¡Ponga una Senjougahara en su vida!

Bakemonogatari

Shinbou Akiyuki es una de esas personas a las que habría que hacer un monumento. La mente de este hombre no ha de ser normal, ha dirigido productos como "Negima?!" o "Hidamari Sketch" que no dejan de ser normales, pero en ocasiones ese estudio con tendencia al desdén más absoluto por las convicciones visuales que es SHAFT le da carta blanca. Y así nacen series como la gran "Maria + Holic", la surreal "Zetsubou-sensei" o la sencillamente inclasificable "Arakawa under the bridge". Extraña en su argumento y surreal en sus formas, esta "Bakemonogatari" es una de esas series que sólo son posibles en la animación japonesa.
¿De qué va esta serie? Es dificil definir esta serie, sería algo así como un harem sobrenatural y gore con tendencía a la parodia y a las reflexiones más sesudas y existencialistas. Araragi-kun es un muchacho que, tras un incidente con una vampiresa que nos es omitido, comenzará a cruzarse con fenómenos paranormales. Fantasmas, espíritus, demonios, posesiones... se cruzaran en la vida de varias chicas con las que él casualmente se cruzara en tal momento. Las chicas se corresponden con los estereotipos del género harem.... pero llevando los tópicos hasta el infinito y, una vez allí, se valé de los principios de la física cuántica para deformarlos con surrealistas conversaciones sobre temas intrascendentes. Asi Hanekawa es la chica tímida enamorada del prota, Kanbaru es la deportista hiperactiva, Sengoku es una suerte de loli convertida en femme fatal inocente, Hachikouji es la hermanita dolor de cabeza, y luego por último tenemos a la gran Senjougahara que es una tsundere brutal que llena la pantalla con su sola presencia y su lógica absurdamente indiscutible.
La serie avanza mediante el enfrentamiento con diversos tipos de problemas sobrenaturales -puramente japoneses- mientras el prota congenia con estas féminas. Decir que el noviazgo -surrealista pero precioso- con Senjougahara esta claro desde el principio y que el resto de las chicas suelen adoptar pronto un rol de amigas o compañeras en la lucha contra lo sobrenatural.
Es dificil explicar algo del argumento de esta serie porque es más rara que un perro verde, pero no es mucho más fácil explicar sus formas. Es SHAFT y sobra decir que la animación tiene un gran nivel y que la producción de la serie es, en todos los aspectos, formidable (destacar aquí que la serie dispone un opening completamente distintos para cada arco, parodiando cada uno de ellos el género en el que se encuadraría la chica protagonista). Pero SHAFT, más obviamente aún, significa que la serie visualmente va a ser una ida de olla considerable, y cuando la serie es "grande" hay que prepararse para lo que se va a ver.
Constantemente se alternan imágenes con simples rótulos, cuyas palabras pueden tener más o menos importancia con la trama, y por supuesto la velocidad de estos rótulos va desde planos constantes de varios segundos a auténticas ametralladoras. Sombras y figuras son un recurso que SHAFT hace mucho domina y que ahora siempre intenta exagerar con contrastes y todo tipo de juegos de colores. Las cámaras nos ofrecen ángulos imposibles y exagerados, zooms a velocidades imposibles y giros contranatura. La deformación de los caracteres es tan exagerada que y tiene un estilo tan propio que es imposible mencionarla, y se ofrece con tanta naturalidad que en ocasiones parece un recurso menor. Las parodias a otras series no sólo son constantes en el guión de la serie, si no que sus propias imágenes recrean escenas no ya de series si no de "fenómenos de internet".
Es esta una de esas series que se nutre de lo que es la sociedad de la información y lo usa para dar libre suelta a todas sus ideas visuales y narrativas. Una serie rara, pero un auténtico imprescindible de lo que es el anime como tal hoy en día.

La grandeza de los modestos

Working!

Poplar-chan tiene 17 años, es bajita, pechugona y condenadamente moe. Es el primer personaje de la serie en aparecer, y desde luego su diseño no era un presagio para este anime en los tiempos en los que nos encontramos. Pero pronto nos dimos cuenta de que su "moe" no era el reclamo habitual de una serie vacía, era un buen recurso de unos buenos guionistas; la serie no se apoyaba en él si no que lo usaba como elemento de parodia. Poplar es la primera en aparecer, pero luego llegan Takanashi y su pasión por todo lo "mono", Inami-chan y su agresiva androfobia, la manager Kyoko y su pasividad laboral, Yachiyo y su espada, el resignado y sufrido Satou, el maquiavélico Souma y finalmente la demencial Yamada. Todos ellos componen la peculidar fauna de un pequeño restaurante familiar.
Sin duda esta serie es uno de los sleepers del año en lo que a anime se refiere. "Working!" es una serie que llegó sin hacer ruído, alejada de la parafernalia de las series más grandes, privada también de la publicidad casi gratuita que consiguen todas las series extremadamente raras. Era una serie modesta. Y es una serie que ha conseguido hacerse un hueco en este competitivo mercado, que ha conseguido una notable popularidad y cuyos dvds han conseguido adelantar a la legión de series de echii desmesurado que pueblan el panorama de anime actual.
¿Cuales son los méritos de esta serie? Su guión. La serie nos narrá la vida en un pequeño restaurante en el que cada uno de sus trabajadores tiene una pequeña particularidad y donde todas ellas se unen para formar un hilarante conjunto. Si exceptuamos a Yamada -que entra en la segunda mitad de la serie-, ningún personaje es "excesivo", y es la unión de todos ellos la que conforma el gran personaje de la serie. Es un "slice of life" modesto, donde todo sucede con tranquilidad y naturalidad, pero donde las gotas se suman poco a poco y acaban derramando los vasos con escenas completamente surrealistas que no obstante parecen el desenlace lógico de los acontecimientos. No es una serie de grandes momentos, si no una que avanza poco a poco y donde los pequeños malentendidos y gags se van acumulando.
No tiene grandes virtudes a nivel visual y su estilo es muy clásico, pero es obvio que una serie de estas circunstancias no necesita grandes alardes y que la basta con no tener demasiados altibajos en la animación (y aquí la serie es impecable) y los recursos ya habítuales del género de la comedia. El casting de voces también es muy acertado y el score de la serie no destaca, no haciéndolo para bien pero tampoco para mal. A nivel de ritmo la serie tiene una buena planificación y consigue aprovechar bastante bien los 20 minutos de cada episodio como los 13 episodios del total de la temporada para desarrollar más o menos algo sus diversas tramas.
Serie que aparentemente no tiene nada y que encuentra en esta sencillez una de sus mejores virtudes. Una comedia ligera y sencilla, pero terriblemente simpática y divertida. Un anime muy disfrutable que recomiendo encarecidamente.

Lo mejor y lo peor de "La espada"

La espada de la verdad - Volumen 8 - El imperio invisible

Octavo libro de la serie "La espada de la verdad" (15º y 16º en España, gracias a nuestra "adorada" Timún mas). Es este otro de esos libros que creo que se nota que es mucho de transición hasta la saga final de la serie, pero afortunadamente esta comenzará en el siguiente libro y el bueno de Goodkind ya tiene que comenzar a preparar el terreno para la trilogía final. Así pues, este es un libro que alarga un poco más la guerra, presentando y desarrollando diversas situaciones y personajes más o menos importantes. Es un libro entretenido y ameno por el estilo del autor, la historia no es nada del otro mundo pero no es el peor libro de la serie; tampoco está al nivel de "La piedra de las lágrimas" o "La sangre de la virtud", pero los personajes tienen algunos grandes momentos y la novela por momentos nos recuerda lo mejor de la serie. Es un libro que, en cierta manera, creo que congrega lo mejor y lo peor de la saga.
Comenzaré por lo peor, pues el libro me ha gustado y no quiero que la sensación final tras la lectura de la reseña sea la contraria. Y lo peor de los libros, como de la serie en sí, es la terrible manipulación política de Terry Goodkind. Ya conocemos a este autor, y sabemos muy bien de que pie cojea... pero es que sus ideales estan destrozando los últimos libros de la serie. Un libro puede plantear ideas... pero ha de hacerlo con honradez, y Goodkind no lo hace, se dedica a ridiculizar otras corrientes ideológicas y a ensalzar las suyas como las buenas. Y no vale. No puedes enarbolar una bandera de las libertades, del valor de cada individuo... y después decir que si no piensan lo mismo que tu es porque estan siendo manipulados y son idiotas. Goodkind manipula mucho y, habiéndo acabado con los comunistas ahora pone en su punto de mira a los pacifistas... miedo me daba esta idea y lo que podía hacer nuestro buen escritor... pero al final acaba ridiculizando tanto a los pacifistas como idiotas que estan dispuestos a morir antes que a devolver un golpe que resulta imposible creerse lo que esta contando y todo es poco menos que paródico. Goodkind es demasiado trampoco y en este libro se nota como en pocos de sus libros, y creo que la consecuencia de ello es casi la contraria a la buscada por el autor.
Pero no todo es malo en este libro. Si obviamos la cansina manipulación del bueno de Terry, nos encontramos con un libro bastante entretenido. Lo bueno es que la historia es ágil y el libro tiene un buen ritmo (excepto en las escenas de superdiscursos liberales de Richard). Es un libro que se lee bien y que tiene varias líneas argumentales y que las desarrolla todas ellas más o menas bien. Pero es un libro que, sobre todo, me ha gustado porque salen muchos personajes. Despues de los primeros libros, coincidiendo con la decadencia de la serie, las cosas se habían limitado a Richard Khalan y algún que otro secundario, de vez en cuando salía bien y así conseguimos también a esa gran secundaria que es Nicci, pero se echaba de menos ese caos de personajes que eran los primeros libros. Aquí, como preparación para la trilogía final, casi todos los grandes personajes han vuelto y los vemos tomar posiciones previas al final de la serie. Y puede que Verna no haga nada, y que el papel e Nathan y Ann sea casi anecdótico, pero es bueno ver que aparecen en esta novela. Y es cuando aparecen muchos de estos secundarios cuando esta serie alcanza su mayor potencial, pues cuando Richard y Khalan estan presentes todo parece demasiado supeditado a ellos. Sólo por la escena del rescate de Zed, que además conlleva el regreso por fin de Rachel y Chase, este libro merecería la pena; es lo mejor escrito por Goodkind desde "La sangre de la virtud".
En resumen, es un buen libro, no es ni mucho menos el mejor de la serie, pero tampoco es el peor. Es otro libro de "alargamiento de saga" y funciona bastante bien. Eso si, hay que tomarse en broma al bueno de Goodkind, pues le da demasiado por largar de política e ideologias y el libro es esos momentos -que por desgracia no son pocos- cansino y poco menos que ridículo.

