonos auténticas maravillas como: Scrapped Princess, Wolf´s rain, rapxephon, full metal alchemist, eureka 7 y ouran host club. Durante la pasada temporada, no obstante, sufrieron un pequeño pinchazo con la serie Ayakashi Ayashi, un proyecto bastante ambicioso cuya duración fue reducida de 52 a 26 episodios por la falta de audiencia. No obstante, los miembros del estudio Bones han dado muestra muchas veces de conocer perfectamente como triunfar en esta industria, y ese pequeño borrón no hace si no otorgarles más experiencia y una pequeña cura de humildad que les hará afrontar con más decisición sus próximos proyectos.
Darker than Black es el primer proyecto de Bones para recuperar ese prestigio (aunque resulta obvio que la producción ya estaba muy avanzada cuando sufrieron ese pequeño varapalo). ¿Sera un buen anime a la altura del nombre del estudio? Todo parece indicar que sí.
Bones, en primer lugar, siempre se ha distinguido por una animación excelente. Quizás no tenga demasiados excesos y en las series largas sufra algunos altibajos... pero es una buena animación. Una paleta de colores viva y siempre adecuada para personajes y escenas, una rotulación marcada pero precisa, una animación propiamente dicha siempre fluida y unos juegos de cámaras y encuadres que cuando es necesario rozan el virtuosismo técnico. Mi única queja sería que la mayoría de sus series tienen un diseño de personajes parecido, pero no es tan flagrante como en otras ocasiones y creo que se debe más que nada al estilo de su animación. En resumen, en el aspecto técnico, como siempre, Bones se muestra impecable.
Luego tenemos el argumento. Ubicada en un Japón actual ficticio y paralelo al nuestro, nos encontramos con una sociedad que vive bajo la sombra de los extraterrestres y en la que algunos hombres tienen habilidades sobrenaturales. Hay crímenes y conspiraciones, y todo ello conforma un thriller de ciencia ficción con bastante acción y algunos toques del género policiaco. Argumentalmente es compleja, y queda mucho por desarrollar y explicar, pero el punto de partida es innegablemente sugerente y atractivo. Y lo mismo se puede decir de los protagonistas, de los que poco sabemos más allá de sus acciones y sus personalidad -perfectamente definidas con unas pocas pinceladas-.
Queda mucho por contar, queda por ver si saben manejar la historia o se les irá de las manos debido a su presumible "complejidad". Queda por ver si el ritmo es tan acertado como en los primeros tres episodios, si la planificación de escenas y el ritmo siguen siendo tan coherentes y consecuentes, si los poderes tanto de los villanos como de los protagonistas no caen en una espiral de absurdez y siguen siendo un complemento y no el motor de la serie, queda por comprobar como comenzaran a interactuar entre si los protagonistas de las distintas facciones cuando se encuentren y como se desarrollaran después los personajes. Queda mucho por ver y comprobar. Pero al menos los tres primeros episodios son modélicos.

Caer para volver a levantarse (I)

Lucky Star era, sin duda alguna, uno de los animes más esperados de esta temporada primaveral en la que nos encontramos. Los motivos son obvios, Kyoto Animation nos ha regalado cuatro obras maetras durante los últimos años como son: Air, Full Metal Panic: the second raid, Suzumiya Haruhi y Kanon. Kyoto era sinónimo no sólo de una excelente animación, si no además de un gusto excelente y de una labor cuidada en aspectos tan vitales como dirección, guión o diseño de personajes. Sencillamente, Kyoto, era un estudio que trabajaba poco pero lo hacía muy bien.

