El terrible general de la Madre Rusia

Valkyria Chronicles 4

El 2 y el 3 fueron juegos distintos en los que Sega intentaba apuntar a otro público porque el primero no había sido demasiado exitoso... es 4 es básicamente el "Valkyria Chronicles 2" que todos los fans llevaban 10 años pidiendo, es lo mismo que el original (ver reseña), pero más y mejor.

Puntos en contra:

- Extraño que suene, le falta algo del carisma que tenía el original. Kai es el personaje más molón de la franquicia, pero Raz es casi lo contrario, y la historia de Claude y Riley es simpática pero cumplidora, no llega al nivel de Alicia y Welkin. No obstante es justo decir que tenemos más y mejores antagonistas.

- La mencionada falta de carisma anterior viene también dada por cierta monotonía cromática dada por ser una campaña ambientada en Invierno... hay quizás demasiado blanco contra los contrastes más variados del juego anterior.

- Gráficamente es bonito por su diseño artístico, pero tiene problemas de poping en la versión de Switch con esos enemigos que -no se si premeditadamente- muchas veces parecen no existir hasta que no estás dentro de su rango de alcance.

- La narrativa es poco ágil, continuamos con los menús en forma de cuaderno pero se han pasado con el número de escenas y la navegación entre estas es siempre muy pausada con lo que el juego en su historia principal es muy lento... y la historia sigue siendo tan flojita como siempre.

- El escenario del invierno no es tan determinante como debería; una vez conseguidos trajes de invierno no hay muchas diferencias con respecto al juego original más allá de avalanchas puntuales o los trozos de hielo rompibles.

- Los lanceros han quedado muy desfavorecidos en este juego con los granaderos entrando en juego y unos tanques que ahora solo requieren un punto de comando para su movimiento.

- El tanque no sólo es menos costoso de utilizar, si no que ahora su "muerte" no conlleva también el fin de la partida, lo que creo que hace el juego más fácil.

Puntos a favor: 

- El juego es absurdamente largo. Incluso sin considerar las misiones de pago, tenemos una campaña que fácilmente puede durar de 30 a 40 horas, a las que hay que sumar más de una quincena de escaramuzas y un numero parecido de historias de escuadrón. El juego es prácticamente el doble de largo que el original.

- Creo que la dificultad está mejor equilibrada que en el juego original. Es seguramente más difícil en líneas generales, pero no tiene los picos de dificultad tan abruptos que tenía el primer juego.

- Las misiones de secundarios son muy disfrutables y le dan un carisma a estos del que carecían en el juego original por ser mudos. Además no sólo potencian el sentido del humor del juego con su clásico sentido del humor otaku, si no que añaden incluso variedad jugable en algunas ocasiones con retos divertidos y con condicionantes distintos a los de las batallas del modo historia (aunque casi diría que me parece una pega que sirvan para "corregir" las habilidades pasivas negativas que estos tenían).

- Siendo la historia flojita y un conjunto de clichés, sigue teniendo sus lecturas interesantes con temas como el colaboracionismo, las misiones suicidas o las responsabilidades de la guerra. 

- No han copiado el desarrollo de "Valkyria mala - Valkyria buena".

- Como el original, sigue siendo terriblemente variado en su desarrollo a pesar de lo aparentemente limitado de sus personajes. Se han potenciado las misiones se persecuciones y de sigilo.

- Es más ágil que el juego anterior, no hay ninguna misión monstruosamente alargada por la lentitud de movimientos del tanque.

- La unidad de los granaderos resulta versátil y potente con esas parábolas que existían en el 1 como un bug de los exploradores mucho más potenciadas, además tienen fuego de cobertura pasivo -como ahora también tienen los francotiradores- lo que hace las caminatas por el campo de batalla mucho más peligrosas.

- La posibilidad de gestionar un nuevo líder se agradece mucho y permite que el clásico ingeniero de apoyo no parezca penalizar tanto, así mismo el que los líderes puedan agrupar acciones también es un buen añadido.

- El vehículo para desplazamientos y algunas nuevas órdenes funcionan muy bien y le dan agilidad a las partidas.

- Los efectos de los morteros, o de la mortalidad inminente son curiosos, y el añadido de la "ultima acción" es un acierto por la épica que confiere o esa posibilidad de venganza que proporciona al jugador.

- Ha llegado traducido al español.

Los defectos del juego son pocos. Obviamente a nadie al que no le gustase el juego original le va a gustar este, pero el juego es un pequeño regalo para todos los fans de la estrategia por turnos. Un auténtico imprescindible de la consola.

La guerra es amor. El amor es guerra

Kaguya-sama wa Kokurasetai: Tensai-tachi no Renai Zunousen

Kaguya-sama es una divertida comedia romántica que parte de la premisa de sumisión o inferioridad de la confesión romántica. El presidente y la vicepresidenta del enésimo superinstituto de élites japones están más o menos enamorados, pero ninguno quiere ser el que se confiese, ambos son demasiado orgullosos y quieren ser quien le conceda al otro el favor de la relación como si esta fuera un privilegio. La premisa es sencilla, pero efectiva, y hasta cierto punto realista. 

Así pues la serie es una comedia donde cada uno quiere forzar al contrario a que se confiese. El referente más claro sería "Death Note", pudiendo verse esta "Kaguya-sama" casí como una parodia de ese tipo de series en el que al margen de las acciones o los diálogos tenemos una gran parte del metraje dedicado a mostrar los pensamientos de los personajes, en los que veremos como se suceden planes y contraplanes, como razonan ante las acciones de su opuesto y como tienden trampas constantemente en una auténtica guerra psicológica romántica solo alterada por los agentes libres que son el resto de personajes de la serie.

La serie es bastante divertida y recomendable. Claramente ha optado por adaptar unos tres capítulos del manga original en cada episodio sin complejos, como una clara sucesión de "batallas" que muchas veces no están especialmente cohesionadas más allá de la obvia evolución de personajes y escenarios (aunque el ritmo de la serie sea ágil, esto también aporta el riesgo de que algunas tramas relativamente intrascendentes como la de la pareja que les pide consejos sean anodinas y se sientan claramente de relleno). Algunos episodios son más flojos, pero en general la serie es bastante divertida con esa guerra tan absurda como exageradamente enrevesada que vemos entre los dos protagonistas.

A nivel técnico es una serie más que competente. El nivel de la animación es bastante consistente y, aunque no destaca especialmente en su diseño de personajes estos tampoco se sienten especialmente tópicos. Lo mejor de su narrativa es el constante viaje a la cabeza de la pareja protagonista merced a un narrador omnipresente y a una exposición muy clara de comparaciones o esquemas que nos presentan el mundo que ven los dos protagonistas y las posibilidades que dibujan en sus cabezas como si fueran planes de guerra o experimentos científicos.

La serie peca de cierto inmovilismo porque el status quo no deja de ser el escenario inevitable según la lógica de ambos personajes, pero más allá de algún momento puntual una docena de episodios no son suficientes como para que el desarrollo se haga repetitivo o monótono. Tan original como extrañamente inevitable dentro del anime actual, la serie es bastante divertida y recomendable.     

OPDM - 045A - Valoración temporada anime Invierno 2019 y Valkyria Chronicles 4

Nueva edición del podcast en la que repasaremos la temporada de anime que ha acabado, valorando las principales series y recomendando aquellas que nos han parecido más notables.

En nuestra enciclopedia libre la Q nos trae a Quina de Final Fantasy, y para acabar el programa hablamos del videojuego Valkyria Chronicles 4.

Los tiempos del programa son los siguientes

00:01 - Temporada Anime Invierno 2019

01:31 - Enciclopedia: Quina

01:48 - Valkyria Chronicles 4

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Crónica de una guerra anunciada

Guerra Mundial Z

Con los zombis como uno de los enemigos más recurrentes de la ficción, comienza a haber pequeños subgéneros dentro de las obras que los tienen como protagonistas, y si bien los "estallidos" siguen siendo lo más habitual, no deja de ser más interesante y ofrece más posibilidades el contar lo que pasa después, el ver al mundo sumido bajo el azote de los muertos vivientes con los pocos supervivientes intentando sobreponerse a dicho mal. Eso es esta novela. Y lo que la hace original, lo que la hace entretenida es su género... periodismo epistolar... o algo así. 