El mejor anime del 2010 (en circunstancias normales)

Durarara!!

"Durarara!!" era una serie que pintaba bien a principios de este año bajo la promesa de ser la secuela apócrifa de la portentosa "Baccano!", los mejores presagios se cumplieron y ante nosotros apareció una de esas series superlativas que este mundo de vez en cuando nos dan.
"Durarara!!" se basa en una nueva serie de novelas de Narita Ryohgo, autor de las novelas de la propia "Baccano!". Los 24 episodios de este anime adaptan las primeras 3 novelas de la serie, y esperemos que haya OVAs o una segunda temporada que nos acerquen a las 6 novelas que se han quedado en el tintero.
Las comparaciones con "Baccano!" son inevitables y ambas series tienen muchos elementos en común y un estilo muy particular. Los alquimistas y la América de los años 30 dan paso ahora al barrio de Tokyo de Ikebukuro y a las luchas de diversas bandas, pero en ambas series coexisten elementos sobrenaturales y la historia avanza al ritmo de decenas de personajes.
Esta serie es menos compleja que "Baccano!", que en una docena de episodios narraba diversas historias y saltaba hacia delante y hacia atrás en el tiempo con una facilidad pasmosa. "Durarara!!" tiene una narrativa más convencional, con tres arcos argumentales claramente marcados y una primera decena de episodios en la que cada episodio se enfoca desde la óptica de un personaje y nos presenta a este, hay alguna que otra virgeria en forma de episodios que renarran los acontecimientos de otros desde otra óptica o que presentan una estructura cíclica. Pero si bien narrativamente es una serie "que se contiene", argumentalmente es otra cosa, la serie esta plagada de giros de guión y de sorpresas con unos personajes que siempre tienen algo que hacer y revelar. Y a una historia bien planteada y desarrollada se unen unos personajes magníficos, esos locos maravillosos a los que Narita Ryohgo ya nos ha acostumbrado. Es espectacular la variedad de personajes "molones" que este japones pone en viza y como todos se complementan los unos a los otros, desde ese loco maquiavélico que es Izaya a esa bestia de la naturaleza que es Shizuo, pasando por Celty y Shinra y su particular y surreal romance, el siempre enigmático Simon o esa mosquita muerta que parece Anri en el principio y lo que resulta ser al final... ya ni hablar del grupo otaku y ese componente deliciosamente friki que aportan a la serie.
A nivel técnico la serie tiene un buen nivel. Particularmente me gustó mucho el diseño de personajes de una pequeña serie llamada "Yozakura Quartet", y aquí su diseñador de personajes me parece que realiza otro gran trabajo. A nivel sónoro tenemos un score con algunos cortes magníficos, aunque se me antoja algo repetitiva. Los openings y ending alcanzan tambien un gran nivel (particularmente me encantan los opening, que siguen la línea de su predecesora y presentan a todos los personajes e insertan fragmentos de episodios anteriores). La serie tiene también un buen casting de voces, con algunos actores de bastante renombre actualmente que disfrutan de sobremanera con los estrambóticos personajes a los que tienen que dar vida. Tecnicamente es una serie que raya a muy buen nivel; tiene algún que otro altibajo pero es comprensible en una serie de esta duración.
Dirección, montaje y ritmo son los aspectos con los que esta serie enamora. La serie tiene algún que otro bajón, pero el ritmo es alto y el montaje sencillamente prodigioso. Las tramas de los diversos personajes se mezclan con naturalidad y la trama siempre avanza. No es tan enrevesada como su predecesora, pero eso no la exime de ser una serie ágil y rompedora en formas, y quizás la hace más accesible y menos complicada.
En resumen, una serie que tiene todas las virtudes del anime pero ninguno de sus defectos, moderna en su contenido y su continente y un divertimento de primera. En definitiva, una pequeña maravilla que no es ya sólo absolutamente recomendable, si no un verdadero imprescindible.

Oryzias latipes

El Oryzias latipes es un miembro del género Oryzias, el único género de la familia Oryziinae. Son unos pequeños peces (2-4 cm de largo) originarios del sudeste asiático, muy comunes en las plantaciones de arroz. Son unos peces comunes en acuarios debido a su bonita coloración, que va desde el marrón-amarillo dorado al blanco pasando por naranjas y todo tipo de tonalidades. Este pez, también es conocido como Medaka...

Introducción extraña, pero creo que el "¿Qué demonios...?" que estas palabras pueden producir en los lectores de este blog ejemplifica a la perfección lo que yo he sentido mientras leía "Medaka Box". La serie ha alcanzado el capítulo 50 y, como es tradición en los shonnen que sigo de continuo, haré una pequeña reseña sobre lo que ha sido esta serie en estos 50 capítulos. Reseña peculiar, pues esta serie ya tiene muy poco que ver con la que comence a seguir hace un año. Medaka ha cambiado, ha evolucionado hacia algo surrealmente extraño.

Medaka Box - Capítulo 50

En sus inicios la serie era algo así como una versión shonnen de Haruhi, con una tía más pechugona, un dibujo marcadamente más angular y espectacular y una trama con más énfasis en las peleitas y el humor absurdo. Después Medaka y sus amiguetes pasaron de querer protagonizar una brigada SOS y afrontaron otras lides; el autor parece haberse olvidado de la trama más puramente estudiantil y del hecho de que teoricamente tendremos un grupo protagonista de cinco miembros y el quinto se ha quedado en el limbo. La serie parecía ir sobre las peripecias y tribulaciones de unos colegiales... pero ha saltado a otro nivel, y lo ha hecho sin molestarse en usar muchos escalones.
Es curioso como la serie pasó de tramas simples como la que sirvió para la incorporacion de Kakajima como tesorera a toda la trama del superplan de genios. 10 capítulos de introducción y después 40 -de momento- de una trama mucho más grande y también mucho más enfocada a los combates que hacia el humor. Supongo que no dejará de ser la línea impuesta por los editores de la Jump, pero no deja de ser sorprendente la brusquedad del cambio. La serie es absurdamente exagerada en sus tramas y en los personajes que presenta, y es lo surreal y paródico de sus combates, habilidades y motivaciones lo que sostiene una serie que ahora mismo se parece bastante poco a lo que fue en un principio. Así son exageradas las anormalidades de los anormales a los que se enfrentan, es paródico el superentrenamiento con el hermano de Medaka (personaje que en si mismo parodia muchos tópicos... algo extendible en verdad a toda la familia Kurokami y su ridículo culebrón de serie B), son surreales los giros de guión y sencillamente ridícula la rimbombante profundidad de la serie a estas alturas.
El dibujo, si bien se echa en falta un poco más de variedad en los rostros, es espectacular, y el autor consigue unos trazos limpios y unos planos bastante variados. El montaje y el ritmo de la serie son bastante buenos, y aún a pesar de encontrarnos en una saga muy larga se nos introducen multitud de subtramas y no he tenido la sensación de que la serie se atrancara mucho. No obstante, es imposible no sentir que estamos leyendo una serie atropellada, a cuyo autor han obligado a meter muchos cambios.
¿Recomendable? No. Es una serie muy rara, una serie que es tan "jump" que es parodia de lo que son las series de esta revista. Es una serie con un desarrollo muy brusco y sorprendente, tal es así que ahora mismo no se como va a continuar la serie pues tras una trama como la que estamos viendo cualquier cosa parecería después extrañamente insignificante (aunque las encuestas apuntan a que, a pesar de las inyecciones de "shonnen" que la serie se ha metido, será una de las próximas cancelaciones de la revista).

