Meme: mis 6 personajes favoritos de ficción

No soy una persona muy dada a los memes, y como he dicho muchas veces siempre he pretendido que este blog fuera muy impersonal, pero Light me ha nominado para este meme y me sabe mal no hacerlo. Así pues, bajo unos criterios muy personales, mis 6 personajes favoritos de la ficción.

Manga & Anime: Gatsu (Berserk)
runners: Eikichi Onizuka, Monkey D Luffy, Lelouch Lamperouge, Arcueid Brunestud.

De los numerosos mangas y animes que he visto/leido, el violento Gatsu me parece el personaje más completo. Berserk es una obra brutal que carece de concesiones y que nos coloca en un mundo brutal y salvaje. Gatsu es un superviviente nato que se enfrenta a un auténtico infierno cada día sin más armas que su determinación y su gigantesca espada. Un manga con una narrativa y un dibujo impresionantes y, además, un estilo marcadamente europeo en su historia.

Cine & TV: George Constanza (Seinfeld)
runners: Iñigo Montoya, Homer J Simpson, Indiana Jones, Niles Crane, Cosmo Kramer.

Dios entre los dioses. George Contanza es bajo, calvo, gordito, mezquino, egoista, tacaño, mentiroso y vago. Es, por definición, un hombre pequeño en todos los sentidos de la palabra (ni siquiera es un buen amigo) pero es también entrañable y divertido por todo esto. Seinfeld, la serie sobre nada que trata sobre todo, tenía una galería de personajes sencillamente impresionates, pero Constanza era el rey.

Videojuegos: Sheik (The legend of Zelda)
runners: Mario, Sonic, Alex Kidd, Link

Alter ego de la princesa Zelda en el mítico "Ocarina of Time", Sheik es la encarnación guerrera de la princesa de la sabiduría. En ese juego increiblemente épico, cada una de sus apariciones tenía un halo de misticismo y espectacularidad sencillamente insuperables. Sheik verdaderamente hace poco y uno hecha en falta que se narren más su peripecias durante los siete años que Link pasa durmiendo, pero su presencia es sencillamente impresionante. Carisma, sabiduría y misterio se dan la mano en este personaje como en pocos que haya visto. Resulta interesante como Zelda y Peach han pasado de ser "items coleccionables" a personajes sencillos con un gran carisma. El mérito de Nintendo al conseguir modernizar a sus personajes recurriendo al propio mundo al que ellos pertenecen no es pequeño, los personajes han crecido sin dejar de ser ellos mismos (algo que no pueden decir Sonic u otras mascotas). Los grandes símbolos de Nintendo siempre han perdurado, basándose unicamente en juegos de calidad hechos con mimo y cuidado.

Literatura: Polgara (Las crónicas de Belgarath & Las crónicas de Mallorea)
runners: Aragorn, Gandalf, Tyrion Lannister, Danaerys Targaryen, Hari Seldon

Sin duda el personaje que más me ha sorprendido incluir en este meme. La larga saga de Eddings que componen las crónicas de Belgarath y las de Mallorea sin duda no pasaran a la historia. Son simples y más previsibles que una línea recta, pero con pocos libros he disfrutado más que con ellos y por eso considero apropiado colocar a Pol por encima de Gandalf o Dany. Personajes tópicos como ellos solos, pero todavía más divertidos. Frases y situaciones típicas de una sitcom en una serie que no se toma en serio a si misma y que resulta casi paródica. Polgara es el máximo exponente de esos personajes, autoritaria y sabia pero al mismo tiempo hermosa y cínica, es el ideal de mujer perfecta como lo puede ser Kheldar para los hombres. Esta lastrada por el machismo ligero que impregna la obra, pero la mano de la mujer de Eddings se nota mucho en una mujer cargada de carisma y fuerza.


Música: El guardían de las siete llaves (Helloween)
runners: The bat out of hell (Meat Loaf), Monstruo egipcio (Gamma ray), lso bardos (Blind Guardian)

El grupo y los discos que me hicieron "heavy". La saga de los "keepers" fueron dos discos concebidos como uno solo que aparecieron en el 87 y 88 y que componen, sin duda alguna, el punto álgido de la historia del power-metal. Una música con unas melodías veloces y poderosas interpretadas por una banda en estado de gracía. Metal alegre que contiene tanto baladas, temas oscuros y auténticas operas. El poder compositor de Weikath y Hansen junto con la voz de Kiske compusieron 2 discos que dificilmente serán superables. No incluyo aquí el tercer disco que, sin parecerme malo, si me parece fuera de lugar y más una maniobra comercial que artística.

Y por último...
Nataport. Porque crear es siempre mucho más divertido que descubrir.

Invito a hacer este meme a todo aquel que quiera.

Gakuen no tameni!

True Tears

Toda una sorpresa. En esta temporada estival, tan absolutamente nefasta, me he encontrado un grandísimo anime de colegialas que me ha hecho recuperar algo la fé en este género tan habitualmente maltratado por el gremio de los guionistas.
True Tears, como he dicho, se enmarca dentro del género de las colegilas y se trata de una comedia romátinca en el sentido más tradicional de la palabra. Pero, lo que podía ser un cúmulo de defectos, son un gran número de virtudes. "True tears" hereda lo mejor de las últimas grandes series de este género y lo mezcla con una extraña sabiduría. Tiene algo de comedia y algo de romanticismo, pero ninguno de estos dos géneros engulle al otro y los dos se nutren de si mismos para hacer crecer la serie. Con esto quiero decir que la serie narra los "noviajes" de varios jóvenes, pero que lo hace con un extraño buen gusto. Es un anime pausado, de tiempos lentos, donde sólo al final de cada episodio se rompe algo ese aire consecuente y elaborado para sorprender al espectador con un buen giro de guión. No es un anime espectacular ni grandilocuente, ni siquiera es terriblemente intenso como lo podría ser "Kimi ga Nozomu Eien", es sencillamente un drama romántico que rabaja su tono dramático con inocentes gags y que esta impregnado por un efectivo aire triste y meláncolico al más puro estilo "Suzumiya Haruhi". Porque la serie tiene un extraño aire de realismo mágico o de cuento de hadas que recuerda inevitablemente a la obra cumbre de Kyoto o -siendo pretenciosos- a los grandes maestros de la literatura sudamericana de este siglo.
El apartado gráfico de la serie también es más que notable. El diseño de personajes y escenarios no es particularmente espectacular, pero si esta lo suficientemente cuidado como para no resultar tópico. Este diseño, y una cuidada animación, le dan un aspecto francamente agradable a la vista. Cuenta además con una buena banda sonora y unos buenos dobladores. Por decirlo en pocas palabras, no es un anime espectacular, pero tampoco es un anime en el que parezca que se haya escatimado en gasto. Es más que correcto.
Así pues, no es Haruhi y no es Kimi Ga, es una comedia de colegiales que no escapa de su género, sencillamente lo dignifica. Muy recomendable.

Solo

One Piece 488: "Canción de vida"

El flashback de Brook ha finalizado y con su última sentencia podemos entender que ya "habemus bardo" y que la banda de Luffy cuenta ya nueve miembros. Ha sido un flashback corto y carente de la carga argumental que suele ser normal en la saga (normalmente el villano de los flashback suele ser el mismo al que la banda se enfrenta en esos momentos, aunque era normal teniendo en cuenta que se ubicaba 50 años en el pasado), no obstante ha sido un gran pasado. En el capítulo anterior ya descubrimos a la banda de los "Piratas Rumba", descubrimos como conocieron a Laboon y como esta se hizo nakama suyo, y descubrimos como su capitán y varios miembros más tuvieron que abandonar su sueño por una terrible enfermedad. Pero por encima de todo descubrimos esas terribles escenas de Brook regresando al barco y encontrando unicamente los cadáveres de sus amigos. Brook navegando durante 50 años en un cementerio flotante con la única compañía de sus fantasmas.
En esta segunda mitad del flashback, todo ello se intensifica. Vemos el infierno que ha sido la vida (skulljoke XD) de Brook, la verdadera tortura que debieron ser ese medio siglo vagando por los mares. Pero, por encima de todo tenemos la escena de la canción. Oda tiene una habilidad increible para idear este tipo de escenas. Cuando la banda de los piratas fue derrotada, cuando agonizaba bajo incontables heridas, aceptaba su muerte como parte de la vida pirata y sólo lamentaba una cosa: no despedirse de Laboon. Y es entonces cuando Oda nos revela que lo último que hizo la banda fue grabar sus voces cantando la canción del Sake de Binks -desde ya el himno oficial de la serie- en un díal con la esperanza de que Brook resucitado pudiera llevarles sus voces a su última compañera. Una escena de una belleza terrible y desgarradora donde los amigos de Brook van muriendo uno a uno mientras cantan la canción. La grandeza de este manga se ve en estas escenas, escenas pequeñas e íntimas que se salen de los cánones tópicos de los shonnen y que son mostradas con un gusto y una naturalidad increibles.
Porque, además, la escena de "Todavía podemos cantar un cuarteto... trío... dueto... sólo" es increible, pero no es lo único que vemos en el capítulo. Oda no diseña un capítulo en función de un momento, Oda diseña los capítulos en función de la historia. En este capítulo no sólo vemos la tristeza de Brook, vemos su alegría. Una hermosa imagen doble muestra entera la letra de su canción, en un lado vemos a su antigua banda pirata (y a él vivo), y en otra a la banda de Luffy (y a él muerto). El círculo se ha cerrado. He dicho ya muchas veces que esta saga no me ha entusiasmado, me recuerda más a la saga de Drum que a la de Arabasta, para comparar. Pero ha tenido muchas cosas buenas y este pasado de Brook viene a ser una de ellas. Pasado triste y terrible como todos los de la serie, y narrado además con una habilidad extraordinaria. Flashback corto que me imagino al compás del piano del esqueleto; mezclando música, imágenes y sentimientos... Oda ha hecho todo un AMV sobre papel.