En lugar de tener al clásico protagonista que un día se despierta y ve que su vecindario se ha convertido en un festival de vísceras y sesos, en lugar de tener al clásico miembro de unas fuerzas especiales que va a un laboratorio para encontrar una cuarentena muy chunga, en lugar de todo eso tenemos a un periodista que -acabada una guerra de unos 10 años- se dedica a entrevistar a diversos supervivientes y a plasmar con unas pocas páginas por parte de cada uno de ellos un gigantesco mosaico de lo ocurrido en el mundo durante todo ese tiempo, mostrando infinidad de situaciones distintas. Y funciona.

La lectura es amena y se hace original. A pesar de que no tiene una narración estrictamente lineal, uno se hace una idea cronológica de los grandes acontecimientos de esa guerra mientras se nos narra todo de puntos de vista muy subjetivos que en ocasiones se cimentan en anécdotas. Brooks presenta muchos personajes distintos y muchas situaciones variadas, no todos los personajes son héroes ni todas las acciones son especialmente épicas, aún con mucho humor negro hay en general un tono bastante oscuro y siniestro como le correspondería a las entrevistas a los supervivientes de una tragedia de dicha magnitud.

Aunque fuerzan algunos aspectos de la guerra, en general se presentan muchos de los escenarios que podrían darse en todos los sentidos, y algunas especulaciones sociales o políticas no se sienten especialmente disparatadas. Hay un poco de patriotismo rancio americano (con su enaltecimiento propio y el convertir a rusos y chinos en sociedades algo mezquinas o mejorables), y con algún que otro relato se nota que el autor ha visto muchas películas (no nos libramos del tópico del japonés que va reventando zombies con una katana (y cuyo maestro para más inri es un ciego víctima de las bombas atómicas)), aunque todos estos segmentos no se si son en verdad defectos de la novela o pueden ser parodias casi del género y formas del autor de representar a cada uno de sus "entrevistados", donde no todos tienen porque estar diciendo la verdad.

Literariamente no me parece especialmente destacable, pero es una novela curiosa y bastante amena de leer.

Volviendo al principio

One Piece 939 - Un viejo caballo siempre recuerda el camino

Después de varios capítulos en los que quizás sucedía demasiado y con demasiada intensidad (la capital era una locura y en hemos tenido un combate de Zoro que no deja de haber acabado con él inconsciente tras poco más que un golpe (para de pasar revelar la existencia de una especie de "habichuelas mágicas" que habrá en esta saga como Mansherry estuvo en Dressrosa)), un capítulo más relajado y tranquilo es de agradecer. No obstante, es un capítulo algo raro en sus dos frentes.

La parte de Komurasaki y Zoro tiene como obvio fin arrojar algo de luz sobre este personaje y presentar algo más a un Kawamatsu que pinta muy bien. De por si esta parte no está mal, pero no deja de ser extraño que se nos presentara a Komuraski casi como una villana y que su fachada haya durado tan poco... cuando en el mismo capítulo de su presentación las última viñeta con Momonosuke aventuraba que el reencuentro entre hermanos no se produciría hasta el final de la saga. Hiyori tiene un potencial dramático muy potente con ese extraño abandono que sufrió -y que no ha sido tampoco demasiado explicado en este capítulo, con lo que entiendo que aquí habrá una trampa narrativa por parte de Oda-, pero en general en este capítulo se ha mostrado demasiado amigable.

Pero, naturalmente, el grueso del capítulo se lo lleva el inminente power-up de Luffy para esta saga. Si en Totland mejoró su haki de observación a unos niveles brutales, parece claro que aquí toca mejorar el haki de armadura para alcanzar a enemigos más intangibles aún que los logia como es el caso de Kaidoh o esa Big Mom que más pronto que tarde caerá en la prisión. 

Aquí si tengo pegas. No tengo pegas con que el maestro sea el viejo yakuza y se recupere el concepto de "espada que no corta", es algo que siempre ha estado ahí (aunque particularmente creía que esa idea casi implicaba más haki de observación que de armadura). No tengo pegas ni mucho menos con ese Queen que se ríe de que sus subordinados piensen que con balas de kairoseki tienen la batalla ganada. No tengo pegas ante el nuevo haki de armadura, porque además creo que era relativamente obvio que el diseño de la Cuarta Marcha original esta pensado para evolucionar a algo más parecido a la Segunda Marcha y este es el siguiente paso en ese camino. Ahora bien, todo esto es... raro. 

En Naruto poco después del salto temporal aparece Yamato y hace que el protagonista haga una prueba con una hoja para comprobar el elemento con el que tiene más afinidad. Este fue uno de los momentos que más me cabreó del manga de Kishimoto, porque entendía que era algo elemental que debía haber explicado desde el principio y que era ridículo que en un supuesto viaje de entrenamiento con Jiraiya este hubiera ignorado. Claramente se lo sacó de la manga en un momento dado y lo introdujo como pudo. Oda hizo algo parecido con el haki porque necesitaba golpear logias y que Luffy recibiera daño, eso esta claro. Como en el caso de Naruto, esta nueva regla que lo cambiaba todo llegó demasiado tarde y el mangaka tuvo que parchearlo todo un poco. Es hasta cierto punto normal, incluso Togashi -con más tablas y un colchón de confianza de los editores que no sería de unos pocos capítulos- guardó el Nen durante la primera saga para no confundir al lector o mostrar algo cuyo potencial no estaba seguro de poder desarrollar.

Oda esperó mucho, y cuando metió el haki lo hizo muy gradualmente durante un centenar de capítulos, con comedia y uso moderado. Ahora el haki parece estar por todas partes, pero si nos paramos a pensar está por todas partes rodeando a Luffy, que está en la cima de los piratas... es hasta cierto punto comprensible.

Dicho esto, la evolución o definición de los hakis ha dado algún que otro bandazo. Me parece extraño que ahora aparezca este otro tipo de haki de armadura avanzado. Desde luego esa intangibilidad no ha aparecido ahora, Luffy recuerda a Sentomarou y a Rayleigh, y yo siempre recuerdo una escena que está en mi ranking de momentos forzados del manga...

Por supuesto la escena que encabezará siempre este ranking
está protagonizad por Shanks, una anguila gigante y un brazo

Pero la definición del haki de armadura que Rayleigh enunció hablaba de una especie de armadura invisible, y a pesar de que Sentomarou se proclamaba como el hombre con mejor defensa del mundo no creo que nadie creyera que de verdad ostentaba este título. Vergo se nos presentó como un especialista en este tipo de armadura, y Oda sencillamente lo coloreó de negro. Vergo no atacaba a distancia, como no lo ha hecho ningún otro personaje en mucho tiempo, y entre los personajes que han luchado contra Luffy hemos visto a monstruos como Doflamingo o un par de comandantes de Big Mom... que ninguno pudiera usar esta forma que ahora sabemos avanzada del haki de armadura se me hace extraño e inconsistente.

Particularmente siempre he pensado que, sencillamente, Oda "ennegrecía" el haki como un apoyo visual para el lector, que lo que Luffy hacia no dejaba de ser el haki que habíamos visto desde que Garp le daba aquellos puñetazos de amor. Sigo creyendo a día de hoy el Rokuogan de Lucci era una forma de haki de armadura derivada de la maestría en el uso del rokushiki, como el kami-e no dejaba de ser una forma de haki de observación en unos agentes cuyo nivel se suponía que estaba relativamente cerca al de un vicealmirante en algunos casos.

El haki de observación es el que más ha sufrido en este sentido. Katakuri fue la redención de esta habilidad, el intento de revalolizarla por parte de Oda... porque creo que sencillamente había ido degenerando en su uso. La visión del futuro de Katakuri no era para nada nueva, como no lo es la exhibición de precognición de Luffy en esto... Sandersonia y Marigold ya anunciaba a Luffy sus golpes antes de que este los diera. Las kuja son especialistas en haki, lo sabemos, pero no daba la impresión de que lo que entonces vieramos fuera una táctica superavanzada. El haki de observación basicamente se definió en un principio como eso, la capacidad de esquivar los golpes porque estos eran vistos antes de ser recibidos... es extraño que la habilidad de ver el futuro de Katakuri al final pareciera reducida simplemente al efecto más básico de ese tipo de haki.