Y la burbuja explotó

One Piece 589 - La búsqueda de la gloria

No puedo evitar comenzar esta reseña sin mencionar la portada que se ha marcado Oda con ese logotipo la Marina "aMcDonalizado" y con ese par de féminas masoquistas que son Sadie-chuan y Domino-chuan (Sadismo y Dominacion, me gustaría ver la reacción de la señora Oda ante algunas de las salidas fetichistas y pervertidas de su señor esposo). Me encantan los diseños de estos dos personajes, en especial Domino, pero lo cierto es que Oda ha mejorado mucho en este aspecto y sólo hay que ver la Makino inicial con la que vemos en este flashback, no obstante es divertido ver como a un lado tenemos 90-60-90* y otro a... Dadan, Kokoro y cía (cuyas medidas no quiero siquiera plantearme).
Dejando a un lado las divertidas perversiones de nuestro buen mangaka, nos encontramos ante el capítulo que cierra el flashback de Luffy-Ace-Sabo. El capítulo ha sido como el flashback, extraño. No nos hemos encontrado con un gran argumento ni una subtrama con inicio, desarrollo y final, ha sido una saga extraña carente de un verdadero clímax. Una saga que pensaba que Oda iba a utilizar para hacer a Luffy superar la perdida de su hermano, pero que el mangaka ha aprovechado para profundizar más en la relación entre los hermanos y hacer aún más terrible la muerte del hermano mayor. Una saga extraña que refuerza el personaje que es Luffy, el que fue Ace y el que quizás todavía sea Sabo. Una saga extraña que rompe brutalmente con el ritmo desenfadado de lo que fue Marinford y cimenta la historia mostrándonos la relación de Luffy y Ace a lo largo de 10 años llenos de hermosos recuerdos y sueños de libertad.
El capítulo comienza con la muerte de Sabo. La muerte de Sabo es un cachondeo y uno no sabe si esta vivo, si esta muerto o incluso si surrealisticamente pudiera llegar a ser que Sabo fuera Zoro. Me ha chocado ver a Dragón en este capítulo, y parece que verdaderamente el tercer hermano podría ser ahora mismo un revolucionario... pero no tengo ganas de hacer cábalas inútiles, si Oda decide recuperar a Sabo dentro de 200 capítulos lo aceptaré y me gustará, si no... pues no me importara demasiado ya que creo que el peso de este personaje en la serie se debe más a lo que es para otros que a lo que él verdaderamente no ha transmitido en estos pocos capítulos. Si nos ponemos a divagar podemos incluso pensar que el padre de Kuina fuera un revolucionario y que la caida de esta no fue tal si no que embarcó con Dragon y lo que Zoro vio fue una figura de cera (recordemos que Mr.3 es el hombre que aparece donde Oda lo necesita)... puestos a divagar, hagamoslo con estilo y pensemos en un Luffy & Zoro vs Sabo & Kuina, algo que sería tan... tan... indescriptible que no quiero ni seguir hablando de ello.
Como decía, Sabo da más de lo que muestra, y aquí terminamos de ver la escena de la promesa de Ace no morir y el juramento de los dos hermanos de vivir libres sin arrepentirse de nada. Escena hermosa y emotiva como pocas. Luffy y Ace confirmando sus sueños y sus deseos de libertad y rebeldía enlazan con una serie de escenas en las que les vemos crecer y disfrutar de su infancia y sus buenos años, y Oda tiene un talento especial para mostrar estas transiciones con todas esas viñetas que ya individualmente son historias, esos castillos que Ace y Luffy construyen y en los que viven durante años, esas peleas con ese Garp que siempre llena sus viñetas, esas batallas con un oso, esas rencillas entre hermanos que se transforman en luchas unidos contra enemigos comunes, ese Gomu-gomu no pistol que vemos crecer, esa extraña familia que conforman con Dadan y el resto de los bandidos, ese divertimento que son para la cada vez más adorable Makino y el resto de los habitantes del pueblo y, sobre y ante todo, esas sonrisas radiantes que tanto hemos visto en este flashback. Luffy y Ace son felices, viven la vida en tranquilidad y libertad. Ambos viven bajo el ideal de lo que ser el rey de los piratas será algo relativamente sencillo, de que será la forma de revelarse contra el mundo, de que así pondran emular a Shanks -en el caso de Luffy- y sobreponerse a la figura de su padre -en el caso de Ace-, de que podrán mirar a la cara a ese fantasma de Sabo que aún ven. Aún creen que podran vencerlo todo con la fuerza de sus puños y con su mera voluntad, creen que con mera fuerza lo podrán conservar todo, creen que podrán proteger sus tesoros. Son niños y ni la muerte de Sabo les ha hecho comprender al más terrible al más terrible de todos los enemigos: el tiempo. La infancia que se fue y no volverá, las oportunidades perdidas y el tormento de la culpa por lo que no podrá deshacerse. Creo que este es el verdadero sentido de este flashback: la pérdida de la más pura y genuina inocencia, la perdida de la niñez.
El final es absolutamente desgarrador y terrible. Luffy siempre ha sido un personaje alegre que confiaba en su propia fuerza y se consideraba fuerte, capaz de superar cualquier obstaculo. Ha chocado de frente contra un muro que no ha podido superar, ha chocado con el mundo de verdad. Aokiji y Kizaru le habían dado dos grandes advertencias y Akainu le ha dado el golpe final. Ahora comprendemos el verdadero significado del flashback, los sueños y las creencias de Luffy han explotado. Oda nos había conmocionado con toda la guerra de Marinford y la muerte de Ace, y después de ello ha frenado el ritmo de la serie para hacérnoslo ver en frío, para comprobar el verdadero dolor que Luffy estaba sufriendo. El sueño de niñez de ser piratas libres ha terminado. Luffy y Ace creían que si conseguían ser lo suficientemente fuertes conseguirían que la tragedia de Sabo no se repitiera, ahora ambos saben que en el fondo siempre serán débiles y que no podrán preservar por siempre sus tesoros. La infancia de nuestro protagonista ha acabado de la forma más cruel posible. Ahora Luffy tiene que crecer.

*111 pecho, 61 cintura y 91 de caderas en el caso de Boa Hancock**
** no he podido resistirme.

Un HOMBRE no necesita nombre

En dos de las cuatro películas que analizaré a continuación el protagonista no tiene un verdadero nombre, simplemente se refieren a él como "el Rubio" o "el Predicador". En las otras dos son dos nombres con tanta historia como Harry Callahan o William Munny, en verdad tampoco lo necesitan, la mera presencia de CLint Eastwood basta para llenar por completo la pantalla. Eastwood no necesita nombres, pareciendo un actor de limitados recursos domina por completo todas las escenas con una mirada demoledora y presencia imponente. A continuación mi reseña de cuatro películas que, independientemente de su calidad, conforman un buen retrato de uno de los perfiles cinematógraficos más importantes de los últimos 50 años.

El bueno, el feo y el malo

Cierre de la trilogía del dólar y obra cumbre del spagetti-western de Sergio Leone. Un Clint Eastwood más duro que las piedras, con un poncho y un cigarro perpétuo, Lee Van Cleef y Eli Wallach como compañeros de reparto, la mítica música de Morricone, un salvaje oeste sucio y amoral repleto de bandidos y asesinos de todo tipo, una desmitificación de los cowboys, diálogos cortos y secos, humor negro, secuencias largas y tensión constante... todos sabemos a la perfección lo que estas películas son.
Para mi gusto esta es la más redonda de todas, perfilando una historia bastante decente con tres personajes que desarrolla a la perfección. Es también una película ya gestada consciente del éxito que tendría, Leone tiene muchos recursos y puede introducir incluso la guerra civil americana como un elemento importante dentro del desarrollo de la serie. Creo, no obstante, que a Leone se había empachado demasiado de éxito y que hizo una película demasiado larga, dos horas y media me parecen poco justificables a pesar de que verdaderamente ninguna escena o subtrama desmerezca el resultado final (pero por ejemplo la parte final del puente se me hace algo pesada).
Mención especial para ese antológico final con el duelo a tres bandas. Una escena eterna donde la tensión crece y crece hasta niveles insospechados con las miradas de los tres actores y la gran música de Ennio Morricone. Sencillamente increible.

Harry el sucio

El papel -con nombre- de Clint Eastwood. Harry Callahan es un policia extremadamente duro y severo en la ciudad más libre del mundo: San Francisco. No es una gran película, pero presenta a un personaje muy carismático que con el rostro de Eastwood pasa a ser legendario.
Harry no es racista, odia a todo el mundo por igual. Y Harry es duro, pero justo. No dice nada cuando los civiles le dan una paliza si cree que hacen lo correcto, pero no duda en callarse cuando la policia suelta a un criminal. Harry es un defensor de los débiles y un castigador de los malvados, tal así que Scorpio no duda en autolesionarse para acustar a Harry... y la respuesta de Harry es deliciosa "si lo hubiera hecho yo no hubiera quedado tan bien".
"Harry el sucio" no deja de ser una película normal de policias y asesinos pero presentando, en lugar de un villano impresionante que los buenos intentan encontrar, un juez implacable y frío del que los malos tratan de escapar. Clint Eastwood da forma perfecta al hombre que todos en algún momento hemos querido ser, un tipo que con su magnun 44 nos alegra los días.