Excelente retrato, fallida película

No country for old men

En primer lugar disculparme, pero no pienso usar el título en castellano de esta película pues la he conocido siempre bajo ese nombre. Se trata esta de una película muy extraña, el regreso de esos grandes autores que son los hermanos Coen a su mejor cine (alejados de las mediocridades como "Ladykillers" que han dirigido estos últimos años), pero precisamente este retorno a su buen cine a hecho que en seguida sea comparada con grandes clásicos como "Muerte entre las flores", y contra obras maestras como esa sale perdiendo. "No country for old men" es una buena película, pero juega en su contra el excesivo bombo que se le ha dado.
Los Coen, para empezar, parecen haber cambiado. Su cine es ahora más oscuro y menos cínico. Muchas de sus películas antiguas eran duras, pero en todas ellas existía por debajo un pequeño hilo de esperanza que les confería sus extraños finales felices. En esta película no, aquí todo es terrible, es un retrato de lo dura que es la vida, de como esta no concede un descanso y como engulle a todos aquellos que no son capaces de enfrentarse a ella. En este aspecto la película nos muestra un paisaje sencillamente espeluznante; ese desierto que es Texas, en el cual bandas de mexicanos se matan entre ellos por droga y donde los sheriff americanos no pueden hacer otra cosa que ver pasar el tiempo. Resignación es la única opción posible ante una violencia y una crueldad a las que es imposible oponerse.
No obstante, si como alegato contra la violencia la película es implacable, no puede decirse lo mismo si la juzgamos unicamente como largometraje. Tanto la dirección de los actores (con ese, verdaderamente, monstruoso Bardem que tanto se ha vendido) como el ritmo son impecables (la película es lenta pero te mantiene siempre en un estado de constante tensión), el guión es denso y desarrolla a la perfección a los personajes, y la transición entre las historias de los tres protagonistas tienen una soltura excepcional. No obstante, en su final, la película se les ha ido de las manos a los Coen con un desenlace demasiado incierto y -en cierta manera- apresurado. Una guinda agridulce para una película fascinantemente violenta y oscura que me ha encantado.

¿El primer gran juego de Wii?

Zack & Wiki: en busca del tesoro de Barbaros

Si me preguntaran si este es el mejor juego de Wii diría que no, tanto Zelda como Mario le superan; si me preguntaran si es el que mejor partido sacar de su mando seguramente tendría que decir que seguramente tampoco, pues por ahí andan Wii Sports y Trauma Center. No obstante, Zelda y Mario eran juegos que utilizaban poco las capacidades del mando, Wii Sports es un juego muy simple y Trauma Center era en sus orígenes un juego de DS. Así pues creo que este es el primer gran videojuego que compro para mi Wii que esta diseñado para ella desde cero. El resultado, una extraña mezcla de aventura gráfica con puzzles, es sencillamente magnífico.
Zack & Wiki, como los grandes juegos, apenas tiene argumento. Siempre he defendido que los videojuegos rara vez deben tener argumento y este juego casi prescinde de él; simplemente somos un pirata que, por avatares del destino, acaba en una isla repleta de tesoros. Mientras vamos recorriendo las distintas fases de la isla la simpática historia avanza para explicar así los cambios de escenario, pero el motor del juego no es la historia, es el juego. Porque en Zack & Wiki apenas hay diálogos, y por no haber no hay ni un inventario para llevar objetos. Nuestras armas en este juego son un puntero que nos sirve para mover al personaje y seleccionar los objetos sobre los que actuar, un mando con el que reproducir los movimientos lógicos de los objetos antes mencionados y nuestro ingenio. El planteamiento es simple y directo, no hay explicaciones de ningún tipo, simplemente se nos deja en un escenario y -valiéndonos de todo lo que hay allí- hemos de alcanzar un cofre de tesoro.
El juego es bastante complicado, algunos puzles son muy díficiles pero esto no implica ilógico, todo se resuelve con una lógica impresionante, pero hay que pensar y en este juego no se puede hacer nada al tuntun pues las acciones tienen recompensas (podemos morir o fracasar en una misión perfectamente). Es esta una sensación bastante gratificante pues verdaderamente las opciones que podemos realizar parecen siempre muy limitadas, pero apenas tenemos objetos o posibilidades y el juego te obliga a darte cuenta de que hay otra cosa que puedes hacer u otra manera de como puedes hacerla, sabes que la solución la tienes en frente tuya y que es lógica, y esto engancha bastante. Es un juego que te obliga a pensar bastante y que te recompensa por ello. En este aspecto encuentro este juego mejor que aventuras gráficas como Phoenix Wright u Hotel Dusk que he jugado recientemente, pues en estas el abánico de opciones era tan amplio que muchas veces uno se perdía y, además, existía ese horrible defecto de las aventuras gráficas en el que no importa sólo lo "que" haces si no también "cuando" lo haces. La jugabilidad de este juego es sencillamente impecable, desde un principio sabes lo que tienes que hacer y no existen tiempos muertos con interminables diálogos o momentos en los que no sabes que hacer. El juego es increiblemente directo e, incluso es sus complicadas fases finales, esa sensación de aburrimiento y desesperación que aparecía en antiguas aventuras gráficas no aparece, en todo momento sabes que es lo que debes hacer a continuación y tu único objetivo es averiguar el como lograrlo.
A nivel técnico el juego es bastante resultón. Estetética pirata cell-shading que recuerda irremediablemente a la saga Wind Waker de Zelda pero que entona perfectamente con un humor y una historia marcadas claramente por una desenfadada estética manga. Escenarios coloridos y alegres, con unos diseños exageradamente definitorios y distintos entre sí. Hay algunos juegos de luces bonitos, pero el juego busca ser directo y sencillo y el perderse en detalles gráficos sería el mismo error que hacerlo en historias complejas o una jugabilidad rebuscada. La música resulta simpática, así como las voces, aunque no destaca demasiado. El control, como ya he dicho, es impecable, cualquier forma posible de usar el wiimote esta implementada, podemos reproducir cualquier movimiento factible con el mando de la consola (algunos están mejor reproducidos que otros pero también carece de sentido pensar que el juego va a reproducir los movimientos de alguién 1 a 1, hay que adaptarse al juego).
En resumen, el juego es, sencillamente una delicia. Un juego que te disfrutar pensando, y eso no suele verse mucho en estos tiempos.

Lo peor de Asimov

Asesinato en la convención

Esta novela me ha parecido, sencillamente, lo peor que he leído de "el buen doctor". No soy un gran aficionado a la novela policiaca o de detectives, y este libro no me va a enganchar al género. He leído un poco de Asimov (muy poco si consideramos la extensión de su obra), pero todo ello se encuadraba dentro del género de la ciencia-ficción, decidí darle una oportunidad a sus otros relatos y me he encontrado un libro que, si bien no es malo, no me entusiasma.
Para empezar, no creo que la novela de detectives. Entiendo que en los años de Arthur Conan Doyle era factible, pero hoy en día no creo que en el romanticismo de un detective inteligente siguiendo las huellas hasta encontrar un criminal que cree haber cometido el crimen perfecto. No he visto CSI, pero no creo que un crimen se resuelva en un día y que lo haga por la inspiración divina de un genio. Y este género de novela se basa en eso. Y además esta novela no la protagoniza ni siquiera un detective, si no un escritor que, conociendo a la víctima, parte de unas pistas que ningún tribunal aceptaría para afirmar que su amigo ha sido asesinado (algo que, por otra parte si no obvio no es descartable según la escena del crimen).
No obstante, a pesar de todo esto, la novela muestra el genio de su escritor. Porque "Murder in the A.L.A" es ante todo, una crítica mordaz ante la vorágine del mundo editorial y una parodia de si mismo. La acción se ubica en una convención de libreros y editores, y allí Asimov tiene cancha para destripar y criticar el mundo de los libros y su funcionamiento. Además, utiliza una extraña narrativa en primera persona en la que él mismo es un personaje que acompaña al protagonista (amén de unas curiosas anotaciones y de un juego con el lector sobre la autoría del libro) que resulta bastante divertida. Asimov escribió este libro forzado y decidió criticar en él a todo el mundo editorial que tanto le presionó, y disfrutó escribiéndolo... o eso o sencillamente pretendió quedarse con el lector desde un principio (lo cual no me parece para nada extraño viniendo de quien viene)

Puntapie a la SGAE

Centinela - Claustrofobia

Centinela es un grupo que recientemente he descubierto y que trata de abrirse paso en el díficil panorama heavy nacional. Siempre he estado muy encasillado en el power metal aleman y todo lo que se sale de él me cuesta bastante escucharlo; con este grupo me pasó eso al principio, es bastante duro y no se adapta demasiado a mis gustos pero, tras varias escuchas, no puedo si no rendirme ante el gran talento de esta banda albaceteña.Heavy en su más poderosa y tradicional faceta, es un grupo en el que predominan unos tonos graves y una batería contundente y para nada obsesionada con el doble bombo con una voz sencillamente espectacular (la variedad de registros y tonos del cantante es muy grande). El grupo tiene una fuerza que me recuerda el heavy británico más tradicional.
No obstante, si bien baladas de medio tiempo como "Esta noche" o maravillas estéticas como "La herida" o sencillamente temazos como "Pánico" convertían su disco anterior en una pequeña maravilla, creo que este me gusta más. "Pánico" era un disco duro, era increiblemente bueno y consiguió engancharme, pero este "Claustrofobia" me parece más melódico y acorde con mis gustos más tradicionales. "Nueva vida", "Voz" o "Sólo un respiro" son canciones sencillamente maravillosas, hinmicas, enganchan desde la primera oída. Y del resto del disco poco puedo decir al que no haya escuchado este grupo. Rock duro y directo, con unas guitarras quizás algo escasas pero que se marcan unos riffs grandiosos y una voz que me parece mejor cada vez que la oigo.
Iba a hablar tarde o temprano de este disco, pero he decidido adelantar un poco mi blogeo y aún sin haber escuchado demasiado el disco ya puedo asegurar que me gusta, la razón principal es la que da el título a esta entrada, y es que el disco se puede descargar integramente desde la página web de Centinela. El disco sale hoy a la venta y, con un par, el grupo lo ha colgado en su página para que todo aquel que quiera se lo baje legalmente y les escuche. Su objetivo no son las ventas en CD (que aún así seran copiosas) si no que su disco llegue a la mayor cantidad de gente, que sean descubiertos. Desde hace mucho he oído que los grupos no ganan demasiado con los discos (no así las discográficas) y que para ellos el verdadero negocio son los conciertos. Me gusta esta medida tomada por el grupo, yo soy un idiota idealista y tengo intención de comprarme el disco, pero aún así tengo que aplaudir la valiente actitud del grupo, su visión a largo plazo y sencillamente que su amor por su música este -relativamente- por encima del frío metal.