Oda lo esta justificando como siempre, el propio Luffy dice que no puede creer que Rayleigh le enseñara de primeras una forma tan avanzada de haki, y sabemos que el rey oscuro le enseño solo las bases porque la forma de desarrollarlo y potenciarlo era contra rivales poderosos... pero no dejo de tener la sensación de que Oda esta volviendo un poco sobre sus pasos porque no le ha gustado como le ha quedado la Marcha Cuarta o porque sencillamente se le ha ido un poco la mano con la escala de poder de los Emperadores.

¡No soy un mal limo!

Tensei shitara Slime Datta Ken

En la tierra de los isekais había una serie de novelas que querían ser adaptadas. Eran un buen isekai; sí, tenían los fallos habituales del género como un héroe quizás demasiado dopado y una ligera tendencia al harem, pero eran un buen isekai que sabía brillar por el carisma de su protagonista. El protagonista, por supuesto, era un humano que había aparecido en otro mundo, pero tenía la particular forma de un limo y destacaba más por su sencillo buen hacer que por sus deseos de gloria o fama. Rimuru era fuerte y era algo pervertidillo, pero principalmente era un tipo con sentido común que no deseaba otra cosa que vivir en paz y descubrir las maravillas que ante él presentaba esa segunda vida.

Y el isekai funcionó, al menos en un principio. La animación no era puntera pero tampoco deficiente, y el diseño de personajes era simpático por su uso de colores vivos a pesar de esos destellos de harem en forma de secretaria o miko. La acción funcionaba por la simple fuerza avasalladora del protagonista, la comedia estaba muy presente y, en general la serie era muy simpática. El ver como Rimuru construía un pequeño reino en base a alianzas con todas las razas que conocía y a las que lograba unificar bajo un manto de paz era tan ameno como ingenuamente alegre.

Pero llegó la segunda temporada y las dificultades emperazaron para nuestro buen isekai que hasta entonces tan gratificante había sido. El ritmo extrañamente tranquilo que había permitido cimentar la serie y justificar bien a sus personajes saltó por los aires. Algún malvado director de un conglomerado multimedia japonés pensó que el anime no debía de ser otra cosa que una herramienta comercial para publicitar las novelas y que su ritmo no importaba. Así pues, todo se aceleró y Rimuru se vio luchando contra enemigos a gran velocidad con desarrollos mucho más acelerados porque el ritmo natural de la serie quizás habría llevado a esta a finalizar con el muy flojo arco de la batalla contra un dragón tan gigantesco como soso y había que acabarlo de una forma más potente por extraña sensación de pegote que tuviera todo al final. Y esa fue la batalla de este isekai, tenía una buena base, tenía un carisma y una simpatía inmensa, pero la suya fue también una triste aventura en la que claramente fue de más a menos para acabar con un final si no anodino si tristemente poco grandilocuente.

Festín de guionazos

Juego de tronos - Temporada 7

En la sexta temporada la serie sobrevivió a la ausencia de libros. Aunque era un momento que todos temíamos los guionistas consiguieron sobreponerse a ello... pero en esta séptima temporada todas las leyes de la lógica y coherencia narrativa han caído sobre ellos en 7 episodios que son un absoluto despropósito.

Por supuesto la serie sigue teniendo muchas cosas destacables para bien. Los valores de producción son dignos de una película y visualmente esta temporada nos regala grandes batallas impresionantes con dragones gigantescos de por medio. Los actores suelen rayar a una altura notable en el peor de los casos, y hay escenas como la de Olena y Jaime que son un deleite para los ojos. Aún con todo el horror y la amenaza a la que se enfrentan los personajes, comienzan a producirse al final las reuniones que todos esperabamos y eso es un disfrute para los seguidores de los libros.

Ahora bien, por muy espectacular que sea una batalla, queda en nada si luego a continuación vemos una secuencia absurda, y eso pasa -y mucho- esta temporada. Y hay que ser justos, muchos de los problemas de la serie vienen heredados de las propias novelas y esos berenjenales extraños en los que se metió Martin con personajes como Sam, Arya o Bran que claramente requerían de saltos temporales de varios años para ser sólidos (ya ni hablemos de Rickon en los libros).

Los pecados de Martin son graves y a esta serie no puede exigírsile que los repare... pero por desgracia lo que hace es añadir muchos más al desarrollo de la historia. Así pues... soltemos a los perros de la bilis

El ejército de los Lannister es interminable, y además parece que ni hace falta pagarle. La situación de Cersei es agónica, pero con un par de escenas con un kraken salido de la nada acaba con todo Dorne... y luego el mejor amigo de Moffat le regala un crédito a fondo perdido. Se supone que Tyrion es mucho mejor estratega que la loca de su hermana... que es eso, una loca... pero la serie vuelve a regalárselo todo a Cersei porque necesita una mala malísima.

Dany esta tonta. O no hace nada, o se pone en plan genocida. Tiene tres armas de destrucción masiva como "hijos" y la serie tiene que refrenarla para que no se acabe todo de golpe o no vaya a Desembarco de Rey y lo asole como haría cualquier persona lógica... la forma de hacerlo es con Tyrion dándole malos consejos y poniendo por ahí a Jon con una trama mala en espera que algún milagro de actuación hiciera que hubiera química entre ellos (para que además la gente se sorprendiera con la revelación del R+L que los fans llevan aventurando desde el 96)

Todo esto son fallos hasta cierto punto perdonables. Uno entiende que la historia tiene que avanzar y puede aceptar estas trampas con relativa facilidad, se entiende que la serie quisiera mostrar Roca Casterly aunque no sirviera de nada, como se puede aceptar la extraña peripecia de Sam que mirando un par de libros dará con una información milagrosa para ser Jorah o descubrirá algo de los Otros. Todo esto se acepta, como se acepta (hasta cierto punto) un poco esa relatividad en lo que es el espacio y el tiempo en esta franquicia.  

Ahora bien, que Jaime se enfrente a los dragones y sobreviva a ellos es aceptable. Discutible pero aceptable. Pero ¿por qué sale de la nada un lago tras él y Bron puede arrastrarle desde las profundidades con su armadura puesta? ¿Simbolismo narrativo? Puede. Pero al menos la serie podía ser menos torpe en esa exposición, son tonterías con las que la serie no gana nada y que mosquearan a cualquier espectador que se ponga a pensar en ellas un poco.

Naturalmente las trampas del cuarto o quinto capítulo no son nada comparadas con el ya mítico festival de teletransportaciones del sexto. Si ya de por si lo de capturar a un "otro" era ridículo desde todas las ópticas posibles, esa misión suicida y disparatadamente fanservicera se resuelve con una sucesión de carreras imposibles que destrozan la lógica interna de la serie y convierten el capítulo en un meme.

Pero claro, el problema no es el plan o lo absurdo de su desarrollo. El problema es que no sirve para nada, más bien lo contrario al dotar al Rey de la Noche de un gran arma. Pero la serie en este momento ya ha renunciado por completo a la lógica interna en favor del efectismo. Lo de que el Rey de la noche tenga un Dragon queda muy guay, claro, lo de que lo use para derribar el muro es espectacular... pero eso hace que los causantes de la amenaza sean los propios protagonistas al intentar evitarla porque... ¿como habría pasado si no el Rey de la Noche? ¿No tenía ningún plan con cuya realización siquiera amenazar? ¿Se ha dedicado a dar vueltas durante siete temporadas por el norte porque sabía que no podía pasar hasta que una reina tonta decidiera ir para allá a sacrificar un dragón porque Bran no la iba a avisar porque en el fondo son el mismo o algo así?

En fin, todo muy ridículo, y eso sin entrar en la surreal trama de Invernalia con Sansa, Arya y Meñique.

Una pena, mi interés por la serie actualmente es ya muy reducido. 