Lucky Star viene, en cierta manera, a romper esa racha de obras maestras. No es un mal anime, eso lo digo desde un principio, pero el género es tremendamente complicado y no logra salir ileso. Lucky Star es una serie de 4-koma, es decir tiras cómicas de cuatro viñetas con humor inteligente, adulto y -en este caso- bastante autoparódico al tener como protagonista a una joven otaku. Es un formato cerrado y tremendamente complejo a la hora de adaptar al anime por cuestiones tan elementales como que los chistes suelen ser independientes y no cohesionados en la mayoria de ocasiones, y eso nos acarrea graves problemas a la hora de colocar veinte minutos de ellos seguidos, que exista ritmo entre ellos y que además no sean aclimáticos.
Azumanga Daioh, seguramente el anime de referencia para todo este tipo de adaptaciones, ni siquiera lo conseguía siempre, pues -aunque era brillante- en muchas ocasiones teníamos la sensación de que se nos contaba casi un spin-off de la serie y no esta en sí.
La serie que nos ocupa no consigue sobrevivir a esos problemas, pero además ni siquiera trata de disimularlos pues se mete directamente en ellos tratando de que su calidad los supla. Pero no es así. Uno no puede comenzar una serie con un dialogo -no demasiado cómico- sobre como comerse un dulce a no ser que se llame Jerry Seinfeld. No puedes saltar de una situación a otra como quieras, pues produce cansancio en el espectador, y no puedes saturar el anime con quinientas líneas de diálogo por la misma razón (y aquí además, aunque sea obvio que no ha sido realizado para nosotros, los espectadores occidentales nos perdemos entre tanta referencia a la cultura japonesa). Y no puedes hacer girar toda una serie en torno al frikismo de la protagonista, pues es un rasgo cómico carente de la fuerza necesaria para sostener la serie en torno a ella.
Lucky Star, en resumen, no es un mal anime, tiene una buena animación, unos correctos diseños de personajes, unos diálogos trabajados y con buenos puntazos de humor. Pero, al menos en mi humilde opinión, se estrella en un muro que es muy difícil escalar.

Otra entrada más para One Piece

One Piece 454

La semana pasada fueron las alas de Robin y el esperado retorno de Brook, en esta le toca el turno a este último para mostrar su forma de atacar y... por supuesto, al gran Cutty Flam, alias Franky.
Porque lo de Brook y su espada, lo de su ataque similar al de Ryoma y el hecho de que la esperpéntica imagen de un esqueleto pervertido con afro canturreando sea el preludio del apocalipsis no me parece lo más llamativo del episodio. Es importante, lo más importante del capítulo, sin duda, pero no me parece lo más llamativo. Si es un acierto o no el tiempo lo dira, aunque confio en Oda y no me cabe la menor duda de que el caos absoluto y delirante que es esta saga estará sin duda muy bien planificado en su mente.
Lo que más me ha sorprendido de este capítulo son los nuchakus de Franky. Y si lo ha hecho no es por otra razón que por la increible naturalidad con la que Oda los presenta. Franky es un personaje muy cómico, eso es innegable, pero además es una mala bestia luchando y un auténtico macarra. Su estilo de lucha es una mezcla del de Luffy y Usopp, pero Oda consigue diferenciarlo y hacerlo distinto. Y ahora nos presenta un arma que el tiempo dira si es definitiva o si dura para un par de capítulos, pero aún así resulta espectacular como de la nada se inventa unos nunchakus de columnas y comienza a repartir con ellos. Esa capacidad de atacar tan "a lo bestia", sorprendiendo a los enemigos y al propio espectador por la violencia bestial que presenta es sencillamente digna de quitarse el sombrero... pero sobre todo porque lo consigue sacando al mismo tiempo una sonrisa de los labios del lector. Grande Oda, grande.

Mirando hacia el pasado

Gamma Ray - Heading for tomorrow

1990 fue quizás el año más importante en la historia de Helloween. El grupo alemán se encontraba en todo su apogeo tras el éxito de los dos "Keeper", pero dentro todo eran peleas y Weikath y Hansen eran demasiado "gallitos" para compartir estrellato. Hansen abandonó la formación y formó su propio grupo: Gamma ray.
"Heading for tomorrow" fue su primer disco. Seguramente la madurez y explosión del grupo no llegó hasta su cuarto disco "Land of the free", pero este primer disco ya apuntaba muy buenas maneras.