Guiño a la historia

One Piece 487: "Aquella canción"

Como llevo diciendo desde hace tiempo, esta saga de Thriller Bark no me esta terminando de convencer en su recta final, los combates han sido muy extraños y el que ahora nos coloquen el flashback de Brook no deja de ser algo casi fuera de lugar. No obstante, ante esto que casi oficializa la entrada de Brook en la banda, no me quejaré. Siempre ha sido muy complicado para Oda -y para cualquier mangaka- usar una herramienta tan poderosa y peligrosa como los flashback; mediante ellos conocemos mucho mejor a los personajes, pero también se corta el ritmo de la historia, y además se ha de sintentizar en 3 o 4 capítulos una historia lo suficientemente fuerte como para definir la actitud de un personaje durante el resto de la serie. Creo que, igual que Oda sencillamente lo bordó en la saga de Ennies Lobby - Water 7 con la inclusión de los flashback de Franky y Robin en momentos espectaculares, en esta saga no le esta saliendo todo tan bien. Por falta de enemigos y de historias secundarias, todo en esta isla se ha precipitado demasiado al final. Ahora toda el pasado del esqueleto músico.
Estaba en contra de este flashback. No le encontraba un momento propicio para narrarlo y creía que las pinceladas que se vieron durante el combate del esqueleto contra Ryuma eran suficientes. Me parecía genial la idea de que Brook no tuviese el tradicional flashback de la banda, porque su pasado ya lo habíamos vivido cientos de episodios atrás cuando Luffy y cía entraron en el Grand Line y se encontraron a Laboon. Creía que no hacía falta saber nada más del músico porque ya habíamos descubierto mucho. Creía que sería un error que se nos mostrase su pasado porque ello implicaría revelar su rostro en vida, y este podía ser un un hermoso misterio de la serie como lo es el ojo izquierdo de Sanji. Me equivocaba.
Oda no tiene piedad de sus personajes. Esa pequeña gracia que seria no mostrar nunca el aspecto original de Brook no podía imponerse ante la necesidad de conocer su historia. Porque ahora, no cabe duda, comprendemos el verdadero alcanze del drama de este personaje. Se estable la eterna pregunta de que personaje tiene un pasado más triste. Nami ha sido esclava de los tritones que asesinaron a su madre, Chooper mató por error a su padre, Robin ha sido perseguida toda su vida, los hijos de Franky mataron a su padre... y Brook ha estado sólo. En sus palabras advertiamos su tristeza y su dolor, pero sólo ahora que estamos viendo su historia comprendemos su verdadera tragedia. Resulta sencillamente desgarrador ver al alegre músico que Brook era hace 50 años, a su animada e idealista banda, el cariño que sentían por Laboon y como esta era verdaderamente una más de la banda; y Oda se lo va quitando todo poco a poco. Laboon es obligada a quedarse en Twin Capes, el capitán muere lentamente de enfermedad sin que sus nakamas puedan hacer otra cosa que verle morir. Y aunque aún nos falta por ver como terminan de morir todos, te saca las lágrimas ver a Brook -después de volver a la vida- caminar por la cubierta de su barco descubriendo los cadáveres de sus amigos.
Y durante 50 años Brook no ha podido hacer otra cosa que pasearse por esa tumba flotante de barco, entre los cadáveres de sus amigos, deseando morir pero atado por la promesa a su único nakama vivo. Un nakama que ahora sabe que esta viva.
Y durante todo ese tiempo ha canturreado la canción favorita de la ballena y de su capitán. La canción con la que se presentó ante la banda y que tanto Robin como Luffy conocen... son estos -junto al increíble drama desarrollado en sólo 20 páginas- los que convierten a One Piece en One Piece.

Paciencia recompensada

Spice and Wolf

En una temporada invernal más que floja pocos animes me han llamado la atención. Como imprescindible, unicamente considero la segunda temporada de Zetsubou; después, en un mar de mediocridad, hay unos pocos animes que me han llamado la atención y uno de ellos es este.
"Spice and wolf" nos colocá en un medievo ficticio, donde un mercader viaja entre distintos pueblos y, en uno de ellos encuentra a la encarnación de una diosa lobo. La diosa, Horo, se unirá a él en un viaje de peregrinación hacia su tierra natal.
Esta es una de esas series que se salen algo de la tradición frenética y directa de la animación japonesa en la que acción cede paso a un desarrollo pausado y cuidado de la historia. Es una serie que si bien en su trama principal es simple, en el resto es extremadamente compleja y densa; nos presenta un mundo complejo y muy elaborado donde los protagonistas son sólo unos viajeros más en un mundo que se mueve a gran velocidad. No obstante, si la trama principal es simple, no sucede lo mismo con los dos personajes principales, en especial Horo, una diosa enigmática, alegre a la par que triste, sabia y al mismo tiempo inocente, pero, por encima de todo, un ser triste y herido de soledad. La relación entre la diosa Lobo y Lawrence, el mercader, es un motor lo suficientemente potente para sostener un anime tranquilo y meláncolico que, a falta de ver su desarrollo final, parece una buena apuesta en esta temporada (como también lo sería en una temporada más potente).
A nivel técnico, la serie no destaca especialmente y ofrece un extraño contraste al ser, tanto el diseño de Horo como su animación, superiores a los del resto de personajes (quizás comprensible, pues la diosa-lobo destila carisma por los cuatro costados y es la gran atracción de la serie). No obstante, presenta unos bellos paisajes que son acompañados por un score notable y que, juntos, componen un marco entre triste y bucólico que concuerda perfectamente con el tono de la historia.

La grandeza de una buena historia.

Nodame Cantabile

Disfrute como un niño con el anime, he disfrutado tanto o más con una serie de acción real que abarca practicamente la misma historia y disfrutaría todavía más con el manga si alguna editorial se dignara a traerlo. Las peripecias de un joven director de orquesta y una pianista -punto de partida poco sugerente-, comenzando en la música con un pequeño grupo de otros músicos es, sencillamente una delicia. No hablaré mucho de la historia, pues es bastante simple y funciona a las mil maravillas, ni sobre la narrativa pues se asemeja mucho a la del anime y esta ya era portentosa, y tampoco hablaré sobre el score pues este ya se presupone grandioso y supera incluso al del anime al tener más tiempo para mostrar temas. "Nodame Cantabile" es una historia sencillamente maravillosa que, en su segundo visionado -repito, las diferencias con el anime son minúsculas- me ha seguido encantando. Hablaré de "Nodame Cantabile" con "dorama".
Lo primero que me llama la atención de este drama es su buen equilibrio entre lo que es "real" y lo que es "manga". Los dramas japoneses tienen una tendencia a la exageración y -en el caso de los actores- a la sobreactuación. En el caso de esta serie tenemos dos personajes: los normales y los raros, los normales suelen realizar actuaciones relativamente comedidas y sólo en momentos puntuales son "arrastrados" a la exageración de gestos que, descomunalmente, se ve en personajes como Nodame, Masumi o Mine. Curiosamente, al más puro estilo manga, los personajes serios de vez en cuando se deshiniben y los alocados se vuelven serios en los mismos momentos. En Densha Otoko, los actores no estaban demasiado bien y ello perjudicaba a la historia por la exageración de sus gestos, en Nodame todo esta mucho más medido y en -de alguna manera- han conseguido recrear perfectamente en carne y hueso unos personajes de manga (valiéndose no sólo del talento de los actores, si no también de pequeños efectos visuales y montajes). Los actores estan francamente bien en esta serie, en especial Mine y Chiaki, que particularmente me han emocionado bastante con su entusiasmo por la música.
Después tengo que hablar de la extraña espectacularidad de la serie, pues aunque es obvio que son actores finguiendo que tocan y que la música es un efecto más, resultan espectaculares las distintas piezas musicales y -sobre todo- los conciertos. Momentos como el debut de la "Orquesta S" o las piezas a doble piano son mucho más impactantes que en el anime. Y también resulta mucho más espectacular la montaña de basura que es el piso de Nodame.
Sobre el ritmo, los encuadres, el guión, la selección de temas musicales... nada puedo decir, todo es absolutamente igual que en el anime, y este era una obra maestra.
Por último, los puntos negativos. Los efectos especiales son casi nulos y se basan en unos pequeños montajes y efectos infográficos, pero la productora debería haber intentado que el flashback del accidente aéreo de Chiaki no fuera tan condenamente cutre (es extremadamente cutre). Y la selección de actores es francamente mejorable, independientemente del histrionismo habitual de estas series, no puedo creer que no existan un par de actores japoneses con rasgos algo alemanes (Stresseman canta mucho, un japones moreno con peluca no es un alemán).
Pero, pequeños defectos al margen, esta serie es una pequeña maravilla que ni siquiera habiendo visto el anime (que es practicamente igual) pierde su atractivo.