Descenso a los infiernos

Made in abyss

Su excelente adaptación al anime (ver reseña) me ha llevado a comprar el manga. No hablare mucho de la historia, pues ya lo hice en aquella reseña y la obra es medianamente conocida ya: Riko y Reg son un par de niños que emprenden un viaje hacia un misterioso abismo que contiene tanto incontables peligros como respuestas al sentido de sus vidas. La serie, partiendo de una apariencia relativamente infantil, pronto se revela como una aventura bastante dura con momentos auténticamente traumáticos. Como es normal todo eso no cambia en el manga, pero sin embargo este si es un producto bastante diferenciado con respecto al anime.

Lo primero que llama la atención es, naturalmente, el dibujo. Es un dibujo sorprendentemente poco "manga", o al menos es un dibujo alejado de lo que es el manga más habitual y comercial. Los diseños infantiles y muy juveniles son los que uno esperaría, pero el dibujo en general tiene unos trazos muy gruesos que se alejan de las líneas muy definidas y los perfiles delineados; la acción en general no esta especialmente bien tratada y en general el autor no tiene un buen uso de tramas o sombreados. "Made in abyss" parece en su dibujo una obra más occidental que oriental, como si el autor trabajase en verdad sobre acuarelas o colores y luego viéramos una versión monocroma de sus dibujos (si no me equivoco el manga original se publica en una web con lo que su particular dibujo puede venir de ahí). No es un mal dibujo -y en momentos vemos imágenes muy potentes-, pero es un dibujo "particular".

La otra gran diferencia sería el ritmo. Si bien en el anime ya había algo de sensación de aventura apresurada por lo rápido que se sucedían las capas, esta sensación es aún mayor en el manga. Esta no será una obra muy larga, da la sensación de que el autor la acabará en una decena de tomos aproximadamente, y eso se traduce en que todo pasa muy deprisa. El anime añadía algunos capítulos con relleno que sumaban a la historia y añadían más complejidad al mundo; aquí esa complejidad viene dada por las anotaciones y las ilustraciones que separan los capítulos y que se convierten en una pequeña enciclopedia de todo el mundo creado por el autor.

Creo que hasta el momento me esta quedando una reseña algo negativo y eso no es justo, pero es que Kinema Citrus hizo un grandísimo trabajo en aquella adaptación (donde el propio autor colaboro en lo que creo que le sirvió para pulir algunos puntos de su propia obra). Por su inusual dibujo y su altísimo ritmo narrativo, el manga es distinto al anime, y no deja de ser obvio que toda la calidad de aquel venía dada por la historia del manga, que mantiene toda su fuerza si no la aumenta cuando vemos como continúa la historia. La fuerza de la trama se mantiene intacta con ese abismo que presenta incontables misterios (y que quedan mejor explicados en esta obra original por su complejidad). El humor bastante socarrón se atenuó en el anime y aquí esta más presente... la crueldad inconfundible de la franquicia es todavía más dura aquí pues el ritmo tan alto hace que las pruebas y las penas para los protagonistas se suceden tan rápido que apenas tengamos tiempo para recuperarnos de una antes de ver la salvajada posterior. No hay nada de relleno, aunque conforme avanza la trama el ritmo se ralentiza algo, con tramas más largas que se manejan con un grupo de protagonistas mayor, la obra se siente más sólida entonces y adquiere un ritmo más tradicional mientras que paralelamente el argumento va ganando más complejidad y la historia comienza a adquirir un mayor tinte demencial y oscuro.

Por su extensión y calidad me parece una obra bastante recomendable; aunque su adaptación animada me parece superior y ahora mismo tiene el problema de tener un ritmo de publicación bastante lento que hará que -a pesar de su brevedad- aún vayamos a tardar algo en ver el final de la historia.

OPDM - 44 - Star Trek Voyager, Ports de WiiU, School Girl Zombie Hunter y the Council

Nuevamente con la colaboración de @chusetto, alcanzamos el programa numero 44 del podcast. Volvemos a Star Trek para hablar de la Odisea de la Voyager, halbamos también de algunos juegos de WiiU que aún no se han portado a Switch y que nos gustaría ver en esa consola, y acabamos reseñando un par de juegos de calidad... dispar. 

Como es habitual, para separar secciones tenemos nuestra habitual enciclopedia friki, que llega hoy a la P

Los tiempos del programa son los siguientes:

00:01 - Star Trek Voyager

00:55 - Enciclopedia: Hercule Poirot

01:06 - Posibles ports de Wii U

02:14 - Enciclopedia: Amy Poehler

02:28 - School Girl Zombie Hunter

02:51 - The Council

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La serie cuyo título nunca entenderás*

3-gatsu no lion

Kiriyama es un joven jugador de shogi profesional. Criado en una familia adoptiva viciada por la competitividad por un padre obsesionado por ese deporte, el joven pronto se muda a un apartamento para vivir en solitario y centrarse en el shogi, pues es lo único que verdaderamente tiene en su vida. Pronto conocerá, casi por azar, a tres hermanas que se autoproclamaran sus amigas y se impondrán la tarea de cuidarle y hacer que vea algo más allá del tablero de ajedrez. Este anime narra la vida y las interacciones entre Kiriyama y las tres hermanas Kawamoto, así como algunos compañeros de profesión de Kiriyama que poco a poco se convertirán también en sus amigos.

Dejando a un lado el shogi y las explicaciones sobre él (la serie nos muestra partidas constantemente pero se puede ver perfectamente sin tener ni idea del juego ya que las batallas son más psicológicas que otra cosa), es una serie sobre las obsesiones, sobre como estas destrozan a las personas y lo difícil que es escapar de ellas, así como sobre porque algunas algunas personas se refugian en ellas. La serie tiene unos personajes muy carismáticos y recurre constantemente a un humor -a veces un poco alocado, pero normalmente simpático e inocente-, y sus segmentos de comedia funcionan muy bien por el carisma y la simpatía que destilan sus personajes, pero es sobre todo un drama. Un drama con segmentos muy oscuros y rebuscados, con algunos personajes completamente perdidos en si mismos. El drama funciona muy bien, es potente y efectivo. No se recurre al maniqueismo ni se simplifican los conflictos; los dramas son complejos y no ya de difícil resolución si no directamente de difícil exposición, los personajes están sometidos a tensiones brutales que los llevan al límite y a los que a veces no pueden responder con una sonrisa cuando sencillamente todo parece injusto para ellos. No es una serie cuyos conflictos se resuelvan mágicamente -y muchos de ellos no se resuelven al continuar el manga original en activo-, es una serie amarga en la que los personajes aprenden a lidiar con sus problemas aceptándolos y apoyándose en terceros para ello.

Como es de esperar, la serie se articula en torno a diversos de estos dramas. He de decir que la primera temporada me parece más redonda en cuanto a temas de composición, al presentarse la historia y los personajes las tramas son más cortas y se alternan entre ellas muy bien. En la segunda temporada la trama de Hina se come demasiado tiempo; y aunque es una trama muy bien llevada, también creo que es una trama algo artificial para hacer crecer el personaje y llenar páginas del manga mientras se postergan algo forzosamente tramas como la de Kyouko y todo lo referente al pasado del protagonista. En este sentido las tramas de las hermanas o de algunos personajes me parecen algo más flojas; la serie explota en toda su plenitud cuando se inmerge en las mentes desquiciadas de los jugadores de shogi y nos muestra la particular locura en la practicamente viven todos.  

Para mostrar esta locura, la elección de Shaft como estudio es excelente. Normalmente la serie tiene un aspecto muy parecido al de "Hachimitsu no clover", no en vano Chica Umino es la autora de ambas series. La serie parece dibujada en parte en acuarela, con una gran presencia de tonos pastel y unos escenarios de fondo muy trabajados. Shaft y Shibou Akiyuki se contienen entonces, no hay demasiados giros de cuello, planos monocromáticos o con saturación de algún tipo de elementos... sin embargo cuando entramos en la mente de los personajes los elementos simbólicos si se disparan y aquí vemos una animación mucho más experimental y por momentos extremos. El Shaft de esta serie es un estudio comedido, y eso le sienta muy bien. Tenemos una animación muy sólida y consistente, preciosista y muy digerible en sus segmentos normales o en los relajados momentos de comedia, sin embargo todo se vuelve mucho más enrevesado, agobiante, agresivo y amenazador cuando entramos dentro de la psique de los personajes.