El jinete pálido

Un pueblo de mineros es oprimido por un malvado cacique local que cuenta con el beneplácito de las corrompidas autoridades. El argumento de esta película parece sacada de un episodio de "El equipo A", pero desde luego Clint Eastwood no es Steven Seagal y esto no es "En tierra peligrosa 43". Una sóla línea del guión basta para cambiarlo todo:

"Y contemplé un caballo pálido; y el nombre de su jinete era La Muerte. Y el infierno le seguía"

"El predicador" es una figura impresionante, un espectro vengador que parece surgido del mismo infierno respondiendo a las oraciones de una niña. Eatwood disfruta con otro de sus papeles sin nombre, un personaje que oscila entre lo más terrenal y lo divino, siempre como una presencia ambigua y misteriosa. Es una película con una carga de mística bastante importante y en la que además vemos a unos secundarios que el guión trabaja bien y no siempre en la dirección más agradable. No es, esta claro, la mejor película del director, pero tampoco es desde luego una película de las que ponen en la tele cualquier día en la sobremesa.

Sin perdón

Y ante esta obra maestra cualquier calificativo se queda corto. Cada una de las líneas de guión de este sucio y desmitificador western crepuscular borda la perfección. Resulta curioso que Eastwood dedicara a sus maestros Leone y Siegel una película como esta, mucho más cercana a lo que sería el estilo de John Ford.
"Sin perdón" nos muestra a un forajido legendario, William Munny, del cual escuchamos que es autor de proezas increibles... pero también masacres inmundas. Un hombre castigado por su pasado, por unos crímenes que cometía borrado. Un hombre que ha dejado atrás esa vida pero que ahora tiene que retomar porque no tiene dinero, y en compañía de un buen amigo interpretado por Morgan Freeman (haciendo su papel de toda la vida tan bien como sólo él sabe) y por un novato que pronto descubrirá lo terrible que es matar, partiran para matar a dos muertos de hambre que han rajado a una puta y que viven bajo la protección de un sheriff que no es mucho mejor que ellos y que le valió un más que merecido oscar a Gene Hackman.
Grande, muy grande esta película y todas sus reflexiones sobre la vida, la moral, la valentía y la vejez. Diálogos impagables como el de lo dificil que es matar a un hombre y lo que le quitas, escenas estremecedoras como el asesinato en el cañón y planos tan simbólicos como el que abre y cierra la película.
Quizás -"Mystic River" estaría ahí, ahí- la mejor película de este grandioso director, el último de corte condenadamente clásico en el Hollywood actual.

¡Oh, sí, tú y yo lo sabíamos!

Ichiban Ushiro no Daimaou

Citó al inmortal Joaquín Luqui para resaltar lo que todos sabíamos antes de ver este anime: iba a ser basura. Y sí, es basura. Pero al menos es una basura tan consciente de serlo que resulta -con matices, claro- entretenida.
La serie es la adaptación de una serie shonnen-harem que supongo que sera un manga normalillo y entretenido, tendra su argumento y desarrollará su historia y sus personajes... al anime... pues lo adapta más o menos como puede, con ligereza y sin aspirar a revolucionar nada. El problema de estas adaptaciones es que normalmente potencian todos los defectos de una serie y minimizan bastante sus virtudes. Es lo que pasa con esta serie.
Basicamente la cosa va de un tio que se mete en un colegio de magos para mejorar sus habilidades. El tio tiene la muy noble intención de mejorar el mundo, lo que pasa es que según el adivino de la escuela parece predestinado a ser un "señor de los demonios", lo cual le dará bastantes problemas. Hay uno podría pensar que la serie metería alguna trama cutre de hostias con un villano cutre y rellenaría el resto con echii o harem... podría pensarlo y acertaría.... pero la gracia de la serie es que es absurdamente exagerada. El tio es hipertocho, ridiculamente poderoso, domina la técnica del grito motivador de los shonnen como pocos. Y las chicas se enamoran ridiculamente de él, la tsundere es muy tsun-tsun y al instante muy dere-dere, las malas tienen la convicción de que acostarse con el prota es la forma de controlarlo... y no dudan en soltar más exagerada risa de mala. Pero el anime es tan ridiculamente exagerado que es imposible tomárselo en serio, el protagonista puede estar en un episodio cargándose a un gigante a puñetazo limpio y al siguiente irse con todo su harem a la playa, podemos estar en un episodio de entrevista matrimonial y cortar para acabar con los malos... que no son otros que los propios dioses, y el prota no duda en irse para allá y liarse a mamporros a quien sea (si alguna vez hay una segunda temporada el tio hara un big-bang).
Tecnicamente es normalita. No tiene muchos bajones, pero tampoco ni un sólo momento que digas "¡guau!". Lo único que destacaría de la serie es que usa una serie de colores bastante vivos y que tiene un opening que me mola.
¿En mi recomendación final diría que es recomendable? Más bien diría que no. Es un anime que puede entretener algo (sobre todo por los momentos de cierta androide peliverde), pero decir que es bastante malillo sólo sería correcto si entendemos que "bastante = muy." Animes como este hay muchos ya, y una buena parte de estos son mejores que este.

For your consideration

B Gata H Kei

Frase típica de los oscar con la que los estudios "sugieren" los oscar a los que creen que optan sus películas y que ahora utilizó para presentar a la gran Yamada de "B Gata H Kei". Yamada golpea con fuerza y alcanza a mitos como Osaka, Onizuka o su prima hermana Kanako en la dura competencia por el premio al idiota de la década. Porque... ¿quien me iba a decir a mi que acabaría viendo este anime de una adolescente cuyo sueño es tirarse a 100 tios y que me gustaría mucho? Pero así ha sido.
Hablando claro, la serie parece ir en un principio de lo que no es otra cosa que "lo que se dice, un putón" (otra cosa sería hablar de lo justo o no que es que la sociedad coloque esta etiqueta a las chicas mientras los chicos son "machotes"). Pero "B Gata" es una serie irónicamente deliciosa si pensamos que no dejaría de estar protagonizada por el clásico tio que quiere tirarse a todo lo que tiene un agujero entre las piernas pero que poco a poco se va enamorando... todo igual hasta que cambiamos el género de los dos protagonistas. Así pues, esta serie presenta el rol del lobo y la oveja invertidos. Y funciona a la perfección como comedia romántica, presentando una historia que avanza muchísimo más de a lo que normalmente estamos acostumbrados; Yamada y Kosuda constituyen una buena pareja y demuestran una química sorprendente. Pero naturalmente el gran motor de la serie es el humor. Un humor muy basado en el echii pero también bastante inocentón, una serie que no trata de provocar si no que utiliza la extremada perversión de su protagonista para propiciar montones de situaciones cómicas y malentendidos. La perversión de Yamada sólo es superada por su desmesurada estupidez, y esta cabra loca andante en celo intentara tirarse a su novio de mil y una maneras... un novio que además es algo lentito y que sencillamente no puede siquiera imaginar en un principio que su novieta tenga un sueño tan romántico como dejarse todos sus ahorros en condones. Los intentos de Yamada por tener sexo darán lugar a malentendidos, y las pocas veces que no lo intente... apareceran otros malentendidos. Yamada es la gran estrella de la serie, pero su estupidez superlativa además esta apoyada por otro buen grupo de idiotas, desde su lentillo novio hasta ese par de hermanos "con destellos" no menos idiotas y pervertidos, pasando por la pobre amiga a la que no deja de pedir consejos ridículos o la pobre amiga-pechugona-gafas-cocinera-torpona-dulce del prota.
A pesar de lo que su argumento pueda sugerir en un principio, "B Gata H Kei" no es una comedia "sucia", resulta bastante inocente hasta cierto punto y presenta una historia romántica bastante bonita y que además se adentra en unos derroteros en los que el anime no suele meterse (recordemos que a excepción de unas normalmente deleznables excepciones, los animes japoneses parecen dan a entender que caminar cogidos de las manos es la forma de consumar un matrimonio). Con una animación más que correcta, unos buenos recursos visuales y un ritmo muy alto, las peripecias de la alocada Yamada son uno de los animes más disfrutables de lo que va de año.