Tremendo

La familia de Pascual Duarte

Buscando información sobre este libro he visto que dicen que inagurá el "tremendismo", un género cruel y duro que retrata una sociedad terrible, brutal y desesperada. Lo veo bastante acertada. Esta novela me ha recordado en cierta manera a "crónica de una muerte anunciada" por su descripción de una sociedad arcáica basada por completo en conceptos como el honor y la tradición, con la diferencia de que aquí esa tradición es mayor y la violencia es verdaderamente el único recurso que los protagonistas conocen. Y por supuesto la magia que García Márquez imbuye a sus novelas aquí esta muy lejos siquiera de sospecharse.
De Cela leí hace ya casi una década "La colmena", novela que me pareció sobresaliente a todos los niveles posibles. "Pascual Duarte" es mucho más amarga y dura, pero la iguala en calidad. No soy un gran fan de la literatura "española", y basicamente cuando veo las descripiciones de las tramas que suelen escribir los escritores actuales se me quitan las ganas de leerlos. El panorama de las letras españolas actuales... sinceramente lo desconozco, pero creo que el hecho de que no sean capaces de atraer a un lector relativamente normal como soy yo ya da buena muestra de su estado. No obstante, hay excepciones, autores que se han ganado su nombre, que no eran nadie y consiguieron vender libros a fuerza de la simple calidad de sus obras. Cela es uno de esos hombres, sus argumentos no me gustan, pero sus libros estan, sencillamente, maravillosamente escritos.
"La familia de Pascual Duarte" me sorprendió primero por su complejidad; la historia no se narra linealmente y, verdaderamente como si fueran una memorias, la estructura de la trama es pasioanl y autobiográfica. La prosa usada por Cela es compleja y rebuscada, pero no pedante, el protagonista usa muchas comparaciones en sus descripciones pero todas ellas son muy comunes y casi parecen resaltar su analfabetismo. La descripición psicológica del protagonista es terrible, mostrando en ocasiones momentos de belleza y delicadeza notables, pero tomando siempre la peor decisión posible en cada momento. Decisiones tomadas por un ambiente terrible, opresor y agobiante, ambiente que odia pero del que no puede escapar pues él mismo se ha convertido en él. Así pues, sus terribles crímenes parecen casi inevitables y uno casi se apiada de un protagonista evidentemente avergonzado que no quiere otra cosa que vivir en paz. La descripción de esa España interior de primeros de siglo, esa España anclada en tradiciones de honor y religión, esa España pobre y miserable donde era imposible soñar es sencillamente tan magistral como lo era el Madrid de post-guerra que veíamos en "La Colmena".
Historia al margen, es imposible no mencionar el estilo narrativo de Cela. Este hombre juega con el tiempo de una manera magistral, reflejando en número de páginas la importancia de los momentos del protagonista (su infancia y sus momentos felices apenas son unas pocas cuartillas, sin embargo los instantes en los que comete sus crímenes son increiblemente lívidos). Además hace un uso perfecto de las elipsis narrativas e incluso se deja el final por narrar, dándonos de él sólo constancia por terceros y por el arrepentimiento del protagonista.
En resumen, si bien no es una novela "fácil", si tiene una calidad excepcional.

Se acabaron los preliminares

Eyeshield 21 - Tomo 9

Ya todas las cartas han sido puestas sobre la mesa. Todos los equipos principales han sido presentados y se preparan para el gran torneo; por tanto se acabaron todos los partidos iniciales.

Este tomo marca claramente el fin del principio de la serie o el principio del final.
Es un tomo impar y ello conllevaría que fuera un tomo de transición antes de uno de partido. No será así, tendremos al menos un par de tomso de transición en los que los distintos equipos se prepararan y realizaran sus pertinentes "power-up" de cara al torneo. Este tomo en concreto nos presenta algo más a los "vaqueros", pero sobre todo se centra en presentar el bestial entrenamiento que harán los protagonistas para subir de nivel. El entrenamiento es una auténtica bestialidad y supera con creces la pedantería de entrenamientos como el de "Prince of tennis" u otras series deportivas, donde los protagonistas se van un fin de semana a la playa y mejoran un disparate. Este manga, es exagerado y muy hiperbólico en su humor, y aquí lo muestra. No lo veo mal, la serie nunca ha querido ser realista como un "Hajime no Ippo". No obstante, no sólo crecen "fisicamente", lo más importante es como todos los personajes terminan de unirse para formar un super equipo y como el propio protagonista acaba admitiendo que ama ese deporte al desvelar su identidad ante el resto de los personajes.
A nivel visual la serie sigue mejorando, el autor tiene más tables y confianza y los diseños de sus personajes y de sus escenarios han mejorado considerablemente (y además siguen siendo bastante personales y no parece que se ampare demasiado en el ordenador). El humor sigue estando muy presenten en la serie y el viaje a America -que pensaba que para nada me iba a gustar- se está resolviendo extremadamente bien.

800 se dice pronto

Hajime no Ippo ~ Capítulo 800

La serie de Morikawa, que comenzó allá por el 89, ha alcanzado ya su capítulo 800. Son más de 80 tomos y la serie todavía parece que está lejos de acabar. Hajime no Ippo cuenta con series contemporáneas como "Berserk" o "Oh, mi diosa" que todavía hoy siguen publicándose y que gozan de una gran popularidad, sin embargos esas series apenas llevan 30 tomos y su periodicidad no es semanal. Morikawa lleva 20 años dándonos cada semana nuestras 20 páginas de proezas pujilisticas, y durante ese tiempo su historia y sus personajes no han hecho si no crecer. La serie ha tenido baches y es en muchas ocasiones previsible, pero todo ello lo compensa con creces con sus grandes momentos.
La evolución de esta serie es, no obstante, extraña. Desde el episodio 300 aproximadamente, los combates del protagonista casi puede decirse que han pasado a un segundo plano. Una vez que Ippo consiguió el título, la serie se convirtió más en la historia de los boxeadores del gimnasio de Kamogawa que en la de Ippo; Takamura, Aoki, Kimura y Itagaki cobraron un peso mucho mayor y vimos como sus carreras se desarrollaban. El autor, si bien mantiene a Ippo como protagonista principal, tiene más historias para contar. Es dificil para Morikawa manejar el gran número de boxeadores carismáticos que ha creado y, por ejemplo, Sendo lleva mucho tiempo sin aparecer. Los combates se hacen cada vez más largos como es habitual en los shonnen, y si bien mantienen su interés en ocasiones (los épicos combates de Takamura, el Mashiba vs Sawamura o mismamente el último combate de Ippo) son también más previsibles (es obvio que los primeros asaltos son casi de relleno) y hace que en un año veamos apenas dos combates y un poco de desarrollo de la historia.
Ippo, particularmente, lleva bastante tiempo sin un gran combate y, aunque ahora parece haberse decidido ya en su objetivo, creo que sus combates seguiran sin ser tan grandes como los de antaño pues el autor "tiene miedo" de crear más rivales carísmáticos como Sendo, Volf o Sawamura que el público quiera ver después desarrollados. Pero habrá tiempo, creo que otra de las intenciones de Morikawa es no caer en el tópico de que Ippo conquistará el título mundial con 20 años; pasarán años, pasarán muchos años antes de que Ippo se enfrente a Martinez y a Miyata en lo que supongo que serán los combates finales. Mientras, veremos como Takamura conquista 6 títulos mundiales, como progresan "amigos" como Volf o Mashiba y como se decide la carrera de Itagaki.
Pero la serie, si bien estos últimos 100 episodios me han parecido "la centena" más floja de lo que va de serie, tiene una salud formidable. En breve veremos otro combate de Takamura por el título y, por encima de todo se acerca uno de los que será -sin duda- uno de los grandes momentos de la serie: el segundo round Miyata vs Randy Boy. La sombra de Randy Boy Jr lleva sobrevolando la serie 100 capítulos como el único gran "villano" que ha aparecido desde Sawamura. Es el combate más importante de Miyata, un combate que Morikawa debe llevar lustros preprarando.

Inteligencia al servicio de una pluma

Rebelión en la granja

Escrita por Orwell en los años 40, esta novela ha sido descrita muchas veces como una feroz crítica contra el comunismo. No lo veo así. El comunismo, como el capitalismo, no tiene nada malo como concepción política (y de hecho su punto de partida me parece bastante mejor), no obstante, como todo, depende del ambiente sociopolítico que le rodee y -sobre todo- de las personas. Y las personas son corruptas.
Colocaría esta novela como un puente entre "La vida de los otros" -excelente película que narraba el final de comunismo en Alemania y la corrupción de sus líderes frente a un par de honestos e idealistas comunistas- con "El señor de las moscas" -otro buen análisis de la corrupción humana y de nuestra tendencia hacia el salvajismo-. Este libro, no obstante, me parece mejor que la novela de Goldwin (no lo comparó con la película alemana por ser medios muy distintos).
El libro nos narrá la rebelión de unos animales en una granja y como, con el paso del tiempo, los idealistas sueños de la mayoría son aplastados por la corrupción de sus líderes. El libro nos retrata de una manera magistral como poco a poco los líderes se van corrumpiendo, como la sed de poder lleva a uno de los líderes a oponerse a las ideas más lógicas sólo porque no son suyas y como acaba recurriendo a la fuerza y al terror para imponer sus ideas, como una democracia acaba convertida en un dictadura. La manipulación de la verdad y de la historia, las mentiras que ocultan amenazas, la paranoia como elemento unificador, la crueldad desmedida supuestamente justificada. En definitiva, la corrupción de un grupo de animales que, en un final magistral, el resto de animales son incapaces de diferenciar de los humanos.
Orwell lo escribe todo con una naturalidad pasmosa. Bajo la excusa de la fábula animal todo parece menos importante y más banal, y en esa simplicidad donde los animales más estúpidos son incapaces casi de pensar, es donde vemos la malicia terrible de las clases dominantes. Escenas como las construcciones del molino, las rectificaciones de los siete mandamientos o el escalofriante final de Boxer son -por su sencillez- estremecedoras. En resumen, un libro sencillamente inteligente.