Es uno de los animes más celebrados de los últimos años y no puedo hacer otra cosa que sumarme a las filas de sus incondicionales. Una serie absolutamente recomendable, donde a un buen drama se le suma una efectiva comedia y donde a sus carismáticos personajes se les suman como guinda del pastel numerosos animales con subtítulos.

*en verdad si que hay varias interpretaciones como el nombre de la ciudad en la que viven, la trinidad que componen las hermanas, el paso del tiempo, etc, ect... pero es un título muy raro

Nintendo Switch - Año 1

Un año después de comprar la Nintendo Switch, y aunque parezca algo extraño dentro del estilo del blog, este sería mi ranking de los juegos que he disfrutado:

Xenoblade Chronicles 2 (ver reseña)

Menos inmenso pero más ágil que Xeno X, retoma el estilo épico del Xeno original haciéndolo aún más otaku en sus diseños y desarrollo. Una absoluta gozada.

Super Smash Bross Ultimate (reseña pendiente)

El último Smash me había parecido algo flojo, pero con este la saga vuela más alto que nunca con un plantel de personajes increíble y un modo aventura que es una simple gozada para cualquier aficionado a los videojuegos.

Valkyria Chronicles (ver reseña)

Una pequeña maravilla que llevaba muchos años queriendo jugar y que no me decepcionó en absoluto.

Hollow Knight (ver reseña)

A pesar de que su diseño es más oscuro de lo que me gustaría, la maravillosa jugabilidad y diseño de este metroidvania le hacen merecedor de todos los halagos que ha recibido.

Civilization VI (ver reseña)

Tenía muchas ganas de probar la franquicia y me encantó. Una auténtica delicia para los seguidores y la estrategia que es absurdamente adictivo.

Valkyria Chronicles IV (jugando actualmente, reseña pendiente)

Añade interesantes mejoras a su predecesor que lo convierten en un juego más largo y completo, pero también me esta pareciendo menos ágil y -¿por qué no decirlo?- carismático.

Super Mario Odyssey (ver reseña)

Un buen juego con momentos memorables como el retorno de Pauline. No obstante, contra la opinión aparentemente popular, no puedo evitar sentir una cierta decepción. Prefiero los Marios más directos y menos aventureros.

Octopath traveller (ver reseña)

Gran música y arte para un sistema de combate aún mejor. No obstante, a pesar de lo interesante de sus 8 tramas paralelas, peca de demasiada simplicidad en sus historias y de monotonía en su desarrollo.  

Fire Emblem Warriors (ver reseña)

Un musou bastante correcto con un gran dinamismo en sus partidas, pero la selección de personajes y estilos de combate lo lastra.

Tales os Vesperia (ver reseña)

Entretenido y argumentalmente bastante interesante, pero mucho más flojo de lo que esperaba por el buen recuerdo que tenía de Symphonia.

Ikaruga (ver reseña)

Arcade al que le tenía muchas ganas y que resulta tan entretenido como frustrante por su dificultad.

Golf story (ver reseña)

Aventura de rol "particular" que es al mismo tiempo un muy competente juego de rol. Creo que tiene algunos problemas de ritmo en su desarrollo, pero es una curiosidad bastante recomendable.

Kamiko (ver reseña)

Un juego entretenido para partidas cortas de superar el tiempo. Peca de falta de variedad, pero no deja de ser un juego muy barato.

Crash Bandicoot N'sane trilogy (ver reseña)

Mi mayor decepción dentro de lo que he jugado. Una trilogía que ha envejecido muy mal. El primer juego tiene serios problemas de diseño de niveles y dificultad; el segundo juego si es bastante notable; el tercero me parece una colección de experimentos o descartes de los juegos anteriores. 

Al margen de ello, añado en esta entrada algunas reseñas de juegos de WiiU que han sido relanzados en Switch pero que he dejado fuera de la clasificación anterior:

Bayonetta (ver reseña)

Bayonetta 2 (ver reseña)

Captain Toad (ver reseña)

Darksiders (ver reseña)

Donkey Kong Country Returns: Tropical Freeze (ver reseña)

Hyrule Warriors (sin añadidos de 3DS) (ver reseña)

Lego City Undercover (ver reseña)

Mario Kart 8 (sin deluxe) (ver reseña)

Zelda: Breath of the wild (ver reseña)

Habría otros juegos como Final Fantasy IX, los Ace Attorney, Turok u otros juegos antiguos que previamente he reseñado y cuyos enlaces se pueden encontrar en la sección de videojuegos del blog.

La adaptación estaba escrita antes que la novela

El despertar del Leviatán

James S. A. Corey es el nombre de un par de escritores que estan firmando la saga en la que se basa la serie de televisión "The Expanse". Lo primero es decir que uno de ellos al parecer ha trabajado con Martin y no se le han pegado sus malas costumbres, es decir, esta gente es profesional. Tienen un proyecto muy pensado para la televisión y van a sacar la friolera de 9 libros más o menos en otros tantos años, eso como lector se agradece y mucho.

Ahora bien, se agradecería más si los libros estuvieran bien. El libro no está mal, pero tampoco está bien. Antes los he calificado como profesionales y no ha sido solo por su seriedad a la hora de afrontar el proyecto, es también por la naturaleza del proyecto en si. Este primer libro se siente más como un producto que como una realización artística. El libro es entretenido, engancha y se lee rápido, tiene ritmo y uno más o menos simpatiza con los personajes. Ahora bien, no hay nada especialmente novedoso en él. Tenemos a un detective atormentado que parece sacado de cualquier novela de los años 30, y a una tripulación de un carguero espacial que es demasiado guay y heroica a la fuerza... a ello le sumamos un poco de política y teoría de la conspiración y tenemos una space opera de libro, efectiva pero no especialmente original. El libro parece una mezcla de Asimov -aunque sin la concisión del Buen Doctor-, con la Firefly de Joss Whedon, y si bien tiene algunas pinceladas interesantes de ciencia-ficción, también apuesta por un par de elementos muy comerciales y vigentes en la actual cultura del ocio. 

La novela no está ni mucho menos mal, sus quinientas páginas se devoran en cuestión de días y te dejan con algo de curiosidad de ver como continua la historia (historia cerrada en esta primera novela, pero que claramente puede continuarse con facilidad). Pero si bien entretiene, no aporta mucho más al lector, y al menos a mi me da algo de pereza ahora mismo pensar en ponerme a leer ocho libros más basados en este mundo.

El hombre que susurraba a los cerdos

Gin no saji

Adaptación del manga -aún en curso- de Hiromu Arakawa, "Gin no saji" nos traslada a un instituto agrícola, donde Hachiken -un alumno de matrícula- se ha matriculado en una especie de mezcla entre búsqueda de su propia identidad y acto de rebeldía contra su complicada familia. En este instituto, mientras cuida animales y campos, conocerá a numerosos estudiantes y a varios profesores en un día a día que la serie irá describiendo. Esta serie es pues un slice of life, una comedia estudiantil con el drama y romance de rigor, que se ubica en el extraño escenario de una escuela de granjeros.

Evidentemente una pregunta surge de primeras ante esta premisa: ¿granjeros? ¿eso puede ser entretenido? Verdaderamente la serie se apoya más o menos en los recursos clásicos del género en lo que a la construcción de personajes se refiere, teniendo a un grupillo de estudiantes simpáticos con el clásico chico serio o el clásico tontillo superlativo, en ese sentido la serie juega sobre seguro (y más con una mujer como Arakawa detrás, que tiene experiencia más que de sobra y sabe meter secundarios alocados que funcionan perfectamente como una especie de Buda convertido en profesor de equitación, o esa prima lejana de la familia Armstrong de FMA que sería Tamako). Además la serie maneja un componente muy amplio de personajes de una forma modélica; en este tipo de series es normal que al final solo veamos a media docena de miembros de un club y a un par de amigos del protagonista, aquí tenemos toda una clase que se divide en diversos grupos en función a los dormitorios, los clubs o los grupos de tareas, eso hace que el protagonista este en 3 o 4 círculos que al final siempre están interactuando entre ellos de una forma muy natural. 