Hansen era antes el mejor compositor de Helloween, y su genio se mantiene intacto en este disco, donde quizás sólo se le pueda recriminar que tuviera mucha prisa por sacarlo y que no es un disco tan redondo como podía haberlo sido. Canciones como "Lust for life", "Heaven can wait" o "Heaven for tomorrow" son auténticas maravillas (la última, quizás algo pretenciosa al ser una canción de 14 minutos), mientras que otras como "Free time" o "Space eater" si bien son buenas son bastante convencionales y se olvidan más rápido.
"Heading for tomorrow" no es el mejor disco de Gamma Ray, pero si un buen disco de heavy-metal que tiene varias grandes canciones en su interior y que muestra el potencial de un grupo que, ahora mismo, es uno de los más representativos del panorama metálico alemán.

Un hogar al que regresar

El gran Lebowsky

Hace tiempo leí una crítica que se refería a esta película como un refugio al que volver de vez en cuando cuando uno se sintiera desanimado, y creo que es una definición bastante acertada. "El gran Lebowsky" no es seguramente la mejor película de los Coen (demosle a "Fargo" este título aunque sólo sea por tradición), pero es una de sus películas más entrañables. Las películas de este par de genios siempre se han caracterizado por unos guiones exquisitos y repletos de matices, humor y mala leche, y además de unos personajes francamente memorables e inimaginables en otras películas.
Lebowsky es, seguramente, el mayor exponente de la excentricidad de sus personajes. Se trata de una película protagonizada por auténticos párias y marginados. Gente extravagante que van desde el pasotismo impagable del protagonista -el impagable "Nota" al que Jeff Bridges encarna magistralmente, al pobre Donnie del que todo el mundo pasa y que interpreta Steve Buscemi como sólo él podría hacerlo. Porque esta película es eso, independientemente de la trama, todo se sustenta en una galería de personajes secundarios casi esperpénticos que compiten en rarezas que en verdad no son tales. Pero los personajes son tan buenos, el guión que los une tan cuidado y estudiado, que resulta imposible no encariñarse con ellos y no soltar una o dos carcajadas ante frases como "Esto no es Vietnam, son bolos. Aquí hay reglas".
Sencillamente una película para recordar y para volver a ella de vez en cuando.

Sorprendentemente espectacular

One Piece 453

Un nuevo capítulo de esta serie, y una nueva lección de Oda demostrando que la etiqueta de heredero de Toriyama no tiene sentido en él y que hace mucho que su manga de piratas supero a la mítica Dragon Ball.
Esta saga de Thriller Bark es una ida de olla espectacular, un homenaje a las películas de terror y un pequeño oasis tras la épica de los últimos 100 capítulos para que Oda de cancha suelta a su sentido del humor y deshorbitada imaginación. Pero lo sorprendente es que, ni aún siendo una saga mucho menos intensa que la anterior, baja el nivel de calidad.
Esta saga es, sencillamente y en el mejor sentido de la palabra, el caos. Tenemos a la banda protagonista separada en diversos grupos, a legiones de zombis esperpénticos por todos lados, a zombis con las personalidades de los protagonistas, a arañas-gigantes, a fantasmas, a un hombre-leon pervertido perseguido por una jabalí en celo ¿?, a un doctor franquenstein, a todo un shichibukai esperando para la batalla final, e incluso a un esqueleto bardo con afro. Todo ello de golpe. Thriller Bark no tiene una estructura tan lineal como Arabasta o Enies Lobby, los piratas se han metido de repente en un castillo de zombis y van corriendo de un lado para otro mientras intentan resolver el misterio y los zombis les persiguen.
Y Oda naturalmente va intercambiando hilos de narración dejandolo todo en lo más interesante y aprovechando al máximo las ventajas del formato bolletin (y consiguiendo sobrevivir siempre a sus peligros). Los primeros capitulos eran de presentación, pero estos ya son adrenalina en estado puro y el ritmo de la serie vuelve a ser increiblemente elevado.
Pero lo sorprendente es que, en toda esta locura, el autor nos regala pequeñas maravillas como la nueva aplicación de los poderes de Robin: alas de manos. Resulta sorprendente. Otros mangas de este estilo caen en las clásicas espirales de poder, pero One Piece, además de la comedia, se vale de las "akuma no mi" para que las luchas sean siempre equilibaradas e imprevisibles. Y ahora Robin muestra una habilidad que a nadie se le había ocurrido y que esta lejos del "lo mismo pero más fuerte" al que nos acostumbran mangas como Bleach o Naruto. Poco importa si es imposible volar con manos (recordemos que ya de por si lo de hacer aparecer manos de la nada no es algo muy plausible) si a cambio nos muestra una imagen tan extrañamente poética como Nico Robin emergiendo como un angel entre un mar de zombies.