Hitos

Este es un blog de reseñas y nunca he querido salirme de esa temática (no felicité las navidades, no puse nada cuando acabé la universidad o cuando encontré un trabajo). En este blog me he limitado siempre ha escribir reseñas de libros, videojuegos, discos, mangas y animes. La única excepción que realize fue cuando me fuí a Madrid un mes y medio por motivos de trabajo y advertí que el ritmo de entradas sería practicamente nulo durante ese tiempo. Hoy volveré a saltarme ese principio de este blog para narrar el concierto en el que estuve ayer. No se sale de la temática de heavy que muchas veces introduzco en este blog y, sobre todo, las seis horas de coche que me metí ayer no pueden estar mejor recompensadas ante un hecho posiblemente irrepetible (esperemos que no) como fue volver a ver tocar juntos a Kai Hansen, Michael Weikath y Markus Grosskopf.

Hellish Rock - World Tour 2007~08

En primer lugar, el lugar: la sala Industrial Copera de Granada. Era grande y tenía buenos accesos y aparcamientos, por desgracia el sónido no fue demasiado bueno y además presentaron un escenario bastante pequeño que hizo que Helloween no pudiera montar su escenografía habitual y que en el glorioso segundo bis todos estuvieran muy apiñados.
Ahora ya, el concierto en si.

Axxis.
Evidentemente iban de teloneros y en poco más de media hora no pudieron hacer más que tocar seis temas. La selección de estos, naturalmente, era complicada. Tocaron dos canciones de su último disco; "Doom of destiny" para mi gusto bastante floja y la espectacular "Blood Angel" aunque esta perdió algo en vivo al no conocerse demasiado la gente su estribillo. Después mencionar la gran "Kingdom of the nigth" y esa maravilla de himno que es para los conciertos "Little loop back" y con la que se ganaron al público.
Tenían poco tiempo y el público no les conocía tanto como a los dos monstruos que vendrían después, pero se desenvolvieron bien y no creo que nadie se quejara de su actuación. Eso sí, el cantante tenía una forma muy rara de actuar sobre el escenario que no puedo describir de otra forma que, cuando no cantaba, parecía "estar sacudiéndose el polvo de los pantalones".

Gamma Ray.
Primer plato fuerte de la velada y, para mi gusto, el mejor al final de esta. Sucedió algo raro, en los conciertos de Barakaldo y Lugo Kai Hansen no había cantado por una gripe y en su lugar lo había hecho el cantante de Metalliun, aquí Hansen si cantó pero cedió el turno a su amigo en dos canciones a modo de agradecimiento y para descansar un poco la voz.
Que decir de una banda que tiene semejante directo. Todos sus temas tenían una calidad cercana a la de los albunes de estudio y ganan en todo lo que puede ganar un grupo en directo. Antes he mencionado que el sónido no era demasiado bueno, con Gamma no se notaba.
Comenzaron con unos espectaculares "Into the storm" y "Heaven can wait" (la primera me parece algo floja en concierto, la segunda es no me gusta demasiado en CD pero en directo es una gozada). Pasamos a dos temas del "New World Order" y el "Majestic", el primero el que da título al disco y el segundo, la nunca suficientemente alabada "Figth", con unos coros que son sencillamente increibles. El cantante Metallium relevo a Hansen durante "Land of the free" (tan maravillosa como siempre) y "Real World", otro auténtico temazo que ya me maravillaba en el Land II y que estaba seguro -y no me equivocaba- que tendría aún mejor directo. Hansen regresó con "Rebellion in Dreamland" y mezcló esta con un "Heavy Metal Universe" en el que realiza el clásico juego con el público del "No os oigo", no me gusta demasiado ni este tema ni ese juego, pero son imprescindibles en un concierto (como Helloween demostraría después). Después "Ride the sky", "Somewhere out in space" y un bis con la gran "Send me a sign".
El concierto de Hansen y los suyos fue, sencillamente memorable. Quizás eché de menos "man on a mission", "valley of the kings" y alguna canción más del último disco como "from the ashes", pero creo que el setlist era bastante bueno y equilibrado.

Helloween.
Aunque prefiera a Gamma, Helloween es Helloween. Su concierto fue bueno, muy bueno por momentos, pero sobre todo... irregular. El tracklist era bastante raro y el sónido perjudicaba sobre todo a una voz de Deris que sólo despuntaba en los tonos más agudos y graves.
Comenzaron por una largísima "Halloween", esta canción no me gusta demasiado y es demasiado larga, me parece un error comenzar un concierto con algo así. Después... "March of time", pierde bastante en directo y con la voz de Deris, pero es una canción tan mítica que es imposible no enloquecer mientras se escucha. Turno para "Sole survivor", eléctrica y vibrante a más no poder, esta auténtica maravilla hubiera sido perfecta para abrir su actuación. Después, dos baladas como son "As long as i fall" y "A tale that doesnt right", la primera genial como corresponde al single del gambit, la segunda... nunca me ha gustado demasiado y además Deris sufre con ella, más que discutible su inclusión en el repertorio. Le siguió un buen sólo del bateria y "King of thousand years", ambos demasiado largos para mi gusto. "Eagle fly free" "despertó" al público como cualquier buen tema de la época dorada de la banda. "Bells of the seven hells" es un tema que me parece algo flojo y creo que el último disco tiene bastantes superiores a él (ojala hubieran tocado "Final fortune"), además aquí se produjo el clásico jam con el público, para mi gusto, bastante aburrido. La preciosa y melódica "If I could fly" y la superlativa "Dr.Stein" cerraron su primera salida al escenario.
La parte principal de su actuación se cerró aquí con, en mi opinión, un nivel bastante inferior al de Gamma Ray. Pocas canciones de los últimos discos y muchas de los Keepers, estos son mejores, eso esta claro, pero son ya muy antiguos y Deris siempre perderá en comparación con Kiske, los últimos discos son lo suficientemente buenos como para mejorar los conciertos.
Mención especial para Andi Deris, puede que no siempre borde la voz pero es un maestro de ceremonias estuvo sencillamente espectacular, hablaba todo el tiempo en castellano y sabía ganarse al público en los coros y en los minijuegos que siempre se establecen entre banda y espectadores. Otra mención para Sasha, guitarra solista espectacular.
Y entonces llegó el primer bis. Un popurrí de canciones que comenzó con los acordes de "Perfect Gentleman" para pasar después a la espectacular "I can", luego a "Where the rain grows" y luego volver a "Perfect Gentleman" en un jam con el público, ahora sí, glorioso. La mezcla siguió con todo el "poder" de "Power" y acabó con todo el público coreando el estribillo de "Keeper of the seven keys" en un momento para enmarcar.
Acabó así el primer bis y la banda se volvió a retirar. Nadie se movió. Faltaba lo mejor, el gran aliciente de esta gira, lo que la convierte en histórica. Todos queriamos ver tocar a Gamma, todos queríamos ver tocar a Helloween, pero por encima de todo esperabamos el grandioso broche a esta gira que es verlos tocar a ambos juntos.
Saltaron, cantaron y triunfaron. Todo el público saltando, levantando las manos, gritando y coreando "Future world" y "I want out". Weikath y Hansen tocando juntos, Deris cediendo el micrófono en ocasiones al cantante de Gamma Ray y, en definitiva, la espectacularidad de dos de las canciones más emblemáticas del power metal tocadas con seis mástiles y dos voces.
Sencillamente, un concierto difícil de superar.

Regalo para nostalgicos

Tales of Symphonia: The animation Sylvarant

Gamecube no fue una consola agraciada con centenares de RPG´s. Llegaron pocos, pero entre ellos estaba un "Tales" de Namco. El juego era bastante tradicional, pero su calidad era indudable y resultaba tremendamente entretenido y divertido. Si bien sus protagonistas eran quizás demasiado arquetípicos, sus secundarios eran muy carismáticos y divertidos; además, ellos -y por extensión el resto del juego- tenían un diseño sencillamente excelente. La historia, si bien bastante típica, estaba bien narrada, te conducía bien por el mundo, introducía y desarrollaba correctamente a los personajes, y por supuesto tenía los suficientes y eficientes giros argumentales para mantener la tensión y espectación del jugador. No obstante, si había algo que hacía grande al juego, era su grandioso modo batalla, donde controlabas en tiempo real a los personajes y podías hacer infinidad de movimientos y combinaciones en una perfecta mezcla de estrategia y libertad.
El juego tuvo moderado éxito (de hecho hay en preparación una segunda parte para Wii) y como es habítual en el país del Sol Naciente, eso se tradució en un anime. En la costumbre de la saga "Tales" una serie de OVAs. 4 episodios de media hora que, podemos decir, adaptan la primera mitad del juego. Naturalmente, la historia está extremadamente simplificada; podemos considerar que se ha adaptado bien el principio en la primera OVA y el final en la cuarta, y que las otras dos se han rellenado con pequeñas batallas, paisajes y algún que otro diálogo significativo. La carga dramática y el desarrollo de los personajes esta claramente perjudicado por pasar de -aproximadamente unas 15-20 horas que ocupaba esta parte de la historia en el videojuego- a un par de horas. No obstante, los principales rasgos del juego siguen estando allí, y a ello se le añade el talento del estudio UFO con una animación sencillamente explendida que es la prolongación perfecta de las secuencias de animación que veíamos en el juego.
En resumen, Tales of Symphonia es, claramente, un anime que no recomiendo a casi nadie. La razón es simple, el argumento es débil y apenas está bien desarrollado. No obstante, a los pocos a los que se lo recomiendo, se lo recomiendo encarecidamente. Todos aquellos que disfrutaron con el videojuego original encontrarán aquí un poco de su magia, esa agradable sensación de nostalgia de volver a ver a viejos amigos tiempo atrás perdidods.