Los animales y el componente granjero añaden ese pequeño componente de ternura y diversión que siempre dan los animales, y la serie sabe manejar lo suficiente los tiempos para introducir muchos elementos pedagógicos sobre las granjas como para que estos resulten interesantes y no aburridos. En general la visión que da de las granjas me parece sorprendentemente acertada, aunque no deja de ser algo benigna y demasiado limpia.

La serie, dividida en dos temporadas de 11 episodios se ve muy bien. La comedia, ya sea en gags puntuales o en secuencias más elaboradas, funciona muy bien; y también hay un romance -obvio desde el principio- muy bien desarrollado a lo largo de toda la serie. El único problema sería cierta tendencia a sobredramatizar por parte del protagonista en su primera temporada, su indecisión con respecto a su futuro y su conflicto con sus padres no son especialmente destacables, y en la primera temporada la serie pivota en torno a un arco sobre un cerdo que se establece como elemento de cambio del personaje... pero sencillamente es tan forzado que me parece ridículo por momentos. En la segunda temporada, sin embargo, el eje central gira en torno a una idea mucho más realista y dramática, y con una ejecución casi modélica consigue que el nivel de la serie suba muchos enteros.

En esta, su adaptación animada, no me parece que sea una serie tan redonda como todo el mundo parece decir. Es original en su planteamiento y se nota que su autora tiene muchas tablas a la hora de desarrollarla, sin embargo me parece que le falta algo de fuerza en general y además no puedo evitar pensar que romantiza demasiado una vida que es terriblemente dura. Me parece una serie divertida y entretenida, recomendable como una simpática curiosidad pero se encuentra muy lejos de mi etiqueta de imprescindible.

La antítesis de vacuo

Hollow knight

Poco puede decirse de este "metroidvania" que no se haya dicho. Es, sencillamente, dificil de creer lo bueno que es y que apenas un trío de personas hayan conseguido hacer por kickstater un dignísimo heredero de Symphony of the night (ver reseña) o Super Metroid (ver reseña).
Aunque algo grande de más -en mi opinión-, su diseño de niveles es exquisito, pero creo que donde el juego consigue destacar especialmente es en su diseño artístico. A nivel visual el juego no es un portento técnico, no hay "pendientes", todo se basa en una lógica de "bloques" y en unos diseños casi flash que no dejan de ser casi obvios merced a lo limitado de su equipo y presupuesto, pero todo el juego lo suple con una sorprendente dirección artística.
El juego se ubica en lo que en ningún momento conseguí evitar pensar que no era otra cosa que un cadáver en descomposición. En verdad no importa si es un cadáver, una pila de cuerpos o un simple terreno malsano. Todo el juego transpira muerte. Y funciona, en ese escenario encuentra el marco perfecto para un desarrollo que es imposible no comparar a las películas de Ghibli o a algunos relatos burtonianos; la muerte y la vida se entrelazan en un relato donde alma -vida- y vacío -u olvido- se dan la mano sin que uno sepa muy bien cual de ambos significa esperanza.
El juego nos presenta una civilización agonizante y decadente donde el jugador instintivamente se siente incómodo al enfrentarse inconscientemente al más subconsciente y primordial de todos nuestros miedos: la muerte. Quizás el juego no llegue a los niveles míticos del Majora´s Mask, pero incluso entre los múltiples secundarios y pueblos que encontramos podemos ver algunos rasgos del famoso modelo de cinco pasos de duelo de Kübler-Ross.

Frente a la aceptación de la muerte del propio juego encontramos al héroe como fuerza que se opone a ella. La insignificancia del héroe inicialmente, su propia naturaleza de fracaso ante la existencia del Hollow Knight , es también interesante. El juego no nos presenta la fantasía del "héroe por sorpresa" (esa fantasía infantil en la que un agente externo aparecerá de la nada para decirnos que somos unos elegidos), no somos un Harry Potter ante el que Hagrid aparece de repente para librarle de su vida sin esperanza y revelarle que es un elegido. El protagonista es uno mas, la absoluta definición de la mediocridad, el fracaso o la simple normalidad. Nuestra identificación con este tipo de personaje y su simple enfrentamiento contra el destino no puede ser mayor que cuando ese destino no es otro que la inevitable muerte. Incluso aquí puede interpretarse como un acierto la excesiva libertad de juego y el monstruosamente grande mundo que plantea el juego, las insignias nos dan muchas posibilidades a la hora de configurar nuestro personaje, podemos hacer un personaje centrado en la lucha o en la recuperación, tenemos muchos poderes entre los que elegir un "set" que más se adecue a nuestra forma de jugar o a nuestras necesidades del momento, y también tenemos muchísimas misiones secundarias -algunas de una dificultad demencial- que podemos decidir hacer o no en este larguísimo juego. Definimos por completo el camino del héroe de nuestro personaje.
Un camino del héroe que nos llevará a un final amargo, con personaje condenado a estar solo e incluso a ser olvidado, pero ese no se siente un final malo, a fin de cuentas el héroe que salva al mundo pero al final es olvidado y sólo tiene como recompensa la gratificación personal se muestra como el más heroíco y desinteresado de todos. El héroe lo da todo a espera de nada, y eso es lo que nos propone este juego. Un juego donde el propio jugador acaba aceptando el vacío de su existencia, donde la fugacidad de su partida esta puesta al servicio del resto de personajes. La muerte, el olvido mismo del personaje es la clave para la vida del resto de personajes. El juego, que inicialmente nos presenta la muerte como un elemento terrible e inevitable, nos lleva finalmente a abrazarla y a aceptarla, el objetivo de la vida no es perpetuarse de una forma inmutable, si no prolongarse a lo largo de las generaciones futuras y el cambio. Abrazar la oscuridad  del sacrificio para iluminar el mundo.

Absolutamente recomendable, el precio de 15€ por el que normalmente puede encontrarse en las tiendas virtuales es poco menos que ridículo, Hollow knight es uno de los mejores juegos de los últimos años y aún a precio completo seguiría siendo un juego casi de obligada compra. Una auténtica joya.

El futuro de Hosoda

Mirai, mi hermana pequeña

Tengo que decir que me hallo algo decepcionado ante el resultado de esta película, aunque quizás más que decepcionado la palabra sería desorientado. Es una película extraña. Mamoru Hosoda sigue la trayectoria casi bibliográfica de sus últimas películas y, tras explorar paternidad y maternidad, ahora se vuelva en el vínculo entre hermanos que le han hecho descubrir sus hijos. 

El protagonista absoluto de la película es un niño de 4 años... que es un niño de 4 años. Madura y crece hasta aceptar a su hermana pequeña Mirai, pero todo lo ve con sus rabietas y su completamente normal infantil visión de todo. La película refleja constantemente la forma de ver el mundo de un niño, y así mismo también vemos como todos los personajes actúan con él como se actúa con una criatura de 4 años. El espectador tiene que ver la película sabiéndolo, y creo que aquí también entra en juego personalidad de cada uno porque creo que unos padres primerizos disfrutaran mucho más esta película de lo que lo ha echo alguien tan poco empatia hacia los niños como un servidor (aunque supongo que un padre no podra dejar de horrorizarse ante la peor casa imaginable para el crecimiento de un niño). El costumbrismo es uno de los puntos fuertes de Hosoda, y aquí sencillamente da una lección de él retratando a la perfección la vida de toda una familia con todos sus buenos y no tan buenos momentos. Kun es el protagonista de la película, pero sus padres también avanzan a lo largo del metraje, e incluso vemos al perro integrado perfectamente en la familia que Hosoda ensalza como un pilar fundamental de la existencia humana.

Para su mensaje familiar el director nipón crea una especie de fábula en la que el niño acaba aceptando a su hermana como alguien de su vida en base a varios viajes en el tiempo en los que se cruza con otros miembros de su familia y descubre la importancia de estos (viajes en los que creo que aparece sorprendentemente poco la citada hermana a pesar de lo que el título y el traíler podrían dar lugar a entender). Es en esta forma de vertebrar la historia donde tengo más problemas. Algunos segmentos funcionan muy bien; la primera incursión de Mirai es muy divertida, en general la película alterna bien el tono de estos capítulos mostrando algunos dramáticos y oscuros con otros más ligeros... sin embargo algunos de ellos me parecen más flojos y no aportan demasiado al resultado final, dándole a la película una extraña sensación inconexa donde el desarrollo general parece algo vago.