Jerry Bruckheimer´s quality seal

Jerry Bruckheimer: Y BIEN ¿QUÉ TE HA PARECIDO EL GUIÓN?
Mike Newell (pensando): (este tio tiene que estar de coña, no puede estar llamando a esta mierda guión).
JB: EJEM, EJEM
MN: (¡Dioses! Va en serio). Bueno, creo que tiene potencial pero necesita unos retoques (algo así como un millón, o quemarlo directamente).
JB: YA VEO, ¿CÓMO CUALES? TU OPINIÓN ES IMPORTANTE, ESTAMOS CREANDO UNA PELÍCULA, AUNQUE PUDIERA HUNDIRTE POR COMPLETO NO QUIERO QUE PIENSES EN MI COMO EN UN DICTADOR. EL FEEDBACK ES IMPORTANTE. AQUI TODOS REMAMOS EN LA MISMA DIRECCIÓN: EL DINE... LAS BUENAS PELÍCULAS. POR CIERTO, ME PUEDES PASAR ESE RASCADOR DE MÁRFIL. GRACIAS.
MN: El papel del protagonista... no es un personaje bien definido (típico graciosete con buen corazón más visto ya que nada)
JB: ES UN HÉROE TRÁGICO AL QUE EL DESTINO ARREBATA LO QUE MÁS QUIERE Y QUE HA DE ENFRENTARSE A TODOS.
MN: (Sí, puro Shakespeare).
JB: ADEMAS NO SABE COMO RESOLVER SUS CONFLICTOS Y, SIENDO BUENO Y CON MUCHA CONCIENCIA, RECURRE A LA IRONÍA Y LA MORDACIDAD. CARISMA EN ESTADO PURO. CONTRATAREMOS UN JOVEN ACTOR, NO MUY ESTRELLA GUAPILLO. UN MES EN EL GIMNASIO Y FUNCIONARA.
MN: Y la chica, el guión no deja claros sus sentimientos y debería perfilarse más (no hay ni por donde cogerla, ninguna actriz del mundo aceptaria ser tal florero).
JB: ES UNA ADELANTADA A SU TIEMPO. UNA CHICA MODERNA EN UN MUNDO DE HOMBRES, NO QUIERE SER UNA MERA CONCUBINA PERO TAMPOCO QUIERE RENUNCIAR A SU YO COMO MUJER. CONTRATAREMOS A ALGÚN JOVÉN TALENTO. SERÁ UNA DELICIA PARA EL DIRECTOR.
MN: (Uy, sí, vamos, el sueño de cualquier director, la clásica tía buena que lo más que sabe de actuar es caminar por la pasarela de Victoria Secret). ¿Y estos secundarios?
JB: SON PERSONAJES QUE FUNCIONAN. UN GUERRERO SILENCIOSO ANCLADO EN EL HONOR. UN MECENAS LOCUAZ DE BUEN CORAZON... CONTRATAREMOS A ALGÚN SECUNDARIO DE RENOMBRE. UNOS HERMANOS UNIDOS Y SEPARADOS AL MISMO TIEMPO POR EL PESO DE LA CORONA Y EL AMOR DE UN PADRE SEVERO.
MN: (Una mierda pinchada en un palo, eso es lo que son; el negro honorable, el secundario cómico de buen corazón que no hace gracia, los hermanos que no le aceptan pero en el fondo sí... Dioses creo que voy a vomitar) ¿Y el villano? Creo que el guión no refleja correctamente sus motivaciones (verdaderamente no quería añadir la palabra "correctamente" en la frase anterior)
JB: ALGUIEN QUE HA ESTADO DEMASIADO TIEMPO A LA SOMBRA. SE PODRÍA REFLEJAR A LA PERFECCIÓN LA CORRUPCIÓN DE LA HUMANIDAD A TRAVÉS DE ÉL. FICHAREMOS A UN GRAN ACTOR DE RENOMBRE EN HORAS BAJ..., A UN GRAN ACTOR QUE DARÁ PRESENCIA AL VILLANO... QUIZÁS NICOLAS CAGE.
MN: (Tiene que haber una cámara oculta por aquí por algún lado, este tio no puede ir en serio). No sé, aún encuentro algunos problemas de coherencia... (las cosas no tienen sentido, no entiendo porque unos personajes hacen una cosa y al acto seguido hacen otras), y creo que algunas escenas también deberían pulirse (¡Todas! Nada tiene sentido, y por Dios, que alguién prohiba volver a escribir al que escribió los grandes discursos de democracia, igualdad y derechos humanos en la Persia de esta época... ya ni hablar del que escribió los chistes. Puta Disney, desde luego se nota cuando mete mano de mala manera en un guión).
JB: LA GENTE LO ENTENDERÁ. SE BASA EN UN VIDEOJUEGO CON MUCHA HISTORIA Y LA GENTE LO ENTENDERÁ.
MN: (sí, vamos, todo el mundo habrá jugado a los juegos, y estos seguro que tienen una historia brutal... bueno, más que la de una atracción de Disneylandia tiene que tener eso es cierto).
JB: ES MÁS, CON ESA BASE... PODEMOS SIMPLIFICAR LA TRAMA PARA METER MÁS ESCENAS DE ACCIÓN O DE COMEDIA, Y LAS CHICAS DE AQUELLA ÉPOCA ERAN MUY EXÓTICAS... CONCUBINAS, BAILES DEL OMBLIGO, SÍ, LO VEO. FUNCIONARÁ.
MN: (Acojonante, el guión no hay ni por donde cogerlo y habla de quitar escenas de desarrollo de personajes para meter peleitas y explosiones.... porque la Persia de aquella época tiene que estar llena de barriles de óleo y paredes débiles en la cabeza de este hombre). No sé, no me veo como el director adecuado para un proyecto de esta magnitud. Creo que me superaría. No sé dirigir escenas de acción, seguramente acabaría metiendo planos y encuadres normalitos y cutres, y rodando escenas carentes de emoción... ridículos incluso.
JB: HICISTE UN BUEN TRABAJO EN LA CUARTA DE POTTER.
MN: (Era una basura de proporciones bíblicas, pero comparado con esto es una maravilla... joder no estoy pensando en hacer una película de Oscar, pero no quiero aspirar a un Picard)
JB: CREO QUE EL PROYECTO TIENE POSIBILIDADES. ACCIÓN, ROMANCE, COMEDIA... EN UN AMBIENTE ROMÁNTICO, MÁGICO Y SUGERENTE COMO EL DE LA ANTIGUA PERSIA. PIENSA EN LOS VIDEOJ... LA FOTOGRAFIA. PIENSA EN EL CONTRATO CON PIZZA HU... LAS POSIBILIDADES DE CONFLICTOS EXISTENCIALES POR MOTIVOS ESOTÉRICOS. SINCERAMENTE, CREO QUE DE AQUÍ PODRÍA SALIR UNA GRAN FRANQUICIA.
MN: (como si alguién no fuera a salir escarmentado de esta basura infecta y fuera a ver las posibles continuaciones) No termino de verlo.

JB: UNA PALABRA: MARKETING

Nadie sube escaleras como Tenjou Utena

Nadie recibe como Himemiya Anthy.

Nadie retrata mejor a los Duelistas que Ridley Scott.

Nadie revoluciona el mundo como James Watt

Nadie se vio más veces Evangelion que Ikuhara Kunihiko.

Muchos títulos podía haber puesto a esta entrada, pero finalmente me he decantado por homenajear la escena que seguramente sea más recordada de esta serie. Esta, una serie, que se encuentra sin duda entre las más complicadas que he tenido que reseñar en estos años.

Utena, la chica revolucionaria

Utena es lo que podríamos llamar una de esas series "clásicas" que, aún habiendo pasado más de una década desde su producción sigue rondando los ambientes otakus. Este año ya había saldado mi cuenta pendiente con la isla maldita de Lodoss, y ahora me libro también de una de mis asignaturas pendientes.

¿De qué va "Utena"? Pues lo cierto es que he terminado de verla y no lo sé todavía muy bien. Es una historia extraña, muy extraña. La cosa va de una joven que va a la escuela con ropa de chico y que es muy rebelde, y en esa escuela se celebran duelos a espada en un bosque interdimensional para determinar quien revoluciona el mundo (insertar aquí la expresión de asombro favorita del lector), Utena se mete en este tinglado porque años atrás se encontró con un príncipe que le dio un anillo que la vinculaba a este torneo de esgrima cutre, y con ello acaba ganando a una autista de Gainax (Nadia con la personalidad de Rei). Es un resumén paródico, pero es que no hay valor a intentar explicar de que va esta serie. Es esta una serie extraña, una serie que parece en un principio una especie de shojo harem con elementos de cuendo de hadas y de comedia, pero que se revela como una perversión de todos ellos, una pesadilla oscurda, muy oscurda. Utena va de los sueños, del olvido de estos, de la manipulación, de la perdida de la inocencia, de las tentaciones y los pecados, de la decadencia de los adultos ante la inocencia de la niñez, de la fugacidad y debilidad de la amistad, de lo falso del amor, de los seres humanos dominados por el egoismo. Es una serie oscurda, donde en el ambito colegial con una protagonista pelirosa vemos como se suceden detrás de otros malos tratos y desprecio, como el amor se manifiesta como deseo de posesión, como las nobles ideas altruistas siempre quedan atrás ante los impulsos más egoistas. Temas como el incesto, la pedofilia, la homosexualidad, los matrimonios de conveniencia, los celos, las violaciones, la muerte misma... todo ello está al servicio de los alumnos de la academia Ohtori y sus degeneradas adolescencias. La rosa, símbolo de hermosura y pureza, es también la tapadera bajo la que todos se excusan.

Es una serie extraña plagada de personajes martirizados que sólo ven en el maltrato a los otros la forma de superar sus traumas. Así la hermana de Miki reprime sus deseos de posesión de su hermano saliendo con todos los que pilla por en medio porque sabe que castiga a su hermano. El enamorado de Jury sale con el amor idílico de esta para castigarla. La propia Utena renuncia a todos sus sueños de ser príncipe cuando siente que puede ser princesa, a pesar de que sabe que este está prometido; Anthy mismo no duda en torturarlos a todos con la relación con su hermano. Es una serie donde todos se regodean en su propia oscuridad y donde sólo la luz de Utena los puede iluminar. Luz que la oscuridad teme y sobre la que se cierne la trama más tenebrosa de todas. Es una serie muy rara y muy dificil de comentar, plagada de mil detalles y un millón de simbolismos. Oscura y enrevesada, plagada de dobles y triples sentidos.