Tensar demasiado la cuerda

One Piece 485: Piratas del Sombrero de Paja, Cazador de piratas, Rolonoa Zoro

Rara vez estoy en contra de un episodio de One Piece. Hoy lo estaré. Oda, en mi humilde opinión, ha tenido en esta saga de Thriller Bark serios problemas para "cuadrar" los enfrentamientos y, si bien toda la batalla con Odr fue espectacular, pareció demasiado evidente que Luffy salvó a sus compañeros. Parecía que Kuma iba a igualar ese pequeño desequilibrio, pero no ha sido así. Oda ha optado por una solución... muy rara.
No me parece un capítulo malo, un capítulo malo habría sido si esto se hubiera resuelto como en cualquier otro shonnen con el habitual intercambio de golpes. Oda ha vuelto a recurrir al honor pirata, un recurso del que esta abusando demasiado últimamente. Kuma ha accedido a "dejar ir" la banda a pesar de haber recibido una orden expresa del gobierno y ser, supuestamente, absolutamente leal a ellos. Esto es muy extraño. La habilidad de Kuma (su teletransporte, sus ondas y su extraño poder sobre el dolor) todavía no ha quedado demasiado bien aclarada, y a ello ahora se le une el hecho de que sea un cyborg de Vegapunk (otro personaje que ya, sin duda, se atisba será capital en el futuro de la serie) y que parece tener alguna relación con Dragon. Este episodio, en la mejor tradición de la serie, abre muchas más incógnitas de las que cierra. A cada paso que da la banda de Luffy vemos que el universo que tienen delante de ellos es más basto y complejo.
No obstante, este extraño sacrificio de Zoro es... muy extraño. Zoro recibe todo el daño de Luffy y cia y ofrece su vida para proteger a toda su tripulación porque, si no es digno de proteger a su capitán cuando este le necesita, no es digno de seguir a su lado y jamás conseguirá su objetivo de ser el mejor espadachin del mundo. Este honor, exhacerbado hasta el infinito en esta serie, parece conmover algo a Kuma (al margen de sus verdaderas intenciones). No obstante, queda bastante claro que Zoro es el más leal de todos los compañeros de Luffy y el único que entiende lo que de verdad es ser un pirata (como se vio durante la pelea de Luffy con Usopp). Sanji lo ha visto y es un detalle que me ha gustado. Tras esta saga, tras esta parte de One Piece, parece que los dos únicos miembros de la banda preparados para entrar en "el Nuevo Mundo" son Zoro y Luffy. El resto han de subir de nivel.

¿Novela o ensayo biologicoperiodístico?

La amenaza de Andrómeda

Michael Crichton pasará a la historia como el autor de "Parque Jurásico", pero esta novela -que leí hace ya casi tres lustros y que me pareció entretenida- no debe eclipsar la carrera de uno de los autores más importantes de la ciencia-ficción. Crichton escribe una ciencia ficción muy dura y pura, al contrario que muchos escritores no prioriza el desarrollo ético de sus historias, al médico norteamericano le gusta reflexionar sobre la propia ciencia y las posibilidades de esta.
Esta novela, su primer gran éxito, narra la llegada la Tierra del microbio "Andrómeda" y la lucha de un grupo de científicos contra él. La historia, si bien previsible, esta bien y el autor consigue mantener la tensión en cuanto a su desarrollo.
No obstante, el verdadero fin de Crichton no es otro que actuar como un verdadero "crónista" o "periodista" y retratarlo totalmente todo. Así pues, vemos como el microbio llega y mata todo un pueblo coagulando la sangre de todos sus habitantes, a partir de hay vemos a una comisión de sabios examinándolo y tratándo de comprenderlo para así poder derrotarlo. Pero durante el desarrollo de toda esta trama, el autor nos lo muestra absolutamente todo, nos explica detalladamente todo lo que pasa y porque pasa. Desde todos los protocolos de seguridad militar y ciéntifica hasta el funcionamiento de los ordenadores y las máquinas usadas por los científicos, pasando por supuesto por toda una lección de biología sobre bacterias y formas de vida microscópicas (y su interrelación con la vida humana). Todo ello lo hace desde una óptica de falsa crónica, es decir, la novela esta escrita como si el acontecimiento fuera real y el autor un periodista que escribiera el libro en función del material desclasificado.
Naturalmente, este tipo de literatura exige un grado de credibilidad por parte del lector, pues lo que Crichton nos cuenta es mucho. El ritmo del libro es torpe y, a la menor ocasión, el autor hace un inciso en la trama principal para explicarnos como funciona un microscopio electrónico. Esto confiere un ritmo, a mi gusto, algo pesado a la obra, pero la hace mucho más interesante y compleja. Por mi parte, entiendo a la perfección las partes de la primaria informática con la que especula, hay alguna que otra licencia pero la información es bastante correcta, y supongo que en el resto de los temas habrá un enfoque similar en cuanto a verosimilitud. Lo que se describe en este libro no es real, es obvio, pero tampoco es algo imposible. Confiere esto al libro un aliciente del que pocas novelas pueden presumir.
En resumen, esta novela me inspira sentimientos contradictorios, el ritmo es torpe y la historia es bastante normal; pero al mismo tiempo resulta un libro bastante didáctico e interesante desde el punto de vista científico.

El mejor anime del 2007

Baccano!

Bajo este escándolo nombre se encuentra el auténtico "sleeper" del anime del año que nos ha dejado. Más espectacular, deshinibida, violenta, enrevesada, épica y divertida que ninguna otra producción, "Baccano!" es un producto complicado que pide bastante al espectador pero que lo recompensa con mucho más. Sin lugar a dudas, el mejor anime del 2007.
"Baccano!" es una serie de novelas que nos narra las extrañas peripecias de un grupo de alquimistas durante los años 30. El punto de partida se coloca 200 años antes, en ese momento un grupo de hombres invocan a un demonio y consiguen la inmortalidad, a partir de allí estallará entre ellos una auténtica guerra que alcanzará su cumbre en plena época de la ley seca. Hay varias novelas y este corto anime sólo adapta un par, los pertenecientes al episodio del ferrocaril.
Pero que la historia se centre en un incidente, no significa que no haya que contar más. La serie salta hacia atrás -e incluso hacia delante- en el tiempo y nos narra como todos los personajes llegana ese tren y como salen de él, así como todo el cúmulo de circunstancias que les influyen. Y estamos hablando de una guerra de alquimistas en la que "sólo puede quedar uno" que se desarrolla en el marco de las guerras mafiosas de los años 30. Y, todo ello se narra desde muchas ópticas diferentes, y jugando con el tiempo al más puro estilo Naoki Urasawa para confundir al lector y al mismo tiempo hacerle disfrutar más aún. Y luego esta el tren, escena lineal pero auténtica magistral. Una batalla campal en un tren en la que luchan dos bandas de mafiosos, varios inmortales, un pandilla de ladrones de medio pelo y hasta un asesino loco luchan todos ellos guiándose cada uno por sus propias intenciones. Se crean alianzas y se nos muestran increibles reveleciones que se destapan conforme los otros planos temporales nos revelan datos sobre los protagonistas. Y tenemos tiroteos, explosiones, ahorcamientos, torturas sin fin, luchas a puñetazo limpio, con cuchillos y hasta con lanzallamas.
"Baccano!" es sencillamente un torrente de acción desenfrenada. Acción no sólo en forma de tiros, peleas o cualquier forma de violencia posible -formas que esta redimensiona con el "Rail tracer" y sus particulares interrogatorios-, si no también en forma de giros argumentales, cambios de perspectiva, saltos temporales, gags humorísticos, personajes increiblemente exagerados a la par que realistas en sus actuaciones. "Baccano!" sencillamente, no da un instante de tregua al espectador. Pero, al contrario que otra de las grandes series del año, Sayonara Zetsubou-sensei, esta es una locura perfectamente ordenada. La serie del profesor era una auténtica oda al surrealismo, una locura hiperbólica que se escudaba muchas veces en su propia locura para autopariodarse y ocultar los vacíos del guión. Baccano!, no. Esta serie es un perfecto metrónomo de frenesí y locura donde cada escena riza un poco más el rizo hasta alcanzar un climax sencillamente espectacular, el aparente caos esta perfectamente estudiado y diseñado con un guión y un screenplay cuidados al milímetro.
Espectacular a todos los efectos posibles, divertida como pocas series. Inalcanzable para las animaciones americanas o europeas, "Baccano!" muestra sencillamente lo mejor que puede dar la animación japonesa.