Técnicamente es una película que se mueve en un escenario muy pequeño, la animación es consistente y tiene pequeños alardes de espectacularidad, pero no destaca especialmente en este sentido e incluso diría que en alguna escena han usado demasiado el ordenador.

Recomendable, es mejor -o más fresca- que "El niño y el monstruo" (ver reseña), pero está bastante por debajo de esa obra maestra increíble que son los niños lobo (ver reseña) (a la que por cierto rinde un par de homenajes nada sutiles) y esos trabajos más sencillos y disfrutables que eran la chica que saltaba a través del tiempo (ver reseña) y Summer Wars (ver reseña).

OPDM - 043 - Temporada de Anime Invierno 2009

Nuevo edición del podcast en la que contamos de nuevo con la colaboración de @chusetto para repasar la más que decente temporada de anime de hace 10 años. Una temporada con muchas continuaciones de las que ya hemos hablado y algunos animes dignos de ser enterrados junto a los cartuchos de ET, pero también algunos a reivindicar.

En nuestra enciclopedia friki alcanzamos la O del gran profesor Onizuka y el Gran Hermano Orwell, y en nuestra sección libre Setzer comenta el Ys VIII y yo el Tales of Vesperia... inicialmente.

Los tiempos del programa son los siguientes

00:01 Anime Invierno 2009

Sora wo Kakeru Shoujo

Shikabane Hime: Kuro

Maria†Holic

Druaga no Tou: The Sword of Uruk

Akikan!

Minami-ke Okaeri

Asu no Yoichi!

Zoku Natsume Yuujinchou

Slayers Evolution-R

Tetsuwan Birdy Decode:02

Hajime no Ippo: New Challenger

Hetalia Axis Powers

Chrome Shelled Regios

Kemono no Souja Erin

Lupin III vs. Detective Conan

RideBack

Major S5

Higurashi no Naku Koro ni Rei

Sora wo Miageru Shoujo no Hitomi ni Utsuru Sekai

Kurokami The Animation

Suzumiya Haruhi-chan no Yuuutsu

Nyoro-n Churuya-san

Denpa-teki na Kanojo

White Album

01:23 Biografia: Onizuka

01:32 Biografia: Orwel

01:39 Ys VIII: Lacrimosa of Dana

01:57 Tales of Vesperia

02:06 Kingdom (Serie koreana)

02:16 Battle Angel Alita (Película 2019)

Como siempre, gracias a todos los que nos escuchais y comentais (ya sea aquí o en ivoox). También gracias a todos los que nos retuiteais o le dais al like o al botoncito de subscripción.

El cuento de la criada

Emma: a victorian romance

Adaptación de un célebre manga de Kaoru Mori, las dos temporadas de esta serie nos trasladan al Londres de finales del XIX. Emma es una joven que, tras haber crecido en las calles, ha conseguido un trabajo como doncella de una anciana institutriz que la trata casi como una hija. Un día, un antiguo alumno de su señora le hace una vista a esta, y se queda inmediatamente prendado de la disparatadamente bella  plusmarquista de la milla que es nuestra doncella protagonista. Ella es una doncella, él el hijo de una familia burguesa cuyo padre sueña con un buen casamiento. El conflicto, en plena época victoria es evidente y el romance poco menos que imposible.

Sin embargo el amor es muy intenso, y así William se opondrá a su familia y Emma se sobrepondra a una moral tan intensa como inflexible en la lucha de ambos contra la sociedad. Cualquiera que conozca un poco el periodo sabe que la diferencia de clases era poco menos que insalvable en aquella época, y uno llegaría a pensar que la serie sería muy fantasiosa porque sencillamente el romance es inconcebible y Emma no podría aspirar a más que a amante. Pero la serie lo hace muy bien, la presión de la sociedad es inmensa y la propia Emma es la que más se censura porque sabe que está arrastrando a su amado a un desastre, así mismo estamos a finales del XIX... casi un siglo después de los tiempos de Austen y salvo la aristocracia más rancia los personajes comienzan a ser más tolerantes -o comprensivos- con un escenario tan escandaloso. Si obviamos la presencia de un príncipe indio con una épica sombra con forma de cuatro bailarinas silenciosas y -sobre todo- algún que otro elefante-, la serie es extraordinariamente respetuosa con el periodo que cubre. Tiene alguna pequeña licencia dramática, pero ninguna es grave y están referidas a personajes que podríamos decir que son "un poco anime" como un par de damas excéntricas... pero en general la serie es poco menos que un tratado sobre la vida victoriana plagada de mil y un detalles muy coherentes. Quizás el Londres que se vea es un poco limpio, pero Emma no es pobre, vive con señoras de clase media, con lo que también es algo lógico y el escenario si empeora un par de veces que viajamos al Londres más sórdido (de hecho hay un par de referencias a Whitechapel)

Se trata de una serie de ritmo lento, un sencillo drama romántico con un tempo muy pausado pero bien medido. Hay algo de margen para la comedia, pero se trata principalmente de un sencillo romance que hace sufrir a los dos protagonistas y a todos los que lo rodean. No es un melodrama fácil o un anime hiperbólico y exagerado, si no una serie sobria y elegante, un anime muy sencillo y honesto que nos presenta una historia tan sencilla como universal y carente de artificios o recursos trágicos tópicos. En general todos los personajes caen bastante bien y resultan carismáticos y entrañables, lo que ayuda a empatizar mucho con ellos y a identificarse incluso con el par de personajes que harían las veces de "rivales" en conflicto romántico. Sobra decir que apenas hay acción y que lo más erótico que vemos es a la protagonista cepillarse el pelo.

A nivel técnico, la serie cambió de estudio entre sus dos temporadas, pero el director continuó siendo el mismo y el estilo tanto narrativo como artístico continuó hasta el punto de que se volvió a usar el mismo opening (o una versión de este). El diseño de los personajes es exquisito y el trabajo de fondos y escenarios muy detallado. La animación siempre se mantiene constante y, aunque hay bastante uso del ordenador, este apenas se nota más allá de alguna secuencia muy puntual.

En general es una serie que se sale mucho de lo que sería el anime moderno y que ofrece un relato y una narración muy próximo al habitual de las grandes autoras británicas del XIX. Un excelente anime que creo que todo el mundo debería ver y que puede abrir los ojos a cierto tipo de relatos e historias a un público que no está familiarizado con ellas.

Irguiéndose desde el patio de los desperdicios

Alita, ángel de combate

Las cosas no terminaban de pintar bien para esta adaptación; si el proyecto ya de por si era complicado que Cameron estuviera en segundo plano y cediera la batuta a un director relativamente menor como Rodriguez parecía relegar la película a ser un título de segunda. Pero he aquí que el director mejicano ha hecho gala de su enorme potencia visual y, sobre todo, de su buen saber en economía de medios... y así tenemos en Alita una película visualmente muy potente y, sobre y ante todo, una cinta muy entretenida y sorprendentemente sólida. Esto no es Ghost in the shell (ver reseña)

Defectos la película tiene y no son pocos, no es especialmente original (aunque esto es algo heredado del material original), y en algunos momentos el ritmo puede ser un poco atropellado, pero ninguno de estos defectos es especialmente grave. Y las virtudes son mayores en número y en relevancia en todos los sentidos y las compensan. Si alguna escena escena, sobre todo al final de la película, parece un poco atropellada es sencillamente por la densidad del material original y todas las revelaciones clásicas que vemos al final de un gran arco en un manga, eso hace que algún que otro clímax se solape entre si o que el final tenga demasiados picos... pero eso es una representación de la gran cantidad de escenas de acción que tiene la película y el como siempre consigue ser entretenida y espectacular con secuencias de acción muy potentes merced a la coreografía de las batallas o al componente de velocidad que tienen algunas de ellas, pero lo mejor es que entre todas estas escenas -y en ocasiones a lo largo de ellas- se desarrollan a la perfección los personajes y sus relaciones, e incluso las escenas que parecen de relleno o para forjar el carácter de la protagonista nos aportan toneladas de información. Es una película en la que no hay escena que sobre, todo plano y todo diálogo están perfectamente argumentados en base a escenas anteriores o sirven para cimentar las futuras. Exceptuando algún momento puntual no demasiado grave y un par de escenas forzadas claramente diseñadas para los trailers, la película se siente sorprendentemente sólida en su guión y montaje.