Pero no todo es bueno en esta serie, es una serie complicada de ver y no sólo por su contenido si no por su contenedor. Utena es una serie que se empacha de si misma y disfruta con ello. Es una serie que trata temas muy oscuros, pero que disfruta haciéndolo y repitiéndolo hasta la saciedad, y eso no me mola. Los jaleos de Anthy puedo soportarlos porque es un personaje inquietante hasta el extremo y además me encanta su diseño con el pelo suelto, pero cuando Akio y el resto de los personajes se sueltan la chaqueta y comienza el rollo mega-hiper-yaoi... lo siento, pero no, por eso ya no paso. Yo tengo límites y no me mola nada ver ni yaoí con su estética hiperestilizada ni incesos con sindromes de hermano o hermana; y para mi desgracia en esta serie hay de estos dos puntos para aburrir. Esto, no obstante, no dejaría de ser algo inherente al propio argumento de la serie, pero por desgracia tenemos otros puntos que no podemos dejar de obviar.

El primero y más grave es lo extremadamente repetitiva que es la serie. Es repetitiva en formato, que siempre consiste en un drama y luego un duelo cutre. Este esquema de episodio se repite durante la mayor parte de la serie (algo que alcanza su cénit en la bastante hueca saga de la Rosa Negra) y sólo en la recta final lo abandonamos. Hay tramas que funcionan mejor y otras que lo hacen peor, pero el esquema es muy limitado, y además salvo contadas ocasiones en el caso de los combates no se salva ninguno y son poco menos que ridículos. De esta tendencía a repetir argumentos se contagia la serie tecnicamente, que repite hasta la saciedad escenas. La escena de Utena subiendo escaleras la vemos durante 25 episodios sin excepción, y luego la cambiamos por una en un ascensor más una de un coche... aproximadamente de los 20 minutos que dura un episodio podemos decir sin temor a equivocarnos que 5 minutos son un reciclaje brutal y sin disimulo de escenas enteras.

Pero esto enlaza con el otro punto de la serie, su brutal simbolismo. Se reutilizan escenas... pero se cambia la música en esta y se deja que esta sea la que tenga el completo peso narrativo. Algo casi suicida a lo que sólo sobrevive la serie porque su banda sonora es increiblemente buena. Pero la música no esta siempre presente y no lo puede salvar todo, y hay demasiado simbolismo con las rosas y el fin del mundo, y en la mayoria de las ocasiones es demasiado rebuscado y exagerado. Las sombras, el teatro de sombras chinescas... son buenos recursos, pero la serie abusa de ellos hasta lo insospechado y luego además establece demasiados simbolismos rebuscados e innecesarios.

Mi valoración final de la serie es compleja. Es una serie con una cantidad de lecturas increibles, pero no sólo es díficil de ver por su oscuridad y densidad si no por lo mucho que esta serie disfruta de perderse en si misma.

De esto va One Piece

One Piece 588 - El océano de Sabo

Ya está aquí, ya llegó... ¡La muerte de Sabo! Decir que anunciada es poco. pero por fin Sabo ha recibido la visita de la parca. Capítulo extraño, pero muy triste e intenso, que parece poner casi el punto y final a este extraño flashback. Es esta una saga rara, pues con Franky, Nami, Robin, Chooper e incluso Brook habíamos visto el principio de un drama que sólo acabaría con la ayuda de Luffy y cía, aquí estamos viendo una saga mucho más "literaria" -por decirlo de alguna forma- que refuerza las bases de lo que es la piratería más pura y bohemia de la serie. En palabras de Dadan, el enemigo de Ace no es otro que el mundo entero, y para poder vengar la muerte de Sabo Ace tendría que ser tan grande como su padre.
Sabo ha muerto. Al menos de momento, que con Oda nunca se sabe y puede que haya sobrevivido de alguna forma y dentro de 200 capítulos se nos descubra que sobrevivió y se cambió el nombre a Vegapunk o alguna de esas locuras tan propias de nuestro buen -y ultimamente algo vago, dicho sea de paso- Oda. Es una muerte extrañamente dura dentro del universo de esta serie. Sabo ha resultado ser un soñador, un niño que era un niño y veía todo el mundo podrido que tenía a su alrededor y quería escapar de él. La decadencia de la tierra y el mar de esperanzas y libertad que siempre ha supuesto el océano en esta serie quedan perfectamente ejemplificados. Sabo huye de su pasado y de la vida de ataduras que se le propone, huye de lo que el mundo (sus padres como una personificación del orden del Gobierno Mundial) quien que sea para ser lo que él mismo quiere ser: libre. Sabo no entiende los grilletes con los que el mundo quiere atarle, no entiende porque tiene que estudiar por unos padres que son unos extraños y porque no puede estar con su verdadera familia. No entiende porque no puede ser libre, por eso no entiende porque un barco tan grande y majestuoso le dispara por nada. Sabo no entiende porque el barco que ejemplifica sus sueños es el que destruye estos como una herramienta del mundo contra el que se revela. Este es el gran tema de la serie: la busqueda de la libertad. Los tres hermanos no quieren ser verdaderamente ningún rey de los piratas, sólo quieren ser los hombres más libres del mundo. No quieren imponerse a nadie, sencillamente quieren que nadie se les imponga a ellos. La fuerza, el poder de los puños o la espada, sólo es un medio para conseguirlo.
Esta libertad, el vivir la vida que uno quiera, es el gran motor de la serie y de los piratas. En este capítulo se perfila un poco más la personalidad del ya caído Ace a partir del dibujo de la figura de su padre. Es Garp -en otra de sus memorables escenas- el que explica el verdadero sentido de esa aparente estupidez temeraria que ha hecho a Ace enfrentarse ante BlueJam, que le llevará en el futuro a unirse a la banda de Barbablanca y a perseguir a Barbanegra, lo que finalmente le haría perder la vida ante Akainu. No es sólo la necesidad de sobreponerse a la leyenda de su padre, de demostrar al mundo que el existe, es sobre todo proteger su mundo del resto del mundo. Proteger a Luffy de cualquier amenaza, como su padre desafiaba ejércitos enteros por sus compañeros. Es esta la misma actitud que Luffy siempre ha adoptado ante los grandes enemigos, la que le llevó al duelo "mano a mano" con Aokiji y la que le hizo desafiar al gobierno mundial en Enies Lobby. Es la misma actitud que hacia que Barbablanca jamás diera la espalda al peligro para proteger de este las propias espaldas de sus hijos cuando huían de este. Es este el rol del capítan. Son también las lágrimas por la muerte de Sabo que Ace reprime ante Luffy porque este no puede verle llorar, porqué él es el apoyo en el que Luffy tiene que confiar. La misma integridad que Zoro le pide a Luffy o que él mismo muestra al asumir todo el dolor de Thriller Bark y que todos sus compañeros respetan. Es este el rol de hermano mayor. Es este el verdadero significado de los nakamas que Saulo anunció a Robin: compañeros con los que compartir la vida, una familia formada por lazos más fuertes que los de sangre. Porque en la bohemia piratería que presenta este manga el capitán es un padre y un hermano mayor, alguién que ha de velar por los más débiles. Luffy no quiere ser fuerte para derrotar a Kaidoh, ni siquiera para vengarse apaleando a un perro o a un mono a un agujero negro andante, Luffy verdaderamente quiere ser fuerte para proteger a Nami y Usopp.
Triste capítulo de tres hermanos que ven como sus más inocentes sueños de libertad son quebrados por un mundo. Lagrimas de impotencia al no ser lo suficientmente fuertes para imponerse al mundo, un mundo opresor perfectamente ejemplificado en unos tenryuubitos que cabalgan a lomos de esclavos.

pd: dicho sea de paso, el capítulo no me ha gustado especialmente, pero al final me he liado y me ha salido una reflexión interesante -y algo rollera y pedante, dicho sea de paso- sobre la serie. En fin, el flashback parece bastante cercano a su final y supongo que tras el parón de la siguiente semana regresaremos al "presente", a la trama principal y a todo lo que ello conlleva (que cualquier excusa es buena para poner una imagen de Hebihime-sama XD).