Grandes a la sombra de los Muy Grandes

Axxis - Doom of destiny

No soy un experto en heavy. Empecé a escucharlo en los 90 y he escuchado algo, pero nunca he sido una de esas personas que escuchá todo lo que sale y busca hasta maquetas. Mis grupos favoritos son los clásicos Helloween, Gamma Ray y Blind Guardian, tras ellos hay muchos otros grupos que he escuchado y me han gustado, pero hay todavía muchos más grupos a los que no les había dado una oportunidad. Axxis era uno de ellos. Es uno de esos grupos cuyo nombre había oído muchas veces pero que nunca me había llamado excesivamente la atención y cuya escucha había pospuesto. Grave error.
Estos días, Helloween y Gamma estan llevando a cabo una gira conjunta, con ellos, a modo de teloneros, va esta banda. Pretendo ir a uno de esos conciertos, así que se me ha presentado una ocasión inmejorable para comenzar a escuchar a esta banda alemana. No esperaba mucho de ellos, y seguramente por eso me han maravillado.
Este es su último disco, así que no puedo valorarlo en relación a su discografía completa. Por internet hay críticas que lo ponen mejor o peor, pero la mayoría coinciden en que no es su mejor trabajo -aunque si uno de los que más puramente describe su sónido-. Pronto lo decidiré por mi mismo, hay pocos discos que en su primera oída me hayan causado una mejor impresión.
Porque el disco empieza mal, sere franco, con un tema bastante complejo o duro que da título al disco. Es una buena canción, pero también bastante convencional y su estilo es algo duro (no quiero decir con ello que sea mala, si no que me gusta un heavy en el que tienen más prioridad las guitarras que el bajo). Esta canción, no obstante, muestra tres virtudes: la primera es una agradable tendencía a la ornamentación, a la sobrecarga con teclado y coros; la segunda, aunque parezca una contradicción, es una simpleza elemental en la música, con ello quiero decir que el ritmo siempre se conserva y que sus canciones no se pierden en la complejidad que antes he mencionado como virtud, esta contención es una virtud; la tercera, una debilidad mía, es que ese sonido complejo pero básico esta coronado por una voz femenina que se alterna con la principal -muy buena, por cierto- como si de Meat Loaf se tratara. Y todas estas virtudes, maquilladas en esta primera canción, se destapan bestialmente en el resto del disco.
El disco tiene una velocidad prodigiosa. Siempre he creído que Rhapsody era como un cruce entre la velocidad de Stratovarius y la épica de Blind Guardian. Axxis, al menos en este disco, es una interesante mezcla del speed-metal finlandes con el mejor happy-metal de Kai Hansen. Así pues, encontramos canciones inherentemente alegres y rápidas, simples y directas, alegres en la mejor tradición de los Keeper de Helloween, pero al mismo tiempo dotadas de unas guitarras eléctricas y un agradable plus refinador en forma de teclados y Lakonia (la voz femenina). "Devilish Belle", "Bloodangel" o "Astoria" son canciones que encajan en este estilo de metal rápido y directo, y luego además tenemos pequeñas maravillas como "Father father" o "she got nine lives" que engañan con unos primeros segundos calmados y tranquilos para desatar despúes frenéticos estribillos pegadizos.
Sinceramente, toda una sorpresa -para bien-, comparable a la que me dieron en su día grandes grupos como Rhapsody o Sonata Artica. Intentaré escuchar más de este grupo, me han ganado con este disco.

Grabando su nombre en la historia

Iron Maiden - the number of the beast

Sería inútil presentar a la dama de hierro, son -quizás- la banda heavy más popular del mundo. Su importancia histórica en la historia de la música y su calidad estan fuera de toda duda. Particularmente, no son mi grupo favorito, y estan lejos de serlo. Siempre me ha gustado más el elaborado power-metal que nació en Alemania durante los 80. Pero Iron Maiden tiene canciones que son sencillamente sobervias. Los últimos años, tras las disputas que sucedieron al magnífico -para mi el mejor disco de la banda- "Fear of the dark", la banda me parece bastante más apagada y asentada en unos ritmos algo repetitivos y marcados por unos temas demasiado alargados, pero antes de estos días, Iron Maiden se marcó una increible década de los 80 en la que cada uno de sus discos era una auténtica lección de heavy rock.
Este tercer albúm fue el primero de Dickinson a la voz y el que les catapultó definitivamente hacia la fama. Se trata de un disco simple y directo, si exceptuamos "Hallowed by thy name" todos los temas son bastante cortos y simples, no hay grandes alardes ni excesos en forma de temas de gran duración o uso de instrumentos inusuales si exceptuamos la ambiciosa canción ya mencionada (y que si bien tiene una estructura más compleja que el resto esta muy lejos de los temas que hemos visto en sus últimos discos). El resto del disco es Iron Maiden de la primera a la última notal, ritmos sencillos donde cada instrumento esta diferenciado, pero donde todos ellos actuan con una gran velocidad y fuerza. Encontramos dos imprescindibles de los conciertos de la dama como "the number of the beast" y "run to the hills", pero canciones como "22 Acacia avenue", "the prisioner" o "invaders" están casi al mismo nivel.
Es este un heavy muy primario, donde todo se reduce a guitarra, bajo, batería y voz. No hay apenas efectos o trabajo de estudio, son canciones pensadas para ser tocadas en directo. Quizás sea demasiado simple y directo, en el siguiente trabajo de la banda "Piece of mind" ya encontramos un riff de guitarra tan mítico como el de "The trooper", donde vemos una evolución de los ritmos de la banda, y años después veríamos temas como "Afraid to shoot strangers" o "sign of the cross", radicalmento opuestos a la violencia directa y simple que estos temas parecen transmitir. Este disco no muestra lo mejor de Iron Maiden, pero lo mejor de Iron Maiden ya está en él.

El placer de leer un Gran Libro

Crónica de una muerte anunciada

Gabriel García Marquez es, que duda cabe, uno de los autores más importantes del siglo pasado (y de un cacho de este). Un autor dotado de una pluma increible que no sólo es uno de los máximos exponentes del realismo mágico si no que, a mi modo de ver, tiene un don para jugar con el tiempo en sus obras. No soy un gran lector de clásicos, mis apuestas literarías suelen ser novelas ligeras y entretenidas de fantasía, no obstante, hace ya casi una década la lectura de "100 años de soledad" me fascinó como pocos libros han hecho. Esa obra cumbra del siglo pasado constituye junto con "El señor de los anillos" y "20000 leguas de viaje submarino" mi trio de libros de referencia. Como he dicho, este tipo de literatura tan "intelectual" no es ni mucho menos el género en el que más me prodige como lector, y han hecho falta muchos años para que el azar haya hecho que la infinidad de recomendaciones que había escuchado sobre este libro hayan hecho efecto.
"Crónica de una muerte anunciada" es, sencillamente, una maravilla de libro. Una gozada de escrito que engancha desde la primera página a pesar de conocer desde un principio lo que va a suceder y que no te deja soltar el libro hasta que lo terminas, hasta que conoces que hizo cada hombre y mujer del pueblo mientras mataban a Santiago Nasar y que los llevó a actuar así.
El que un libro tan limitado argumentalmente como este sea tan rematadamente bueno sólo responde a una cosa: el increible talento de su autor. Porque resulta increible como García Marquez describe esa sociedad costumbrista y anclada en costumbres donde el honor se impone por encima de cualquier atisbo de sentido común. Porque todos ven como "a Santiago Nasar lo van a matar" y todos creen que es hasta obligatorio por parte de los gemelos Vicario hacerlo para proteger su honor, y nadie siquiera intenta descubrir si lo que decía la novia devuelta era cierto o no. Marquez nos describe esta sociedad mísera y arcaica, basada por sus propias leyes impuestas por la tradición más rígida.
Para ello Marquez se vale de su partícular y mágico arte, porque verdaderamente cada palabra, cada descripción que este hombre hace no puede ser calificada de otra forma. Su simple descripción de las gentes y las personalidades de este sórdido relato destacan por ser increiblemente bellas literariamente incluso en momentos tan terribles como el asesinato del protagonista. Este pueblo, tan "odiable" desde nuestro punto de vista, lo describe con un amor increible (y eso es lo más terrible de todo, pues no deja de ser escalofriante lo terriblemente real que es), con esas comparaciones y esas historias secundarias impregnadas de un halo de melancolía y magia increiblemente creibles. Y para completarlo todo tenemos el increible dominio del tiempo del autor colombiano, que vuelve una y otra vez sobre el amanecer de un funesto día para narrar desde todas las opticas posibles el asesinato del protagonista y crear así un recreación casi periodística de su muerte y, al mismo tiempo, de las causas de este.

A medio camino entre la mediocridad y la genialidad

El angel más tonto del mundo

Por recomendación directa de mi hermano (escena en la que te pone el libro en las manos y te dice "leételo"), me he leído este librillo de Christopher Moore que parece haber tenido un gran éxito allende de los mares en los EEUU. Motivos no le faltan, todavía no se si es un buen libro o no, pero lo que creo que es indiscutible es que es tremendamente accesible. Un libro corto y divertido que se lee en poco más de una tarde.
Nunca he entendido demasiado bien en que consiste el concepto de novela satírica o irónica, pero esta novela, sin duda, se incluye dentro de él. Es un cuento de navidad tradicional en el más estricto sentido de la palabra, pero dotado de una mala leche considerable. Nos coloca en un pequeño y cálido pueblo californiano que, en visperas de la Navidad, sufre también una terrible tormenta. En este pueblo veremos a varios personajes: un alto hippy convertido en inútil policia que esta casado con una ex-actriz de serie B loca, un constructor mafioso y su ex-mujer, un playboy cretino acompañado por su murciélago gigante de la fruta de la Micronesia, una horda de zombies hambrientos de sesos y fanáticos de las tiendas de elegante mobiliario sueco prefabricado, y todos ellos rodeados por una fauna de secundarios que son normales en el sentido americano (es decir, no serían normales en ningún otro país). Todos ellos se preparan para pasar lo más pronto y menos mal posible sus vacaciones sin saber que un angel idiota tiene planes para ellos.
El problema que le veo a esta novela es que se puede dividir en tres partes. La primera es una novela moralista en el sentido más tradicional de las fábulas navideñas, la segunda es un cuento absolutamente surreal y absurdo, la tercera... es cuando navega entre las dos anteriores, y es cuando la novela -bajo mi humilde opinión- alcanza sus mejores momentos. Con ello quiero decir que hay momentos en los que es muy tradicional y otros en los que es absolutamente disparatada, pero incluso en estos se nota que está todo demasiado pensado y elaborado (comparaciones demasiado largas, reflexiones demasiado forzadas, alusiones a elementos políticos y sociales de los americanos), en estos momentos la novela tiene grandes momentos (por ejemplo algunas reflexiones sobre Theo, Kendra o Tucker) pero tengo tambíen la sensación de ver algo demasiado prefabricado y -a la larga- incosistente. Es, sin embargo, en las transciones, cuando estamos leyendo pasajes que en teoría son irrelevantes, cuando el libro presenta su aspecto más desenfado y divertido. El autor no se obsesiona por ser gracioso o satírico y todo aparece con pequeñas pinceladas de humor rápido y ágil, diálogos rápidos y concisos y escenas fugaces con una mala leche considerable.
Un libro entretenido y divertido, aunque se nota demasiado cuando el autor lo prepara todo para contarnos uno o dos chistes específicos.