Visualmente la película es muy vistosa. Lo que yo siempre llamare Tiphares es imponente, y el patio de los desperdicios está bastante bien. Alita y sus ojos funcionan muy bien. Rodríguez se maneja muy bien en estos menesteres y sabe manejar diseños muy plásticos, la gran cantidad de efectos hace que no se le pida realismo excesivo a estos y que de la sensación de estar viendo algo no completamente real pero si lo suficientemente real como para creértelo; Alita no se siente humana, pero tampoco uno la ubicaría en el valle inquietante, está en un lugar intermedio que permite que sea creíble e increíble al mismo tiempo, y eso también se traslada a la acción donde uno acepta sin problemas movimientos imposibles y criaturas con más armas de las que son prácticas o necesarias. Algún enemigo puede notarse demasiado que es digital y no funcionar tan bien como otros, pero en general visualmente es una película muy agradable de ver. 

Y si la parte digital está bien, los actores no desentonan y no dan la sensación de estar ahí solo para cobrar el cheque que sus prestigiosos nombres requieren. A Waltz le sobran tablas, y crea un gran Ido (aunque canta algo en algunas escenas de acción), y lo mismo pasa con Ali... solo tendría alguna pega con una Connelly, aunque aquí también creo que su personaje es posiblemente el más perjudicado por el montaje. En la música tendría que decir que no puedo decir mucho porque no la recuerdo para bien o para mal.

Toda una sorpresa, me ha gustado mucho más de lo que esperaba y, siendo una película sencillita, me parece terriblemente entretenida y recomendable.

Ese género de la ciencia-fantastica

La quinta estación

Ganadora de múltiples premios esta novela me ha sorprendido al manejar una trama que es casi más fácil de encuadrar en la fantasía que en la ciencia-ficción, teniendo la ligereza de algunos de los mejores exponentes del primer género pero no estando exenta tampoco de ciertas reflexiones. La saga se ambienta en un futuro muy remoto, con un planeta que se encuentra en sus últimos años habitables y donde los terremotos y las catástrofes se suceden convirtiendo el mundo periódicamente en un gigantesco cementerio que ve pasar una tras otra fugaces civilizaciones. Los elementos de tecnología se sienten más mágicos que otra cosa como sucede en el caso de los enigmáticos obeliscos gigantescos que llenan el terreno (ya ni hablar de la habilidad de la orogenia o de la raza de los comerocas) haciendo que esta novela este mucho más cerca de "Dune" que de "Neuromante".

El mundo construido por NK Jemisin se siente terriblemente trabajado a nivel de estructura social y geográfico, siendo muy sólidos todos los elementos de aparente fantasía que la autora ha creado. El mundo es visualmente muy evocador, proporcionando a la imaginación del lector algunos paisajes muy potentes.

La autora usa una narrativa atrayente, basada en el manejo de tres protagonistas (y aunque usa una trampa narrativa que creo que se nota pronto es justo también mencionar lo potente que es que uno de estos personajes casi se narre en una curiosa mezcla de primera y segunda persona); quizás el número de personajes protagonistas o relativamente importantes es un poco bajo aunque en ningún momento se queda corto, y quizás también la narración de la acción sea mejorable pero toda la parte emotiva de los personajes esta magníficamente narrada y funciona muy bien.

Aún siendo el primer volumen de una trilogía funciona bastante bien como una lectura individual, teniendo una clara estructura de inicio, desarrollo y desenlace a pesar de que varias tramas se quedan abiertas y apenas se esbozan detalles de otras. El estilo de Jemisin es muy ágil, y la trama es original y engancha, haciendo todo ello de esta obra una lectura muy recomendable.

Todo un guantazo al anime actual

Mobile Suit Zeta Gundam

Secuela de la -cancelada- serie original, Zeta Gundam puede ser facilmente la serie sobre la que verdaderamente se sustenta toda la franquicia Gundam ya que fue un éxito rotundo casi de inmediato y es un producto con una madurez y seriedad notables.

La trama se ubica unos pocos años después de la guerra del año (ver reseña del manga); las revueltas de los partidarios de los postulados más revolucionarios de Zeon y los Zabi siguen presentes, y la Tierra ha cedido el control a un grupo de mercenarios conocidos como los Titanes para que acabe con ellas. Tras robar un Gundam, Kamille -el protagonista de esta serie- acabará uniéndose a una facción rebelde "anti-Titanes", allí sus habilidades como Newtype comenzaran a manifestarse mientras el conflicto aumenta poco a poco su escala y se convierte en una nueva guerra. 

Ni el punto de partida ni el desarrollo son sumamente originales, es la clásica historia de un joven que poco a poco se va convirtiendo en hombre y ha de dejar atrás sus sueños e ilusiones infantiles ante los golpes -normalmente literales- que le da la vida. A base de hostias -normalmente literales- Kamille aprendera que no todo es tan sencillo y que los "adultos" no son especialmente malos, así como que el concepto de "malo" es muy ambiguo pues lo encontrará en muchos de los que le rodean y son sus aliados, así como también encontrara virtudes y bondades en sus enemigos. Evidentemente es una serie juvenil, con la que el peso protagonista cae en los jóvenes y la serie es algo tramposa en este sentido, con unos adultos que son influenciados por la frescura e inocencia de sus ideas; aquí seguramente estaría el punto más discutible de la serie pues aunque Kamille es un gran personaje muy bien desarrollado, no puede decirse lo mismo de Fah o de Katz, a los que el guión regala muchísimas oportunidades que normalmente no están justificadas. 

Dejando a un lado a Kamille, la serie tiene un buen planteamiento de la guerra, con ejemplos de totalitarismo militar, guerra de guerrillas, propaganda, la presencia de civiles en la guerra o las luchas de poder internas entre los distintos bandos. La serie no es un debate sobre el sinsentido de la guerra, pero ni mucho menos la ensalza y normalmente tiene un tratamiento bastante maduro y sobrio de ella, siendo un anime con una más que notable carga política y social. Aún con la obligación de meter en cada episodio una batallita y tener en pantalla constantemente el concepto de "Newtype", la serie no banaliza estas y las muertes son tan escasas y contundentes que verdaderamente transmite la sensación de que los soldados luchan a su pesar y que su única prioridad es sobrevivir mientras cumplen su misión.

Es justo recordar que es una serie de los 80, con las diferencias culturales y sociales que ello conlleva; el machismo habitual japonés está todavía más desatado con situaciones extrañas como Renoa y todo el harem de Scirocco o el rol maternal de Fah, y luego además hay un uso extremadamente alegre y liberal de la violencia como elemento pedagógico... pocos capítulos hay que no sean un festival de guantazos y tortazos donde no se libra ni el mismísimo villano principal de recibir "correctivos". 

En lo referente a batallas pondría como única pega que no soy muy fan de los mechas "transformables" y en esta serie abundan, aunque también es justo decir que eso dota a las batallas de un gran sentido de la distancia y aumenta el factor estratégico de los conflictos. Siendo una serie que se ve en la obligación de mostrar batallas continuamente, me parecen en su mayor parte bastante entretenidas y emocionantes (juega muy bien con el concepto de falsas derrotas, con batallas que únicamente tienen como objetivo ganar tiempo). A nivel de animación la serie se muestra sorprendentemente vistosa; es una serie con más de 30 años, pero su animación tradicional ha envejecido muy bien y es espectacular por momentos.

La presencia de Amuro es casi anecdótica, pero Char es un coprotagonista de la historia y hay varios personajes -y escenarios- que regresan de la serie original; creo que es una serie que puede verse sin haberse visto la serie original porque es una continuación de la guerra y no de los personajes, pero aún así el desconocimiento de la Gundam original supone una importante tara.

Poco más que decir, una serie entretenida y muy sólida, y siendo una de las series que ha escrito su nombre en mayúsculas en la historia del anime, es todo un clásico imprescindible.