el dinero no importa cuando hay guión

Little miss Sunshine

Esta es una película extraña, pues en su trailer se intuye que tendrá más comedia de la que realmente ofrece. Porque es una película amarga, sobre una familia de fracasados que practicamente se odían entre ellos y que recorren juntos más de mil kilómetros para llevar a la hija a un concurso de belleza que es evidente que no ganará. Y la familia esta compuesta por un padre fracasado, un abuelo drogadicto, un hijo que no habla, una niña feliz, un tio gay y suicida y una mujer que trata de sobrevivir entre todos ellos. Esta familia -y la ruinosa furgoneta en la que viajan- da lugar a muchas coñas, y a diálogos memorables, pero sobre todo a una crítica feroz a la sociedad actual y a la falta de valores de ella. No obstante, lo hermoso de esta película es que todas las desgracias que les ocurren, todo lo que les hace tocar fondo a cada uno de ellos, sirve también para unirlos en un hermoso final y hacer que todos se den cuenta de lo realmente importante. Como las películas de Capra, Little miss Sunshine parte de un punto de partida amargo y parece que camina hacia un desenlace triste para al final mostrar un pequeño rayo de esperanza.
El guión, como ya he dicho antes, es magnífico, con momentos muy duros, otros muy tiernos, otros graciosos y otros sencillamente profundos. Los actores estan muy bien. La fotografía es buena. La banda sonora adecuada. La dirección, tradicional y sobria como lo requiere el tipo de película.

Kimi ga nozomu Eien

No es fácil comentar este anime, pues pertenece a ese escaso número de series que trascienden de valer para entretener durante unas horas y que se hacen con un hueco en el corazón del espectador. Kimi ga nozomu Eien -de aquí en adelante Eien- es en su corazón un shojo, pero como todos los grandes animes creo que es erroneo etiquetarlo porque, independientemente de cual sea su punto de partida, a su final no se llega si no es con mucha maestría.