Obra maestra a la fuerza

Sayonara Zetsubou Sensei

Ya en los primeros episodios, este anime me pareció practicamente lo mejor del verano y del año. Me reafirmo en ello, todo lo bueno que se vió en aquellos primeros episodios, toda la originalidad y locura que la serie enarbolaba por bandera, han seguido presentes hasta el último capítulo, y en el peor de los casos se ha mantenido el nivel.
La serie versa sobre un profesor que hiperdepresivo que, en lugar de querer convertir a sus alumnos en mejores personas, pretende reducirlos a la más absoluta normalidad para enseñarles así lo horrible que es el mundo. Así pues, cada episodio -si este concepto tiene sentido en esta serie- versa sobre alguna costumbre humana que pueda ser considerada como defecto. Zetsubou tratara de explicarles este "defecto humano" a sus alumnos, así como porque estos hacen del mundo un lugar horrible. ¿Parece noble? Nada más lejos. Zetsubou trata de suicidarse constantemente ante sus alumnos y no ceja en su empeño de demostrarles lo terrible que es el mundo. Lo bueno no es sólo la personalidad del profesor, lo bueno es que los "defectos del mundo" son exagerados hasta la locura, y los propios alumnos del profesor distan bastante de ser normales y representan los arquetipos problemáticos de la sociedad japones. Todo ello, como digo, exagerado hasta el infinito. Y bajo este escenario nos encontramos todo tipo de humor, desde el más simple y resultón hasta el más intricado y cínico. La serie es en verdad, bajo su gigantesca máscara de locura e hilaridad, una profunda crítica a la sociedad actual japonesa. Mensaje no le falta, y contarlo con humor sin caer en el absurdo o la prepotencia (como en ocasiones le pasaba incluso a la gran "GTO") es siempre más complicado.
Además, la serie tiene un nivel técnico sencillamente espectacular. Animación puntera y sobre todo, del tipo "anime". No hay nada en esta serie que pueda ser reproducido en estudios de animación americanos o europeos. Ordenador y animación tradicional se aunan con una suavidad impresionante para dar vida a una gama de paisajes y decorados que oscilan entre la acuarela y los más absolutos vacios. Los encuadres son víctimas del ritmo de la serie y cambían a cada segundo, obteniendo algunos sencillamente ilógicos en cualquier anime que no fuera este. El cromatismo de la serie es también muy particular, siendo casi inexistentes los tonos vivos o alegres, pero también los frios o metálicos (el anime se mueve en una extraña paleta de tonos cálidos y apagados en los cuales estan vetados los colores primarios). Además, el director no duda en jugar con nosotros con constantes homenajes a otras series que no se molesta en disimular, así como con recortes o escenas de carne y hueso.
Zetsubou, como dije en mi primer análisis, es una auténtica ametralladora de gags donde se alternan todos los tipos de humor posibles. Creo que esa es la gran diferencia entre esta serie y la otra gran maravilla que nos deparó el verano "Baccano!", aquella era una serie que se elevaba por encima del resto por su increiblemente elaborado guión y por su complejo y espectacular ritmo y montaje. Zetsubou no ha seguido ese camino. Su calidad, por extraño que parezca, no se basa en la calidad de la obra. El guión es muy bueno, la serie maneja la ironía y la sátira como pocas series, y como he dicho alterna todos los tipos de humor posibles, y además tiene un ritmo frenético y una galería de recursos visuales casi inacabable. En todo lo que un anime puede destacar, Zetsubou brilla con luz propia, pero lo que lo hace grande es que, sencillamente, está hecho "a lo bestia". Todo gag imaginable se exagera, y cuando ya es demasiado surrealista y absurdo... se exagera aún más, y despues se comprime todo ello en el tiempo para ocupar el mínimo tiempo posible. Y si no hay gag, se muestra cualquier cosa en segundo plano. Es, sencillamente, imposible abarcar en un único visionado todo el material visual que esta serie ofrece. Tenemos 24 episodios o más comprimidos en 12, y a todos ellos se le añaden todas las locuras y exageraciones que se pueden pensar. Zetsubou es denso, más denso que ningún anime que haya visto hasta hoy. Y además no sólo es denso, es muy japones, juega con las palabras y el complejo idioma nipón, y con infinidad de aspectos de su cultura más actual y su historia más tradicional. Y todo ello, a una velocidad de vértigo. La grandeza de esta serie es, que además de ser muy buena, es una auténtica avalancha donde es uno no puede perderse un segundo (aunque otra de sus grandezas es que nada de lo que sucede tiene verdadera relación con lo que se acaba de ver).
Pero es inútil describir esta serie, tanto en su historia como en su grafismo y su narrativa, "Sayonara Zetsubou Sensei" es completamente distinto a cualquier anime tradicional. Hay que verlo para entender lo que es.

Bogart + Bacall

El sueño eterno

Clásico entre los clásicos del cine negro, he visionado por fin "El sueño eterno", adaptación de la película de Raymond Chandler y debut en cine del mítico Philip Marlowe. En esta cinta vemos una trama tan enrevesada que se me hace imposible describirla en pocas líneas, uno detrás de otro se van sucediendo giros y giros argumentales en una trama de chantajes en la cual se ve envuelto el mítico detective Marlowe.
El personaje de Bogart es sencillamente memorable y es, sin duda, lo mejor de la película. Carisma en estado puro, es duro e irónico, misógino y amable al mismo tiempo. Bacall, por su parte hace de "femme fatal", y si bien su personaje es bastante bueno, no esta a la altura del de su pareja (como todos los personajes femeninos, bastante simplificados en el aspecto de que todas caen rendidas ante Bogart).
La trama es compleja y cambia cada dos por tres, y todo ello con un ritmo frenético siempre desde el principio. El guión lo maneja todo a la perfección, aunque avasalla en numerosas ocasiones por la gran cantidad de información que da. Además, Chandler dota a sus personajes de una forma de hablar embaucadora, se suceden diálogos concisos y pertenecientes a la trama principal con otros absolutamente banales que aportan un realismo increible a la escena (así como humor, ya que los personajes tienen una pasión por la ironía muy saludable).
No obstante, lo que más me gusta de esta película es seguramente la labor de Howard Hawks tras la cámara, la dirección de los actores es sencillamente magistral (no soy gran fan de Bogart, pero en esta película ofrece un registro dramático que me ha sorprendido gratamente) y además rueda con una naturalidad pasmosa secuencias tan surrealistas como realistas (la secuencia del general, con un Bogart empapado en sudor, o cuando le dice a Bacall que se rasque libremente).
En resumen, aunque densa y algo forzada en cuanto a las relación Bogart-Bacall, una película bastante recomendable.

El problema de las aventuras gráficas

Hotel Dusk: room 215

La pequeña consola portátil de Nintendo, gracias a su pantalla táctil se adapta como pocos sistemas de videojuegos al tradicional género de las aventuras gráficas. Género que, en las consolas de sobremesa, apenas ha existido. En DS he probado ya las dos primeras entregas de la saga Phoenix Wright, ambos eran dos juegazos, pero ambos tenían fallos contra los que no podían luchar. Este juego presenta unos fallos parecidos.
Las aventuras gráficas son, por definición, juegos extremadamente lineales. Hay un orden en el que todo debe suceder y que resulta imposible evitar. En algunos casos se puede recurrir al truco de "obten 4 elementos" y que ellos sean independientes y puedes hacerlos en el orden en el que quieras, eso no es una gran libertad pero algo es algo. En este juego, por desgracia, eso no se da. Es extremadamente lineal y resulta molesto que no puedas entrar en todas las habitaciones o visitar a un determinado huesped hasta que hayas hecho "tal cosa". Es un fallo que al principio del juego no se nota demasiado, pero que al final canta demasiado y hace que el juego se haga molesto y repetitivo por momentos.
Eso sí, es el único fallo. Las aventuras gráficas tienen siempre ese fallo y, creo, los únicos que saben superarlo o compensarlo son la buena gente de Lucasarts a base de humor e ingenio. Este juego no logra evitar ese fallo, pero es el único. Tras él, encontramos una aventura gráfica con un desarrollo exquisito. Tenemos una trama que se desarrolla a la perfección, con acontecimientos importantes, personajes que nos guardan siempre sorpresas y algunos giros repentinos en el guión, y todo ello atendiendo siempre a una lógica aplastante y efectiva. Los puzles, a su vez, hacen un uso bastante inteligente de las propiedades de la consola y no se limitan a la mera combinación de objetos como en otras aventuras. Los diálogos son también muy acertados, muy abundantes pero muy trabajados, pero sobre todo decisivos y bien tratados (este era uno de los principales problemas que le encontraba a la saga de abogados de Capcom).
Y por último hay que hablar de la estética del juego, pues esta misma es la que define el videojuego. Es exquisita, así de claro. Nos presenta a los personajes como recortes de papel perfectamente animados y toda la historia transcurre como si fuera un comic. Comic en blanco y negro, como no podía ser de otra forma, pues el libro que este videojuego pretende ser es una perfecta historia de cine negro donde un policía caído en desgracía busca la redención intentando averiguar porque su compañero le traicionó.
Si este juego es recomendable o no, no sabría decirlo. A mi particularmente me ha cautivado por su estética, su desarrollo y su trama, si bien tengo que admitir que hacia el final se notaba demasiado la linealidad y me pareció algo forzado que casi todas las historias individuales de los huespedes estuvieran tan realicionadas. No obstante, es una gran aventura gráfica, y eso lo condiciona todo. No creo que este juego guste a alguién a quien no le han gustado los Phoenix Wrigth o -viajando más en el tiempo- los "Monkey Island" o el "Grim Fandango". Si te gustan las aventuras gráficas, debes jugarla (aunque eso ya casi no ya por su calidad, si no porque apenas hay). Si no las conoces, con esa deliciosa estética de cine negro y su desarrollo cuasi literario, es la oportunidad perfecta para introducirse en este género.