La más divertida pareja

MOMENTO MÍTICO 7 - Los deambuleos de Mortadelo y Filemón

"Mortadelo y Filemón" constituyen una de mis primeras grandes aficiones. Antes de que llegaran los videojuegos, el manga, el anime, el cine o hasta la propia música, antes de todas ellas estaban la literatura y los comics. Hoy hablaré de la obra más ilustre del gran Francisco Ibánez: Mortadelo y Filemón.
Soy un gran admirador de otras obras del autor como son "Pepe Gotera y Otilio" y "13 Rue del Pércebe", pero es indudable que su obra más emblemática (tanto que, por desgracia, engulló al resto) son las aventuras de los agentes de la TIA.
Mortadelo y Filemón comenzarían su andadura como detectives privados, pero creo que esta es su época más de "Pulgarcito" y de historietas cortas. La serie se redefiniría con la llegada de la TIA, de "el Super", del profesor Bacterio y de "la Ofelia". Y desde ese gran "Sulfato atómico" hasta aproximadamente mediados de los 90 Ibañez nos regalaría un grandísimo cómic detras de otro. Después comenzaría la decadencia de la serie, con unos gags ya demasiados repetitivos y unas historias que ya están demasiado centradas en la actualidad. Pero no hablaré de esta época (pues además ya he abandonado su seguimiento), me centraré en la época dorada de la serie.
"Mortadelo" es una serie que nace en revistas y que hasta los noventa no se publicaría directamente en formato álbum, su estilo viene determinado por ello. Historias casi independientes de unas pocas páginas que habían de tener un principio, un desarrollo y un final. Ibáñez parodiaba el género de espias y planteaba cada una de estas minihistorias como misiones. Misiones absurdas y paródicas que, no obstante, enarbolaban un humor universal, muy visual y gestual pero no exhento de inteligencia y algo de mala leche. "Mortadelo y Filemón" nunca pretendieron ser "Asterix" y su humor es más sencillo y accesible, obviamente distinto, pero tan o más disfrutable como el del galo. Uno sabía que iban a buscar una entrada rara para llegar a la TIA o que el Super los iba a encontrar escondidos en el lugar más recóndito del mundo, que Mortadelo se iba a disfrutar, que Filemon iba a recibir siempre y que al final acabarían siendo perseguidos mientras un periódico o una radio nos narraba la desgracia que habían propiciado. Porque lo importante era el camino que recorrían, el perro al que tenían que hacer tragarse una morcilla, el elefante que se cruzaba en la calle, lo que esperaba a los héroes en el suelo tras una caída de varias decenas de metros. Ese humor gráfico cargado de detalles surrealistas y que claramente son inconfundibles definieron un estilo que me hizo disfrutar con muchas aventuras.
La imagen anterior pertenece a "Contrabando", que a mi parecer es uno de los mejores comics de la pareja. Aquí el estilo y la narrativa de Ibañez se encuentran en su apogeo. Vemos gags tan ocurrentes y brutales como el de la imagen, las viñetas están cargadas de multitud de detalles surreales que se aglutinan en el segundo plano. Y además vemos todos los grandes tópicos de esta pareja: la misión de protección de un testigo al que torturan, la clásica "misión de perro", la de la anciana que lo confunde todo, la de acumulación de golpes sobre Filemón, las persecuciones con el Super en uno y otro sentido. Faltan Ofelia y el Bacterio, pero es no impide que este cómic sea un disfrute de la primera a la última página y un festival de las carcajadas más genuinas.
No obstante no puedo terminar la reseña sin mencionar el curioso el caso de "El sulfato atómico", cómic que inauguró esta época de la serie y que muestra una historia sorprendentemente continuada y con un guión y un dibujo espectaculares. Esta historia era mucho más un cómic europeo que un tebeo español y lo cierto es que no puedo evitar sentir algo de curiosidad por saber que habría sido de esta serie si hubiera continuado con ese estilo.

El siguiente momento mítico se saldrá de las temáticas habituales de este blog para viajar a la calurosa Francia de los meses de Julio en compañía de un extraterrestre disfrazado de locomotora navarra.

Un libro que debería ser obligatorio leer

Momo

Hace algunos meses, quizás hace ya más de un año, vi la reseña de esta novela en un blog que ahora mismo por desgracia no logro recordar. Leí este libro hará posiblemente ya más de 15 años, pero aquella reseña despertó en mi el recuerdo de aquella lectura y de lo saludable que era. Estos últimos día he releido esta pequeña novela del gran Michael Ende. Una lectura maravillosa y terriblemente recomendable
"Momo", quizás siempre a la sombra de "La historia interminable", un libro prodigioso. La historia de la pequeña y atemporal Momo y su batalla contra los hombres grises puede parecer un relato infantil a primera vista, pero su lectura es mucho más profunda. "Momo" es, como "1984" o "Rebelión en la granja" un libro que debería ser de lectura obligada, no ya sólo para los niños -que también- si no para los propios adultos. Son libros distintos, libros escritos con tal inteligencia que te hacen replantearte tus ideas y la forma en la que vives la vida. Libros con unas ideologías tan puras que la tergiversación no es posible ante ellos. La verdad indiscutible que es la alienación de las personas, la conversión en autómatas de los trabajadores con la que sueña el capitalismo más salvaje, la renuncia a los sueños y la perdida de la capacidad de jugar a la que la sociedad nos obliga, todas ellas son cosas que desgraciadamente damos tan por supuesto que apenas pensamos en ellas. El viaje de esta inocente niña y la tortuga Casiopea es un puñetazo encima de la mesa contra ese conformismo. No debemos ser fagocitados por el mundo, debemos vivir en él y ser felices tal y como queramos, por muy cursi y ridículo que suene este mensaje. Hemos de trabajar para vivir, no vivir para trabajar. Hemos de disfrutar del poco tiempo que tenemos en este mundo.
Continuemos disfrutando de pequeños placeres como el de esta lectura y disfrutemos del gigantesco don de la creatividad y el simple placer del ocio más elemental. Continuemos divirtiéndonos perdiendo el tiempo, ya los hombres grises gobiernan demasiado nuestro mundo.

A muerto por segundo

Sin and Punishment: Succesor of the skies

Como ya comenté en su momento, el "Sin and Punishment" original fue un juego que me quedé con las ganas de probar hace diez años y que cuando conseguí jugar hace unos meses gracias a la consola virtual me divirtió sumamente. Mucho esperaba esta segunda parte, y nada me ha decepcionado.
Basicamente este juego es lo mismo que su precesor, con pequeñas variaciones pero más o menos lo mismo que vimos en el juego de Nintendo 64. Es más largo pero quizás esto lo consigue a base de repetir más un mismo esquema. Es también más difícil, pero el mando de la Wii ofrece unas posibilidades increibles para un juego de estas características.
El juego es un shooter de la más vieja y tradicional escuela, nuestro personaje avanza automaticamente sobre un escenario y vamos disparando a todo lo que aparece ante nosotros, que normalmente también nos disparará a nosotros. El avance es automático y nosotros nos podemos mover a lo largo y ancho de la pantalla, esta es una de las modificaciones con respecto al juego original pues antes sólo podiamos movernos a izquierda y derecha y saltar, y ahora nuestro personaje también flota y ganamos un plano más en el que movernos. Esto parecería poder hacer el juego más fácil, pues además el wiimote se usa como resulta más obvio y su puntero nos permite apuntar con una facilidad y rapidez extraordinarias. Es un error. A la par que el control, la dificultad y el diseño de niveles cambian. Nos atacan enemigos desde todos los ángulos posibles, y normalmente simultaneamente. Es uno de esos juegos que requieren toda la atención y los reflejos del jugador en todo momento. El más mínimo error supondrá la perdida de parte de nuestra vida o, casi peor, del multiplicador de puntos que tenemos (multiplicador que aumenta conforme acertamos a enemigos y que determina los puntos totales que conseguimos al abatir al siguiente enemigo, multiplicador que es la clave para conseguir una buena puntuación). El único aspecto en el que se ha rebajado la dificultad del juego es en el tiempo, continua siendo limitado pero en este juego ya no se nos quita vida cuando se nos acaba (este era uno de los puntos que le daban mayor dificultad al título original, pero particularmente agradezco que nos hayan quitado este elemento que casi añadía demasiado frenesí al juego).
El juego es bastante más largo que su predecesor, mostrándonos unos ocho niveles bastante largos. Los niveles son bastante distintos los unos de los otros y nos ofrecen interesantes variaciones sobre el esquema de juego (avance lateral, hacia el fondo, suelo fijo, en el aire, sobre lava...). Los escenarios son bastante espectaculares a nivel visual y estan cargados de enemigos, pero aunque son bastante variados en algunos momentos pueden hacerse demasiado repetitivos. El juego original presentaba unos niveles más cortos y más variados, en esta segunda parte las variaciones son menores. El juego verdaderamente resulta agotador por la cantidad de atención que requiere y la tensión a la que somete al jugador. He titulado esta entrada como "A muerto por segundo" y creo que es bastante acertado, en mi última partida he acabado con unos 4000 y pico muertos en algo menos de dos horas. La cantidad enemigos que matas en el juego es impresioante, y es curioso que casi los momentos de más relax sean los enfrentamientos con enemigos finales. El juego esta plagado de este tipo de monstruos (facilmente tres o cuatro por nivel), son gigantescos y originales, atacan con las tradicionales rutinas que debemos contrarrestar y en las cuales en ocasiones está la única clave para derrotarlos. La colección de monstruos proporciona algunos de los mejores momentos del juego, pero siendo un juego de una Treasure a la que Nintendo pidió directamente que no rebajaran la dificultad del juego evidentemente tampoco son un paseo de rosas, y aquí aparte de los grandes monstruos de final de fase tengo que citar a un enemigo al que yo cariñosamente llamo "el puto topo de la puta grua".
El juego es divertido e intenso, una pequeña joya en este género ya tan en retroceso. Me parece superior al primero, aunque lo colocó por detrás de mi adorado "Lylat Wars". El juego tiene muy buenos mimbres, pero aquella inolvidable aventura de Fox McCloud tenía más una jugabilidad más rica con todas las posibilidades que aquellos 15 planetas ofrecían y esa aventura que sabías que salía de Corneria y acababa en Venom, pero por que otros planetas pasaría. Todo este tipo de juegos son muy rejugables, y este juego tiene además un ranking online que "pica" bastante e incita a seguir jugando para mejorar nuestras estadísticas.
A nivel de producción el juego raya a muy buen nivel. El control es excelente y este es uno de esos juegos para los que parece casi diseñado el Wiimote. A nivel sónoro presenta una buena banda sonora con cortes muy sugerentes, aunque la explosión de efectos de sónido y el frenetismo de la partida sólo permiten escucharla en los escasos momentos de pausa que nos concede el juego. El juego esta doblado al inglés y, sorpresivamente, nos viene también con las voces originales en japonés. A nivel gráfico el juego muestra un extraño contraste al presentarnos unas cinemáticas bastante cutres en modelados y planificación y luego deslumbrarnos con una fluidez impresionante durante el juego, y este no deja de ser el apartado en el que verdaderamente importa. Nos movemos, muchas veces con ángulos poco menos que imposibles, a través de escenarios gigantescos al mismo tiempos que nos atacan decenas y decenas de enemigos, y no he visto una sola relentización a pesar de la ingente cantidad de disparos y explosiones que vemos pasar ante nuestros ojos.
Frenético a más no poder, es uno de esos juegos que pide todo lo que tiene dentro el jugador y si acaso algo más. Es corto (si se utilizan las continuaciones infinitas que el juego permite), pero muy divertido y rejugable. Una nueva joya del catálogo de la Wii y un juego absolutamente recomendable para los jugadores que disfrutan de este género.