No comentare apenas nada de la serie a nivel técnico. Tiene una animación correcta y unos diseños normales, como decenas de animes de esta ambientación como "Love Hina". A nivel de cromatismo, planificación de angulos o demás aspectos técnicos no encontramos ninguna filigrana. Toda su fuerza reside en el guión -increible si tenemos en cuenta que parte de un juego hentai- y en la excelente dirección que dispone de un ritmo y una planificación de escenas excelentes. En este aspecto Eien parte de las premisas de la narrativa más clásica -lo cual supone una contradicción con un género tan visual como el anime-, lo importante es lo que cuentas, no como lo haces. Lo importante es Eien es la historia, el drama, la tragedia.
Se trata esta de una historia de triángulo amoroso, pero al contrario que en la mayoria de series de este tipo aquí no hay lugar para las risas o la amistad, apenas lo hay para el amor, lo único que sacan los tres protagonistas de esta relación es sufrir. Ahí es donde radica su calidad y al mismo tiempo su belleza. Eien es un anime muy duro en lo que a las acciones de los personajes se refiere, y eso mismo se transmite al espectador.
Comencemos por el principio, pues una de las grandes virtudes de la serie es precisamente la capacidad que tiene para sorprender a raiz de lo que parece y lo que finalmente es. Eien comienza como una serie cualquiera de coleguialas. Vemos a un chico -Takayuki- al que le gusta una chica -Mitsuki-, pero a su vez él le gusta a la mejor amiga de esta -Haruka-, al final comienza a salir con esta para no quedar mal con la chica que realmente le gusta. Este es el comienzo de cualquier anime "de bragas", pero en Eien hay varios elementos que lo diferencian de este insustancial género. Para comenzar, conforme pasa el tiempo comienzan a cambiar los sentimientos de Takayuki por su Haruka, pero al mismo tiempo nos damos cuenta de que Mitsuki también estaba enamorada de él (pero no podía hacer nada porque su mejor amiga le había dicho que le gustaba). Hasta aquí todo normal. Pero al final del segundo episodio Mitsuki retiene a Takayuki para hablar con él a pesar de que Haruka le estaba esperando, y sucede la tragedia porque entonces Haruka es atropellada por un coche y entra en coma.
Tres años después del accidente Haruka despierta del coma, Mitsuki y Takayuki estan saliendo juntos, pero este último accede a salir con Haruka ya que esta no recuerda nada de lo que ha pasado.
Es aquí donde empieza verdaderamente la serie. Una lucha entre tres personajes donde cada uno quiere a los otros dos pero se desprecia a si mismo.
En Eien no hay buenos ni malos, no hay tampoco moralina alguna o mensaje posible. Se trata simplemente de una historia de amor donde los tres protagonistas se hacen daño los unos a los otros.
Nos encontramos con un protagonista masculino que no puede evitar pensar que el accidente de Haruka fue por su culpa, porque él sabe muy bien que verdaderamente sentía algo por Mitsuki entonces, Takayuki fingira ser su novio para intentar ayudarla y librarse del sentimiento de culpa. No obstante, el verdadero fin de Takayuki es sufrir, es lo que verdaderamente quiere, pues es lo que piensa que merece. No sólo se siente culpable por el coma de Haruka, si no que esta propia sensación de culpa ha destrozado su relación con Mitsuki.
Mitsuki es otro personaje muy rico. Su sensación de culpa, de traición hacia su amiga es tan grande que apenas se atreve a verla, pero sus sentimientos son contradictorios pues en el fondo la odia. Hakura y su accidente destrozaron a Takayuki, de quien ella esta enamorada y quien todavía no se ha repuesto.
Y Hakura es el último gran puntal de la historia. Una joven que lo ha perdido todo y que poco a poco se da cuenta de que también ha destrozado la vida de todos aquellos que queria. Su historia es quizás la más triste, pero se queda fuera de la serie pues podríamos decir que su verdadero calvario comienza al final.
Estos tres personajes componen un triángulo amoroso del que sólo obtienen dolor, y que en cada episodio va a peor pues todos tratan al principio de encontrar una salida "agradable" que es imposible. Así, Takayuki practicamente margina a Mitsuki para centrarse en Haruka, pero esto no hace si no amargarle más. Mitsuki trata de recuperarle sabiendo que lo esta perdiendo, y Haruka comienza a darse cuenta poco a poco de lo que ha pasado. Y alrededor de ellos un interesante elenco de secundarios que nos sirven para ver con una perspectiva terriblemente sincera a los protagonistas: Akane, la hermana de Haruka, intenta reprimir sus sentimientos por Takayuki odiando a Mitsuki, pero al final explota pues odia a su hermana por destrozar al joven. El amigo de Takayuki, eternamente enamorado de Mitsuki, no puede evitar acostarse con ella cuando esta se ha convertido en una ruina humana que recurre al alcohol para liberarse de sus problemas, pero al mismo tiempo es el que hace salir a Takayuki de su trance y le hace ver que "por intentar ser bueno con todos, lo único que hace es hacerles daño".
Vemos pues, todo tipo de infidelidades y crisis provocadas por sufrimiento y que no hacen si no agravar la situación. Eien es antes que nada, una serie terriblemente intensa. Dura y amarga como el amor no correspondido que retrata. Una serie de personajes normales inmersos en una gran tragedia y retratados perfectamente.

La serie tiene defectos, por supuesto, alguna que otra concesión al género de los H-game de los que procede en forma de criadas y enfermeras y algún que otro chiste malo, y un engendró de OVAs secuela llamado "Akane Maniax" que es sencillamente infumable. Pero da igual, todo se perdona, pues hay muy pocos animes que sean capaces de provocar sensaciones tan intensas, reales y profundas como esta obra maestra llamada Kimi ga nozomu Eien.