El día que Miura dibujó Claymore

Claymore 104 - Espiral de angustia

No se si este capítulo de Claymore es especialmente malo o sencillamente es una consecuencia lógica de la tan rara saga que Yagi lleva dibujando desde hace ya un par de años. El caso es que es un episodio... raro, muy raro.
Comenzamos con Hellen y Deneve escapando, algo que creo que ya se hace demasiado repetitivo en un manga mensual. Puede que sólo llevemos dos o tres capítulos así, pero es una escena que me parece que está ya muy vista, y los recursos del duo dinámico de provocar una lluvia de palitroques mortales de Raphalucci o emplear la defensa Barbablanca están también ya demasiado vistos. Y tras ellas va una Pricilla que se limita a mirarlo todo despectivamente, tampoco es algo que podamos decir que nos sorprenda mucho.
Yagi lleva como media docena de episodios repitiendo el mismo capítulo con pequeñas variaciones y pequeños cambios argumentales a espera de un desenlace que creo que en este capítulo ha llegado. Y ese desenlace es que las hermanísimas han salido del cascarón. Parecía dificil de creer que la reina del desierto se fuera a enfrentar a un Gundam tamaño XXL, pero lo que no me esperaba es que de su interior fuera a salir una masa viscosa repleta de caras digna de los momentos más angustiosos de Berserk o los más bizarros de Gantz. Cosa rara, cosa muy rara que no obstante entra dentro de las rarezas y paranoias que Yagi está introduciendo últimamente en la serie. Este... "moco gigante multifacial encabronado" no sé por donde saldrá, es el tipo de enemigo que no me gusta porque a) todo el carisma que tiene es negativo, y b) evidentemente no va a vencer a un enemigo fuerte fagocitándolo o aplastándolo. Así pues ahora parece que "la masa" va a poseer a Clare (o a sus restos, para ser más exactos) o algo parecido. Enlazaría algo con esa escena tan rara de Raphaela en la cabeza de Clare, pero sería un power-up tan bestia que me parece dificil de creer. En fin, en Yagi confiamos, aunque últimanete el manga dista mucho de encontrarse en su mejor momento.

errare humanum est

One Piece 587 - "No huire"

Capítulo flojo, para que negarlo. Un capítulo que me resulta más llamativo por sus puntos negativos que por los positivos. Porque el anterior capítulo apuntaba a algo que podía ser muy grande, pero se ha quedado finalmente en tierra de nadie. El capítulo se divide claramente en tres hilos narrativos: Dragon, Ace y Sabo. Los tres, por desgracia, me parecen bastante flojitos.
Esperaba que Dragón hiciera una aparición estelar y quemara la verdadera basura del reino, pero papaito simplemente ha llegado y ha salvado a los que los nobles habían condenado a morir. Extrañamente idealista de cara a lo que parece que es Dragón y su ejército revolucionario, y ¿por que no decirlo? bastante decepcionante. No obstante, en estas viñetas Oda es Oda como nunca y nos muestra a Kuma entre los hombres de Dragón como si nada. Era algo obvio, pero no deja de ser extraña la naturalidad y sencillez con las que Oda las confirma. Curioso y muy "Odesco" que los revolucionarios vayan encapuchados... cuando dudo que alguién sea capaz de olvidar o confundir las siluetas de Kuma e Ivan-chan.
La parte de Ace tambíen me ha dejado bastante frío. Luffy tiene un papel bastante pasivo y verdaderamente parece que lo importante del flashback aún está por llegar. Me parece prematuro y un poco flipada por parte de Oda que Ace saque su haki tan brutalmente. Dadan por fin ha entrado en acción, pero no ha hecho mucho y supongo que la veremos en todo su esplendor (dentro del esplendor que puede desplegar Dadan) cuando lleguen los tenryuubitos y se monte el caos final. De momento lo mejor de Dadan ha sido ese cómico intento de huída 100% One Piece.
La otra parte del capítulo es para Sabo, y el niño se resiste a morir y continua sorprendiéndonos un capítulo detrás de otro. El encuentro con Dragón al final ha quedado en nada y el crio, tras un nuevo encuentro con su anodina familia, no tiene otra idea que echarse a la mar. Quizás se lo coma un rey del mar en el próximo capítulo, quizás llegue a ser un gran pirata del Nuevo Mundo... sinceramente no lo sé y con este crío ya me niego a aventurar nada (aunque supongo que lo veremos pues este no deja de ser su flashback). No puedo evitar mencionar lo que he visto en diversos foros sobre la similitud de la bandera de Sabo (Sabo puede ser muchas cosas, pero desde luego no es un prodigio de creatividad gráfica) con la "S" tachada que Ace lleva tatuada, tatuaje que dicho sea de paso siempre me había intrigado.
Capítulo bastante flojo que alarga un poco más el flashback. Llevamos ya cinco capítulos y podríamos estar encarando su final, pero Oda lo esta alargando bastante y no termino de ver cual será el gran conflicto o acontecimiento que marcará a Luffy. Los tenryuubito parecen la inevitable clave para todo el arco argumental, a ver como lo maneja Oda por el ritmo de esta saga me está pareciendo que amaga muchas veces con una posibilidad para luego echarse atrás.

knock, knock Leonard... knock, knock Leonard... knock, knock Leonard

The Big-bang theory (3ª temporada)

Tercera temporada de esta particular sitcom americana centrada en la vista de cuatro físicos (bueno, tres y un... ingeniero) y el universo friki en el que viven.
La serie se mostró vacilante en sus principios, pero a partir de la segunda mitad de la primera temporada encontró su rumbo y desde entonces no ha hecho si no caminar en ese sentido guiado por el gran Sheldon Cooper. El físico teórico con síndrome de Asperger sigue siendo el gran protagonista de la serie y el motor principal de esta, pero afortunadamente los guionistas saben cada vez mejor como usar a Howard y Raj. Ambos son dos personajes muy particulares y los guionistas se han dado cuenta de que para que funcionen han de contener algo al judio y liberar al hindú, eso es lo que hacen en esta temporada y ambos funcionan a la perfección. Leonard se muestra algo dubitativo, su rol es el de "normal" (normal dentro de lo que es la tropa de esta serie) y el protagonismo en esta temporada lo obtiene en base a su noviazgo con Penny.
La pareja del físico y la camarera es el otro gran motor de la serie, y en esta temporada en concreto obtiene un gran peso. El problema es que en ocasiones la serie se centra demasiado en este aspecto, y no funciona todo lo bien que todos quisieramos. Este problema también sucede cuando un episodio se centra demasiado en Sheldon y se exageran sus manias (ya de por si bastante exageradas). Esta serie funciona mejor cuando mantiene el equilibrio, cuando no se centra tanto en los personajes si no en las situaciones y en los diálogos.
La temporada tiene algún que otro altibajo, pero si bien hay algún episodio que no me ha terminado de gustar o alguna situación que me ha parecido muy forzada, hay muchas otras que lo compensan por el otro lado. Y así, para compensar un flojo retorno de la madre de Leonard, tenemos un antológico episodio del corte de "Como comenzó todo", para compensar algún que otro momento excesivo de Sheldon tenemos "el Ojo del Tigre", y para compensar algún que otro exceso de Penny tenemos el episodio del Anillo Único.
Y en la cuarta tendremos a Blossom.